Rinascimento
Firenze, 1420: l'Antichità classica entra nella bottega del pittore e cambia tutto.
Nel 1425, un giovane fiorentino figlio di uno scalpellino di nome Masaccio salì su un ponteggio nella Cappella Brancacci e fece qualcosa che nessun pittore europeo aveva fatto da oltre mille anni: dipinse figure che proiettavano ombre sul terreno, corpi che occupavano lo spazio tridimensionale così come lo occupano i corpi nel mondo reale. La *Trinità* di Santa Maria Novella, affrescata qualche anno dopo, impiegò le regole della prospettiva lineare appena formulate da Brunelleschi per evocare una volta a botte così convincente che i contemporanei, stando ai resoconti, bussavano sulla parete per verificare se fosse cava. Il Rinascimento era già in moto prima che qualcuno gli desse un nome. Nato nelle botteghe fiorentine dei primi decenni del Quattrocento, si diffuse a Venezia, Roma, Milano e infine attraversò le Alpi per diventare la rivoluzione stilistica più lunga e geograficamente ambiziosa della pittura occidentale. Quando Leonardo fondeva scienza e bellezza nell'*Ultima Cena* (1495–98) e Michelangelo trasformava la volta della Cappella Sistina nell'argomentazione più monumentale mai costruita in difesa della dignità del corpo umano, il movimento aveva già prodotto un canone di capolavori che i secoli successivi avrebbero trascorso trecento anni a cercare di eguagliare. Il suo movimento conclusivo — il Manierismo, nelle mani di Pontormo, Bronzino ed El Greco — dilatò gli ideali del Rinascimento fino a trasformarli in un deliberato elogio dell'artificio.
Origine e storia
Il Rinascimento ebbe inizio a Firenze nei primi decenni del Quattrocento, e prese avvio, come spesso accade con le rivoluzioni, da un concorso. Nel 1401, l'Arte dei Mercanti di Calimala bandì un concorso per le nuove porte in bronzo del Battistero di Firenze. Vinse Lorenzo Ghiberti; il suo rivale Brunelleschi perse e canalizzò la sua frustrazione nell'architettura e nell'ottica, giungendo infine a formalizzare le leggi matematiche della prospettiva lineare — la tecnica che avrebbe consentito ai pittori per i cinque secoli successivi di creare uno spazio tridimensionale convincente su una superficie piana. La prospettiva fu la tecnologia fondante del movimento, e precedette la maggior parte dei suoi grandi dipinti.
Perché Firenze? Era la città più ricca d'Europa, governata da dinastie del commercio della lana e della banca — i Medici in primo luogo — che gareggiavano nell'ostentare cultura e pietà attraverso il mecenatismo artistico. Cosimo de' Medici finanziò la ricostruzione di San Lorenzo e tenne Donatello in una sorta di ingaggio permanente; suo nipote Lorenzo si circondò di Botticelli, Ghirlandaio e del giovane Michelangelo. I Fiorentini erano anche insolitamente ossessionati dall'Antichità classica. Le rovine romane abbondavano in tutta Italia, ma gli umanisti fiorentini — Petrarca una generazione prima, poi Bruni, Ficino, Pico della Mirandola — avevano convinto i Fiorentini colti che Grecia e Roma rappresentavano un vertice intellettuale ed estetico che i secoli medievali avevano catastroficamente abbandonato. Il compito della pittura era recuperare quel vertice.
Masaccio morì a ventisei anni, nel 1428, appena agli inizi. Ma i suoi affreschi della Cappella Brancacci furono studiati da tutti i grandi pittori fiorentini per il secolo successivo, come avrebbe poi registrato Vasari. Piero della Francesca spinse la geometria oltre ad Arezzo e Urbino, costruendo figure di solidità quasi cristallina attraverso luce e ombra. Andrea Mantegna portò il vocabolario classico verso nord, a Mantova, dipingendo figure in scorcio che sembravano scese da sarcofagi romani. Verso gli anni Novanta del Quattrocento la prima generazione aveva trasmesso le proprie scoperte ai tre pittori che avrebbero definito quello che i critici successivi chiamarono l'Alto Rinascimento: Leonardo a Milano e Firenze, Michelangelo a Firenze e Roma, Raffaello tra le due città finché papa Giulio II non lo convocò a Roma per dipingere le Stanze Vaticane. La concentrazione di ambizione e talento a Roma tra il 1505 e il 1520 fu probabilmente senza pari in tutta la storia dell'arte occidentale.
Concetto e filosofia
I pittori del Rinascimento non si vedevano come gli iniziatori di un movimento. Credevano di recuperare un sapere perduto — precisamente quello che la Grecia e la Roma antiche avevano posseduto e che i secoli medievali avevano dimenticato. Questa convinzione plasmò tutto ciò che fecero.
Primo, che il corpo umano è il soggetto centrale dell'arte. Non perché gli esseri umani siano più importanti di Dio, ma perché — per gli umanisti rinascimentali — il corpo era la prova più intricata e gloriosa dell'intelligenza creatrice divina. L'Adamo della Sistina di Michelangelo e le figure della *Scuola di Atene* di Raffaello sono affermazioni teologiche travestite da affermazioni estetiche: il corpo, compreso e reso correttamente, rivela l'ordine divino che lo sorregge. L'anatomia divenne una disciplina quasi sacra. Leonardo sezionò decine di cadaveri; la conoscenza della muscolatura di Michelangelo era così profonda che gli anatomisti moderni studiano ancora i suoi disegni.
Secondo, che la geometria è bellezza. Il Rinascimento ereditò dall'Antichità la convinzione che la proporzione ideale — la *Sezione Aurea*, la teoria vitruviana del corpo umano come modulo geometrico — non fosse una convenzione ma una legge di natura. I pittori organizzavano le loro composizioni in triangoli, cerchi e armature geometriche intrecciate. L'*Uomo vitruviano* di Leonardo è la dichiarazione iconica di questa convinzione; la *Madonna del prato* di Raffaello (1506), con le sue figure perfettamente triangolate, ne è il dipinto più bello.
Terzo, che la pittura deve narrare con la serietà della letteratura classica. Il Rinascimento elevò la pittura di storia — scene di mitologia, storia antica, Bibbia — al di sopra di tutti gli altri generi. Un dipinto dell'Annunciazione o della Battaglia di Càscina non era decorazione; era un argomento morale e intellettuale in forma visiva, che esigeva dal pittore e dallo spettatore la stessa formazione che un poema in latino esigeva da scrittore e lettore.
Quarto, che questi ideali potevano essere spinti fino a mettere in discussione sé stessi. La generazione che seguì i maestri dell'Alto Rinascimento — Pontormo, Rosso Fiorentino, Bronzino e poi El Greco — ereditò una tradizione che sembrava aver raggiunto la perfezione apparente, e rispose deformandola deliberatamente: figure dalle proporzioni impossibili, pose di studiata artificiosità, palette acide di verde-argento freddo e rosa. Questo è il Manierismo, il brillante e inquieto epilogo del Rinascimento.
Come riconoscerlo
Sei segnali visivi che percorrono l'intero arco della pittura rinascimentale, dagli affreschi di Masaccio nella Cappella Brancacci ai ritratti di corte fiorentini di Bronzino.
- Spazio tridimensionale convincente — Le figure occupano uno spazio reale — proiettano ombre, si sovrappongono e si allontanano in profondità seguendo le regole della prospettiva lineare. La linea dell'orizzonte è sempre presente; edifici e pavimenti convergono verso un punto di fuga. Se lo spazio dipinto sembra percorribile, sei in territorio rinascimentale.
- Composizione geometrica e centrata — Il Rinascimento organizza le proprie figure in triangoli, cerchi e raggruppamenti piramidali stabili, solitamente equilibrati intorno a un asse centrale. Le Madonne triangolate di Raffaello ne sono l'archetipo; anche un'*Ultima Cena* o una *Scuola di Atene* affollate si risolvono, a un'analisi attenta, in un ordine geometrico intrecciato.
- Corpi idealizzati ma pesanti — Le figure sono belle — proporzionate secondo gli ideali classici — ma hanno autentica massa e volume. I panneggi si piegano sotto la gravità; la muscolatura è anatomicamente credibile; i piedi toccano il suolo in modo convincente. Il corpo è idealizzato a partire dal reale, non inventato dal nulla.
- Luce uniforme e diffusa — La luce rinascimentale è tipicamente uniforme e ambientale piuttosto che drammatica. Ci sono ombre, ma sono modellate e graduate; nessuna figura è inghiottita dal buio. Il mondo appare visto in piena luce del giorno, ogni superficie leggibile. Questo cambia radicalmente nelle opere manieristiche, dove l'illuminazione diventa più strana e selettiva.
- Sfondo architettonico classico — Archi, logge, colonne con capitelli corinzi, pavimenti di marmo con intarsi geometrici — il fondale architettonico nella pittura rinascimentale è una grammatica dell'Antichità. Anche le Madonne in paesaggio sono spesso collocate davanti a un arco o a una rovina classica, mettendo l'immagine sacra in dialogo con Roma.
- Distorsione manieristica come contro-segnale — Nella fase finale del movimento, cerca l'opposto dell'armonia rinascimentale: figure dai colli e dai torsi *impossibilmente* allungati, pose di studiata artificiosità, palette acide di verde-argento freddo e rosa. La *Deposizione* di Pontormo (v.1528) e l'*Allegoria di Venere e Cupido* di Bronzino (v.1545) sono gli esempi più evidenti — pittura che conosce le regole rinascimentali a memoria e le infrange deliberatamente.
Aneddoti e curiosità
Michelangelo trascorse quattro anni sdraiato su un ponteggio, e odiò ogni singola giornata. Papa Giulio II gli commissionò la volta della Cappella Sistina nel 1508; il pittore firmò il contratto a malincuore, insistendo di essere uno scultore, non un affreschista. Congedò i collaboratori mandati da Ghirlandaio dopo poche settimane e lavorò in gran parte da solo, in condizioni così scomode che in seguito scherzò dicendo che la sua vista era stata durevolmente danneggiata dal leggere lettere tenendo il testo sopra la testa. Quando Giulio II gli chiese con impazienza quando sarebbe stato finito il soffitto, Michelangelo gli avrebbe risposto: «Quando sarà fatto». La volta fu inaugurata nell'ottobre del 1512, coprendo circa 500 metri quadrati con più di 300 figure — un programma di tale ambizione che gli artisti successivi lo chiamavano semplicemente «il soffitto», come se nel mondo ce ne fosse uno solo.
**Leonardo lasciò l'*Ultima Cena* incompiuta per anni — e inventò una tecnica che l'avrebbe distrutta.** Il duca Ludovico Sforza commissionò l'affresco del refettorio nel 1495. Invece di usare il vero affresco — che esigeva di dipingere sull'intonaco umido per sezioni e non lasciava spazio alla revisione — Leonardo sperimentò un impasto di olio e tempera applicato su una parete asciutta. Ciò gli permetteva di rivedere e ripensare ossessivamente, esattamente nel modo in cui amava lavorare. Ma significava anche che la pittura cominciò a sfaldarsi vent'anni dopo il suo compimento. Nel 1556 Vasari la descriveva come «tanto rovinata che non vi si scorge più nulla». Ogni restauro successivo — e ve ne sono stati molti — è stato in parte congetturale. Ciò che sopravvive oggi è tanto opera dei restauratori quanto di Leonardo stesso.
Raffaello diresse l'impresa artistica di maggior successo di Roma — e morì a trentasette anni. Nel decennio trascorso tra il suo arrivo a Roma (1508) e la sua morte il Venerdì Santo del 1520, Raffaello produsse gli affreschi delle Stanze Vaticane, decine di pale d'altare, cartoni per gli arazzi sistini e ritratti di papi e cardinali, mentre supervisionava simultaneamente i lavori della Basilica di San Pietro. Lo fece con una bottega di una cinquantina di collaboratori che formò e diresse con un'intelligenza organizzativa tanto impressionante quanto la sua pennellata. Vasari, che aveva otto anni alla morte di Raffaello, scrisse che Roma sentì la sua perdita «come se avesse perduto il sole». Il suo corpo fu esposto in Vaticano prima di essere tumulato nel Pantheon, dove aveva chiesto di essere sepolto accanto agli dèi antichi che aveva trascorso la vita a studiare.
I Medici rischiarono di distruggere il miglior lavoro giovanile di Michelangelo — e poi lo salvarono. Nel 1494, con i Medici cacciati da Firenze da una rivolta popolare, una folla saccheggiò Palazzo Medici. L'*Ercole* di Michelangelo — un marmo a grandezza naturale realizzato per il giardino della famiglia — fu sequestrato e alla fine venduto, passando per mani francesi prima di scomparire del tutto; la sua attuale ubicazione è ignota. Lo stesso Michelangelo era fuggito da Firenze l'anno precedente, a quanto pare avvertito da un fantasma (o da Piero de' Medici, i resoconti divergono) che la caduta della famiglia era imminente. Lasciò dietro di sé il rilievo della *Battaglia dei Centauri*, oggi alla Casa Buonarroti — la prima opera conservata che mostra inequivocabilmente chi sarebbe diventato.
Eredità e influenza
Il Rinascimento fissò di fatto il programma della pittura occidentale per quattrocento anni. Ogni pittore europeo formatosi tra il 1520 circa e il 1900 imparava a disegnare dalla scultura antica e dai maestri rinascimentali; studiava l'anatomia; organizzava le composizioni secondo un ordine geometrico; e considerava la pittura di storia — scene narrative dalla Bibbia, dalla mitologia o dalla storia classica — come la più alta ambizione possibile. Le istituzioni accademiche di pittura, dall'Académie royale francesa alla Royal Academy britannica dell'Ottocento, furono concepite come macchine per trasmettere i valori rinascimentali ai secoli successivi.
L'eredità del movimento vive anche in luoghi inattesi. La prospettiva — l'invenzione fondante del Rinascimento — è il principio matematico alla base di ogni obiettivo fotografico e di ogni scena generata al computer nel cinema. La tradizione del cartone di Raffaello alimentò direttamente la pittura narrativa vittoriana e da lì il libro illustrato e la narrazione grafica. Perfino l'insistenza di Michelangelo sull'anatomia come fondamento del disegno della figura sopravvive in ogni corso di disegno dal vero tenuto oggi. Il Rinascimento non produsse solo grandi dipinti; costruì l'architettura intellettuale all'interno della quale l'arte occidentale comprese se stessa per mezzo millennio.
6 artisti in questo movimento
Domande frequenti
Quando è iniziato e finito il Rinascimento?
Gli storici dell'arte italiani datano generalmente il Rinascimento dai primi anni del 1400 — il decennio degli affreschi di Masaccio alla Brancacci e degli esperimenti di prospettiva di Brunelleschi — fino al 1527 circa, quando il Sacco di Roma disperse la comunità dell'Alto Rinascimento. L'Alto Rinascimento, la fase breve e più celebrata, corre approssimativamente dal 1490 al 1527. Il Rinascimento del Nord si estese dagli anni Trenta del Quattrocento (Jan van Eyck) fino al 1600 circa. Il Manierismo, la fase finale in Italia, durò fino ai primi decenni del Seicento prima di essere definitivamente soppiantato dal Barocco.
Chi sono i pittori più importanti del Rinascimento?
Il trio canonico dell'Alto Rinascimento italiano è Leonardo da Vinci (1452–1519), Michelangelo Buonarroti (1475–1564) e Raffaello Sanzio (1483–1520). Dietro di loro: Masaccio (il fondatore, 1401–1428), Piero della Francesca (1415–1492), Sandro Botticelli (1445–1510), Andrea Mantegna (1431–1506) e — per la pittura veneziana — Giovanni Bellini (v.1430–1516) e Tiziano (v.1490–1576). Nell'epilogo manieristico: Pontormo, Bronzino e lo straordinario El Greco.
Quale tecnica è più associata al Rinascimento?
La prospettiva lineare — il sistema matematico, sviluppato a Firenze intorno al 1420, per proiettare lo spazio tridimensionale su una superficie piana — è il grande risultato intellettuale del Rinascimento. Altrettanto centrale è lo sfumato, la tecnica di Leonardo che sfumava i contorni con transizioni tonali impercettibili per creare profondità e atmosfera; e il chiaroscuro, la modellazione della forma attraverso luce e ombra graduate. A Venezia, Tiziano e Giorgione svilupparono un approccio più ricco e pittorico basato sul *tonalismo* — costruire la forma attraverso il colore piuttosto che attraverso il segno.
In che cosa il Rinascimento differisce dal Barocco che lo seguì?
Il Rinascimento privilegiava armonia, equilibrio e bellezza idealizzata — luce uniforme, composizione stabile, corpi in proporzione classica. Il Barocco, a partire dal 1600 circa, ruppe deliberatamente quell'equilibrio: illuminazione drammatica da un'unica sorgente, composizioni diagonali e instabili, modelli dall'aspetto reale con i piedi sporchi e le mani callose, figure colte in un istante di azione violenta. Dove una Madonna rinascimentale siede in trono in una calma geometrica, una Maddalena barocca si torce nel buio alla luce di una candela. Entrambi sono magistrali; semplicemente hanno ambizioni emotive opposte.
Perché si chiama 'Rinascimento'?
La parola significa 'rinascita'. Il termine fu usato sistematicamente per la prima volta dallo storico dell'arte Giorgio Vasari nelle sue *Vite degli artisti* del 1550, dove descrisse l'arco da Cimabue a Michelangelo come un recupero — una *rinascita* — degli standard dell'arte greca e romana antica. I pittori del Rinascimento stesso usavano la metafora del risveglio da un lungo sonno; credevano sinceramente che l'arte medievale fosse un'interruzione degradata di un vertice classico che loro stavano restaurando.