Renacimiento
Florencia, 1420: la Antigüedad clásica entró en el taller del pintor y lo cambió todo.
En 1425, un joven florentino hijo de cantero llamado Masaccio subió a un andamio en la Capilla Brancacci e hizo algo que ningún pintor europeo había hecho en más de mil años: pintó figuras que proyectaban sombras en el suelo que pisaban, cuerpos que ocupaban el espacio tridimensional tal como lo hacen los cuerpos en el mundo real. La *Trinidad* de Santa Maria Novella, pintada pocos años después, empleó las recién formuladas reglas de la perspectiva lineal de Brunelleschi para conjurar una bóveda de cañón tan convincente que los contemporáneos, según se cuenta, golpeaban la pared para comprobar si era real. El Renacimiento estaba en marcha antes de que alguien le pusiera nombre. Nacido en los talleres florentinos de principios del siglo XV, se extendió a Venecia, Roma, Milán y finalmente cruzó los Alpes para convertirse en la revolución estilística más larga y geográficamente ambiciosa de la pintura occidental. Para cuando Leonardo fundía ciencia y belleza en la *Última Cena* (1495–98) y Miguel Ángel convertía el techo de la Capilla Sixtina en el argumento más monumental jamás construido en defensa de la dignidad del cuerpo humano, el movimiento ya había producido un canon de obras maestras que los siglos siguientes dedicarían trescientos años a intentar igualar. Su movimiento de cierre — el Manierismo, en manos de Pontormo, Bronzino y El Greco — estiró los ideales renacentistas hasta convertirlos en un argumento deliberado a favor del artificio.
Origen e historia
El Renacimiento comenzó en Florencia a principios del siglo XV, y comenzó, como suelen hacer las revoluciones, con un concurso. En 1401, el Gremio de los Mercaderes de Telas convocó un concurso para diseñar las nuevas puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. Ganó Lorenzo Ghiberti; su rival Brunelleschi perdió y canalizó su frustración en la arquitectura y la óptica, logrando finalmente establecer las leyes matemáticas de la perspectiva lineal — la técnica que permitiría a los pintores durante los cinco siglos siguientes crear espacio tridimensional convincente sobre una superficie plana. La perspectiva fue la tecnología fundacional del movimiento, y llegó antes que la mayoría de sus grandes cuadros.
¿Por qué Florencia? La ciudad era la más rica de Europa, gobernada por dinastías de la lana y la banca — sobre todo los Medici — que competían por demostrar su cultura y su piedad a través del mecenazgo artístico. Cosimo de' Medici financió la reconstrucción de San Lorenzo y mantuvo a Donatello en una especie de retén artístico; su nieto Lorenzo se rodeó de Botticelli, Ghirlandaio y el joven Miguel Ángel. Los florentinos también estaban obsesionados de manera inusual con la Antigüedad clásica. Las ruinas romanas abundaban por toda Italia, pero los humanistas florentinos — Petrarca una generación antes, luego Bruni, Ficino, Pico della Mirandola — habían convencido a los florentinos cultos de que Grecia y Roma representaban una cumbre intelectual y estética que los siglos medievales habían abandonado catastróficamente. La tarea de la pintura era recuperar esa cumbre.
Masaccio murió a los veintiséis años, en 1428, habiendo apenas empezado. Pero sus frescos de la Capilla Brancacci fueron estudiados por todos los pintores florentinos importantes durante el siguiente siglo, según recogió Vasari. Piero della Francesca llevó la geometría más lejos en Arezzo y Urbino, construyendo figuras de solidez casi cristalina a partir de la luz y la sombra. Andrea Mantegna llevó el vocabulario clásico hacia el norte, hasta Mantua, pintando figuras en escorzo que parecían haberse bajado de sarcófagos romanos. Hacia la década de 1490 la primera generación había transmitido sus descubrimientos a los tres pintores que definirían lo que los críticos posteriores llamaron el Alto Renacimiento: Leonardo en Milán y Florencia, Miguel Ángel en Florencia y Roma, Rafael desplazándose entre ambas ciudades hasta que el papa Julio II lo llamó a Roma para pintar las Estancias del Vaticano. La concentración de ambición y talento en Roma entre 1505 y 1520 no tuvo probablemente parangón en toda la historia del arte occidental.
Concepto y filosofía
Los pintores del Renacimiento no se veían a sí mismos como iniciadores de un movimiento. Creían que estaban recuperando un saber perdido — concretamente el que Grecia y Roma antiguas habían poseído y que los siglos medievales habían olvidado. Esta convicción lo moldeó todo.
Primero, que el cuerpo humano es el sujeto central del arte. No porque los humanos sean más importantes que Dios, sino porque — para los humanistas renacentistas — el cuerpo era la evidencia más intrincada y gloriosa de la inteligencia creadora de Dios. El Adán sixtino de Miguel Ángel y las figuras de la *Escuela de Atenas* de Rafael son afirmaciones teológicas vestidas de estéticas: el cuerpo, entendido y representado correctamente, revela el orden divino que lo sustenta. La anatomía se convirtió en una disciplina casi sagrada. Leonardo diseccionó docenas de cadáveres; el conocimiento de la musculatura de Miguel Ángel era tan profundo que los anatomistas modernos siguen estudiando sus dibujos.
Segundo, que la geometría es belleza. El Renacimiento heredó de la Antigüedad la convicción de que la proporción ideal — la *Sección Áurea*, la teoría vitruviana del cuerpo humano como módulo geométrico — no era una convención sino una ley de la naturaleza. Los pintores organizaban sus composiciones en triángulos, círculos y entramados geométricos entrelazados. El *Hombre de Vitruvio* de Leonardo es la declaración icónica de esta creencia; la *Virgen del prado* de Rafael (1506), con sus figuras perfectamente trianguladas, es su pintura más hermosa.
Tercero, que la pintura debe narrar con la seriedad de la literatura clásica. El Renacimiento elevó la pintura de historia — escenas de mitología, historia antigua, la Biblia — por encima de todos los demás géneros. Un cuadro de la Anunciación o de la Batalla de Cascina no era decoración; era un argumento moral e intelectual en forma visual, que exigía del pintor y del espectador el mismo nivel de formación que un poema en latín exigía del escritor y del lector.
Cuarto, que estos ideales podían empujarse hasta que empezaran a cuestionarse a sí mismos. La generación que siguió a los maestros del Alto Renacimiento — Pontormo, Rosso Fiorentino, Bronzino y más tarde El Greco — heredó una tradición que había alcanzado la perfección aparente, y respondió deformándola deliberadamente: alargando figuras, acidificando el color, retorciendo las composiciones hasta una elegancia imposible. Esto es el Manierismo, el brillante e inquieto coda del Renacimiento.
Cómo reconocerlo
Seis señas visuales que recorren todo el arco de la pintura renacentista, desde la Capilla Brancacci de Masaccio hasta los retratos de la corte florentina de Bronzino.
- Espacio tridimensional convincente — Las figuras ocupan un espacio real — proyectan sombras, se superponen unas a otras y se alejan en la distancia siguiendo las reglas de la perspectiva lineal. La línea de horizonte está siempre presente; edificios y suelos convergen hacia un punto de fuga. Si el espacio pintado parece habitable, estás en territorio renacentista.
- Composición geométrica y centrada — El Renacimiento organiza sus figuras en triángulos, círculos y agrupaciones piramidales estables, equilibradas generalmente en torno a un eje central. Las Madonnas trianguladas de Rafael son el arquetipo; incluso una *Última Cena* o una *Escuela de Atenas* abarrotada se resuelve, al examinarla, en un orden geométrico entrelazado.
- Cuerpos idealizados pero con peso — Las figuras son hermosas — proporcionadas según los ideales clásicos — pero tienen masa y volumen genuinos. Los ropajes se pliegan bajo la gravedad; los músculos son anatómicamente creíbles; los pies tocan el suelo de manera convincente. El cuerpo está idealizado hacia arriba desde lo real, no inventado de la nada.
- Luz uniforme y difusa — La luz renacentista es típicamente uniforme y ambiental en lugar de dramática. Hay sombras, pero están modeladas y graduadas; ninguna figura queda tragada por la oscuridad. El mundo aparece visto a plena luz del día, con cada superficie legible. Esto cambia radicalmente en las obras manieristas, donde la iluminación se vuelve más extraña y selectiva.
- Entorno arquitectónico clásico — Arcos, logias, columnas con capiteles corintios, suelos de mármol con incrustaciones geométricas — el fondo arquitectónico en la pintura renacentista es una gramática de la Antigüedad. Incluso las Madonnas en paisaje rural suelen sentarse ante un arco o una ruina clásica, poniendo la imagen sagrada en diálogo con Roma.
- Distorsión manierista como señal inversa — En la fase tardía del movimiento, busca lo contrario de la armonía renacentista: figuras con cuellos y torsos imposiblemente alargados, poses de estudiada artificialidad, paletas ácidas de verde-plata frío y rosa. La *Deposición* de Pontormo (h.1528) y la *Alegoría del triunfo de Venus* de Bronzino (h.1545) son los ejemplos más claros — pintura que conoce las reglas renacentistas de memoria y las rompe a propósito.
Anécdotas y curiosidades
Miguel Ángel pasó cuatro años tumbado boca arriba sobre un andamio, y detestó cada uno de ellos. El papa Julio II le encargó el techo de la Capilla Sixtina en 1508; el pintor firmó el contrato a regañadientes, insistiendo en que era escultor, no fresco. Despidió a los ayudantes que Ghirlandaio le había enviado a las pocas semanas y trabajó mayormente solo, en condiciones tan incómodas que más tarde bromeó diciendo que su vista había quedado permanentemente dañada por leer cartas con el texto en alto sobre su cabeza. Cuando Julio II le preguntó con impaciencia cuándo estaría terminado el techo, Miguel Ángel le respondió supuestamente: «Cuando esté hecho.» El techo fue inaugurado en octubre de 1512, cubriendo unos 500 metros cuadrados con más de 300 figuras — un programa de tanta ambición que los artistas posteriores lo llamaban simplemente «el techo», como si solo hubiera uno en el mundo.
**Leonardo dejó la *Última Cena* incompleta durante años — e inventó una técnica que acabaría destruyéndola.** El duque Ludovico Sforza encargó el mural del refectorio en 1495. En lugar de usar el fresco verdadero — que exigía pintar sobre yeso húmedo en secciones y no dejaba margen para la revisión — Leonardo experimentó con una mezcla de óleo y témpera aplicada sobre una pared seca. Eso le permitía revisar y repensar obsesivamente, exactamente como le gustaba trabajar. Pero también hizo que la pintura empezara a desprenderse a los veinte años de su finalización. En 1556 Vasari la describía como «tan arruinada que no se puede distinguir nada». Cada restauración posterior — y ha habido muchas — ha sido en parte conjetura. Lo que hoy se conserva es tanto obra de los restauradores como del propio Leonardo.
Rafael dirigió la empresa artística más exitosa de Roma — y murió a los treinta y siete años. En la década transcurrida entre su llegada a Roma (1508) y su muerte el Viernes Santo de 1520, Rafael produjo los frescos de las Estancias del Vaticano, decenas de retablos, cartones para los tapices sixtinos y retratos de papas y cardenales, mientras supervisaba simultáneamente las obras de la Basílica de San Pedro. Lo hizo con un estudio de unos cincuenta ayudantes a quienes formó y dirigió con una inteligencia organizativa tan impresionante como su pincel. Vasari, que tenía ocho años cuando Rafael murió, escribió que Roma sintió su pérdida «como si hubiera perdido el sol». Su cuerpo estuvo en capilla ardiente en el Vaticano antes de ser enterrado en el Panteón, donde él mismo había pedido ser inhumado junto a los dioses antiguos que había dedicado su vida a estudiar.
Los Medici estuvieron a punto de destruir la mejor obra temprana de Miguel Ángel — y luego la salvaron. En 1494, con los Medici expulsados de Florencia por un levantamiento popular, una turba saqueó el Palazzo Medici. El *Hércules* de Miguel Ángel — un mármol de tamaño natural hecho para el jardín de la familia — fue confiscado y eventualmente vendido, pasando por manos francesas antes de desaparecer por completo; su paradero actual es desconocido. El propio Miguel Ángel había huido de Florencia el año anterior, al parecer advertido por un fantasma (o por Piero de' Medici, según la versión) de que la caída de la familia era inminente. Dejó atrás el relieve de la *Batalla de los Centauros*, hoy en la Casa Buonarroti — la obra conservada más antigua que muestra inequívocamente en quién iba a convertirse.
Legado e influencia
El Renacimiento fijó efectivamente el programa de la pintura occidental durante cuatrocientos años. Todo pintor europeo formado entre aproximadamente 1520 y 1900 aprendía a dibujar a partir de la escultura antigua y de los maestros renacentistas; estudiaba anatomía; organizaba composiciones en orden geométrico; y consideraba la pintura de historia — escenas narrativas de la Biblia, la mitología o la historia clásica — como la máxima ambición posible. Las instituciones académicas de pintura, desde la Real Academia francesa hasta la Real Academia británica del siglo XIX, fueron diseñadas como máquinas para transmitir los valores renacentistas a nuevos siglos.
El legado del movimiento vive también de maneras inesperadas. La perspectiva — la invención fundacional del Renacimiento — es el principio matemático que subyace a todo objetivo de cámara y a toda escena generada por ordenador en el cine. La tradición del cartón de Rafael alimentó directamente la pintura narrativa victoriana y de ahí al libro ilustrado y a la narración gráfica. Incluso la insistencia de Miguel Ángel en la anatomía como fundamento del dibujo de la figura persiste en todas las clases de dibujo del natural que se imparten hoy. El Renacimiento no produjo solo grandes cuadros; construyó la arquitectura intelectual dentro de la cual el arte occidental se comprendió a sí mismo durante medio milenio.
6 artistas en este movimiento
Preguntas frecuentes
¿Cuándo empezó y terminó el Renacimiento?
Los historiadores del arte italiano suelen fechar el Renacimiento desde principios del 1400 — la década de los frescos de la Brancacci de Masaccio y los experimentos de perspectiva de Brunelleschi — hasta alrededor de 1527, cuando el Saco de Roma dispersó la comunidad del Alto Renacimiento. El Alto Renacimiento, la fase breve y más celebrada, va aproximadamente de 1490 a 1527. El Renacimiento del Norte se extendió desde la década de 1430 (Jan van Eyck) hasta aproximadamente 1600. El Manierismo, la fase final en Italia, llegó hasta principios del siglo XVII antes de que el Barroco lo sustituyera de manera decisiva.
¿Quiénes son los pintores renacentistas más importantes?
El trío canónico del Alto Renacimiento italiano es Leonardo da Vinci (1452–1519), Miguel Ángel Buonarroti (1475–1564) y Rafael Sanzio (1483–1520). Tras ellos: Masaccio (el fundador, 1401–1428), Piero della Francesca (1415–1492), Sandro Botticelli (1445–1510), Andrea Mantegna (1431–1506) y — en la pintura veneciana — Giovanni Bellini (h.1430–1516) y Tiziano (h.1490–1576). En el coda manierista: Pontormo, Bronzino y el extraordinario El Greco.
¿Qué técnica se asocia más con el Renacimiento?
La perspectiva lineal — el sistema matemático, desarrollado en Florencia hacia 1420, para proyectar el espacio tridimensional sobre una superficie plana — es el logro intelectual distintivo del Renacimiento. Igual de central es el sfumato, la técnica de Leonardo de difuminar los contornos con transiciones tonales imperceptibles para crear profundidad y atmósfera; y el claroscuro, el modelado de la forma mediante luz y sombra graduadas. En Venecia, Tiziano y Giorgione desarrollaron un enfoque más rico y pictórico basado en el *tonalismo* — construyendo la forma mediante el color en lugar de la línea.
¿En qué se diferencia el Renacimiento del Barroco que vino después?
El Renacimiento valoraba la armonía, el equilibrio y la belleza idealizada — luz uniforme, composición estable, cuerpos en proporción clásica. El Barroco, a partir de aproximadamente 1600, rompió deliberadamente ese equilibrio: iluminación dramática de fuente única, composiciones diagonales e inestables, modelos de aspecto real con pies sucios y manos encallecidas, figuras atrapadas en un momento de acción violenta. Donde una Madonna renacentista se sienta entronizada en una calma geométrica, una Magdalena barroca se retuerce en la oscuridad a la luz de una vela. Ambos son magistrales; simplemente tienen objetivos emocionales opuestos.
¿Por qué se llama 'Renacimiento'?
La palabra significa 'renacimiento' o 'resurgimiento'. El término fue usado sistemáticamente por primera vez por el historiador del arte Giorgio Vasari en sus *Vidas de los artistas* de 1550, donde describió el arco de Cimabue a Miguel Ángel como una recuperación — una *rinascita* — de los estándares del arte griego y romano antiguo. Los propios pintores del Renacimiento usaban la metáfora de despertar de un largo sueño; creían sinceramente que el arte medieval era una degradada interrupción de una cumbre clásica que ellos estaban restaurando.