Sandro Botticelli

Estilo y técnica

Botticelli es el pintor de la línea. Mientras que la generación florentina justo antes de él había estado obsesionada con la perspectiva matemática y el volumen tridimensional, Botticelli tiró el ojo hacia atrás a una superficie plana y decorativa en la que el contorno de cada cuerpo, cada velo, cada rizo de cabello se dibuja con una línea larga, flexible, casi caligráfica. Su Venus no realmente se mantiene en su concha — flota en ella, sin peso, toda silueta.

Fue una opción deliberada. Había sido entrenado en el taller de Filippo Lippi en Florencia y absorbió el amor del maestro mayor por la drapería grácil y la postura elegante, luego empujó ese estilo más lejos que nadie más. Para principios de los ochenta su forma de pintar era inconfundible: figuras pálidas y ligeramente alargadas, cabezas inclinadas suavemente a un lado, expresiones melancólicas y remotas, colocadas contra prados o fondos planos dorados prestados de la tradición bizantina y sienesa.

« El cuerpo nunca se asienta. Cada figura está medio paso, medio vuelo, medio pensando en otra cosa.

Cuatro huellas hacen un Botticelli instantáneamente inconfundible.

Línea continua y fluida. Traza cualquier contorno con tu dedo — la silueta de una figura, el borde de una ropa, la onda del cabello — y encontrarás una sola curva que corre ininterrumpidamente durante una distancia extraordinaria. Dibujó el contorno primero, en tiza; el color vino después.

Rostros pálidos y melancólicos. Sus Madonas, sus Venus, incluso sus retratos de mercaderes florentinos — todos comparten los mismos ojos ligeramente bajos, la misma boca pequeña, el mismo aire de haber recordado algo triste.

Planitud decorativa. Las figuras se colocan en espacio poco profundo, a menudo contra un prado verde plano o fondo dorado. La perspectiva se sugiere, nunca agresiva. El cuadro sigue siendo cuadro.

Mitología renderizada como religión. Cuando pintó a Venus, la trató con la misma reverencia que los pintores florentinos habían estado dando a la Virgen María durante siglos. Las escenas mitológicas tienen un tono devocional.

Terminó su carrera en crisis religiosa. Después de que la predicación apocalíptica de Savonarola arrasó Florencia a mediados de los noventa, se dice que Botticelli quemó algunos de sus propios cuadros paganos en la gran Hoguera de la Vanidad en 1497. Su estilo tardío se volvió más oscuro, más ansioso, casi gótico. Para cuando murió en 1510, su manera grácil anterior ya estaba considerada pasada de moda — Leonardo y Miguel Ángel habían movido la pintura en una dirección diferente. No fue realmente redescubierto hasta que los Pre-Rafaelistas en la Inglaterra del siglo XIX se enamoraron de él y lo hicieron famoso nuevamente.

Vida y legado

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi nació en Florencia alrededor de 1444 o 1445. El apodo «Botticello» — «pequeño barril» — fue aplicado primero a su hermano mayor Giovanni, un corredor de lana corpulento, y se quedó en toda la familia. Sandro lo heredó. Era el menor de cuatro hijos, su padre un curtidor que trabajaba fuera de una tienda en el distrito Ognissanti, la familia ni rica ni pobre.

Estudió primero como orfebre, brevemente, antes de ser aprendiz a los quince años con Filippo Lippi, el gran fraile carmelita-pintor que había famosamente huido con una monja. Lippi le enseñó a Botticelli todo lo que usaría después — los velos translúcidos, las Madonas tranquilas, la línea elegante larga. Los dos eran cercanos. Cuando Lippi murió en 1469, Botticelli probablemente terminó algunos de los últimos trabajos de su maestro.

Para 1470 Botticelli tenía su propio taller en Florencia. Tenía 25 años.

« En una década era el pintor favorito de la familia más poderosa en Italia.

Los Medici — Cosimo, luego Piero, luego Lorenzo el Magnífico — habían estado ejecutando Florencia como una monarquía de facto durante cuarenta años a través de su banco y sus alianzas políticas. No eran patrocinadores vistosos. Preferían encargar arte para sus villas y capillas familiares en lugar de enormes comisiones públicas. Botticelli, tranquilo y elegante, les servía perfectamente. Desde finales de los setenta hasta los ochenta pintó docenas de obras para los Medici y su círculo interno — paneles de boda, polípticos de capilla, retratos, y las dos enormes alegorías mitológicas por las que es más famoso: «Primavera» (alrededor de 1482) y «El Nacimiento de Venus» (alrededor de 1485).

Ambas pinturas fueron probablemente diseñadas para Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, un primo menor de Lorenzo el Magnífico, para su villa rural en Castello. Ambas dependen de ideas filosóficas neoplatónicas circulando en el círculo intelectual Medici — la noción de Marsilio Ficino del amor como ascenso espiritual — envuelto en imágenes mitológicas que los patrocinadores habrían entendido.

En 1481 el Papa Sixto IV convocó a Botticelli a Roma, junto con Ghirlandaio y Perugino, para pintar frescos en las paredes laterales de la Capilla Sixtina — veinte años antes de que Miguel Ángel llegara a pintar el techo. Los tres frescos de Botticelli siguen allí, ligeramente ensombrecidos en la conversación por lo que vino después.

Los años noventa rompieron Florencia. Lorenzo el Magnífico murió en 1492. Los franceses invadieron Italia en 1494. Los Medici fueron expulsados. Girolamo Savonarola, un fraile dominico, asumió el control político y espiritual de Florencia y comenzó a predicar sermones apocalípticos contra la corrupción moral de los Medici, la Iglesia Católica y el arte pagano. En 1497 sus seguidores celebraron la famosa Hoguera de la Vanidad, quemando libros, espejos, joyas, vestidos y cuadros en la Piazza della Signoria central. Vasari afirma que Botticelli — quien se había convertido en un devoto savonaroliano — arrojó algunos de sus propios lienzos paganos al fuego. Si eso es exactamente cierto está debatido; lo cierto es que el estilo de Botticelli cambió abruptamente después de 1497. Las diosas paganas graciosas desaparecieron. Las pinturas tardías son más oscuras, más frenéticas, llenas de escenas religiosas abarrotadas y visiones apocalípticas.

Savonarola fue excomulgado, luego ahorcado y quemado en 1498. Los Medici eventualmente regresaron en 1512. Botticelli murió el 17 de mayo de 1510, dos años antes de que regresaran, a los 65 años. Fue enterrado en el cementerio de Ognissanti, la misma iglesia de la parroquia donde fue bautizado. Vasari, escribiendo cuarenta años después, dice que murió pobre y algo olvidado, y fue «tan buen hombre que no podía soportar rehusar a nadie».

Durante tres siglos su trabajo fue impopular. Los primeros pintores Pre-Rafaelistas en la Londres de 1850 — Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones — cayeron sobre él con fervor religioso, copiaron su línea y lo hicieron famoso nuevamente. Hoy la Uffizi en Florencia contiene la colección más grande de su trabajo, con El Nacimiento de Venus y la Primavera como piezas centrales.

Cinco cuadros famosos

El Nacimiento de Venus 1485

Probablemente la pintura mitológica más famosa de todo el Renacimiento. Pintada alrededor de 1485 en lienzo (inusual para la época — la mayoría de las obras grandes de esta escala estaban en paneles de madera), muestra a Venus, la diosa del amor, nacida adulta de la espuma del mar, soplada a la orilla en una gigantesca concha de vieira por Zéfiro y Aura mientras una ninfa de estación sostiene una capa floreada. La figura es pálida, casi sin peso, modelada en la Afrodita Cnidiana — una famosa escultura griega perdida que Botticelli solo habría conocido por copias. La pose de Venus, su mano modestamente colocada, es la fórmula Venus Pudica. El cuadro se hizo para la villa Medici en Castello y ahora está en los Uffizi en Florencia. Tiene aproximadamente 1,7 por 2,8 metros.

Primavera 1482

La alegoría mitológica más ambiciosa de Botticelli antes del Nacimiento de Venus, pintada alrededor de 1482 en témpera en un panel de madera de aproximadamente dos por tres metros. Ahora en los Uffizi, fue probablemente encargada para Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici y colgaba en su villa florentina. Nueve figuras se apiñan en un naranjal: Venus preside en el centro, su mano levantada en bendición; las Tres Gracias bailan a la izquierda en velos transparentes; Mercurio en el extremo izquierdo disipa las nubes con su caduceo; a la derecha, el dios viento Zéfiro seiza la ninfa Clóride y Flora esparce flores en el prado. La iconografía se basa en Ovidio y Lucrecio filtrado a través del Neoplatonismo de Marsilio Ficino — una alegoría cortesana del amor como el camino que devuelve el alma a la belleza divina. Bajo los pies, los botánicos han identificado ciento treinta y ocho especies distintas de plantas pintadas con precisión casi científica.

La Adoración de los Magos 1475

Témpera sobre panel, 111 × 134 cm, Uffizi. Encargada alrededor de 1475 por Gaspare di Zanobi del Lama para su capilla funeraria en Santa María Novella, se convirtió en algo más notable que un retablo devocional: un retrato virtual de la familia Medici disfrazado como los reyes del Este. Cosimo il Vecchio se arrodilla a los pies del Niño Jesús — el rey mayor, el patriarca de la dinastía, ya muerto cuando Botticelli lo pintó. Sus hijos Piero il Gottoso y Giovanni se mantienen en primer plano centro. Lorenzo il Magnifico, de veintiséis años, sostiene una espada en el borde derecho. El cuadro también contiene el primer autorretrato firmado que Botticelli jamás insertó en una obra religiosa: en el extremo derecho, en una capa amarilla larga, un hombre barbudo mira directamente al espectador. El cuadro es, en efecto, un anuncio Medici y una tarjeta de presentación de pintor en un marco.

Retrato idealizado de una dama (Simonetta Vespucci) 1480

Un retrato idealizado de una joven mujer en un peinado elaborado del Renacimiento, pintado alrededor de 1480-1485 e identificado tradicionalmente con Simonetta Vespucci — la famosa belleza florentina que modeló para la Venus de Botticelli y que murió de tuberculosis a los 22. La identificación es debatida; la pintura es probablemente tanto un ideal poético como un retrato. El cabello está atado con perlas e hilvanado con pliegues elaborados y plumas; el perfil es afilado y claro; la cara es la misma cara de Madona con ojos bajos que Botticelli pintó cientos de veces. El cuadro cuelga en el Museo Städel en Frankfurt.

La calumnia de Apeles 1495

Témpera sobre panel, 62 × 91 cm, Uffizi. Una obra tardía y turbada de después de la crisis de Savonarola que arrasó Florencia en 1494. El cuadro reconstruye una obra maestra antigua perdida descrita por Luciano de Samosata: el Rey Midas con orejas de asno se sienta entronizado a la derecha, flanqueado por personificaciones de Ignorancia y Sospecha susurrando en sus oídos. En el centro, la figura de la Calumnia — una joven hermosa sostiene una antorcha — arrastra a una víctima inocente por el cabello, acompañada por Envidia, Traición y Fraude. En el extremo izquierdo, la Penitencia en luto oscuro se vuelve hacia una figura desnuda de la Verdad, quien apunta al cielo. La arquitectura detrás es densa con relieves clásicos inventados por Botticelli en mármol. Comparado con Primavera o Nacimiento de Venus, el cuadro es más oscuro, más frágil, más pesimista — la obra de un hombre que ha visto a su ciudad quemar sus vanidades y está preguntando qué es el arte.