Movimenti artistici
Cinque secoli, in onde. Scuole, saloni e rotture — tocca un movimento per vedere i suoi pittori e la sua firma visiva.
Un movimento artistico è ciò che accade quando una massa critica di pittori, che lavorano più o meno nello stesso tempo e luogo, condivide una convinzione tanto forte su come debba apparire un quadro che il resto della storia dell'arte è costretto a prendere posizione nei loro confronti. I 21 movimenti raccolti qui coprono la pittura occidentale dal primo Rinascimento italiano — quando si stavano riscrivendo le regole della prospettiva e della proporzione umana — fino all'arte contemporanea del nostro stesso decennio.
Ogni pagina qui sotto è una guida di lettura breve e schietta: dove è nato il movimento, contro cosa si ribellavano i suoi pittori, come riconoscerlo in tre secondi al museo e quali artisti vale la pena conoscere per primi. Usale come una mappa.
Prospettiva appena scoperta; figure equilibrate, sfumato, il corpo umano ricostruito dall'interno.
Olio fiammingo, dettaglio microscopico, paesaggi moralizzati; la stessa rivoluzione, con luce più fredda.
Luce drammatica, gesto teatrale, ombre profonde; fede e potere messi in scena in un'unica scena.
Flirt pastello, curve dorate, ozio aristocratico dipinto in zucchero e seta.
Virtù romana contro sentimento tempestoso; rovine, stupore, rivoluzione, la natura come clima morale.
Colore piatto, inquadrature tagliate, Hokusai e Hiroshige riscrivono il modo in cui l'Europa vedeva il piano pittorico.
Contadini, lavoratori, il non-eroico: dipingere ciò che si vede davvero, alla scala un tempo riservata ai re.
Colore spezzato, en plein air, luce fugace; l'atelier uscito nel pomeriggio.
Van Gogh, Cézanne, Gauguin — l'impressione conserva il colore ma recupera struttura e sentimento.
Puntinismo: lo sfarfallio impressionista ricostruito come scienza dei punti, un tono puro alla volta.
Sogni, allegoria e linea decorativa; oro, gigli e la fine del XIX secolo fatta ornamento.
Angoscia resa visibile, colore caldo dritto dal tubetto, forma distorta per trasportare emozione.
Molti punti di vista insieme; oggetti analizzati, culto della velocità, il piano pittorico spalancato.
Antiarte come arte: collage, ready-made e nonsenso dopo che la Grande Guerra ha fatto a pezzi il senso.
Nessun soggetto se non il quadro stesso: linea, colore, ronzio ottico, la tela come argomento.
Sogni, accostamenti, il perturbante; l'inconscio freudiano trascinato nell'olio in piena luce.
La New York del dopoguerra dipinge in grande: dripping, campi, il gesto come autobiografia.
Barattoli di zuppa, puntini da fumetto, Marilyn — supermercato e schermo diventano soggetti legittimi della pittura.
Meno, più duro: griglie industriali, un solo colore, nessuna metafora — ciò che vedi è ciò che vedi.
La figurazione torna, rabbiosa e veloce: Basquiat, Kiefer, Schnabel — la pittura come confessione di nuovo.
La pittura oggi: foto, identità, digitale, politico — al mezzo è chiesto di fare tutto contemporaneamente.