Rococò
I picnic onirici di Watteau, i cieli rosa di Fragonard — il piacere elevato a forma d'arte.
Nell'inverno del 1717, Antoine Watteau presentò all'Accademia Reale francese un dipinto che non assomigliava a nulla di quanto stesse sulle loro pareti: *L'imbarco per Citera*, una scena di amanti elegantemente vestiti che scivolano verso l'isola di Venere attraverso un parco dorato e nebuloso. L'Accademia inventò per esso una categoria apposita — *fête galante* — e il Rococò aveva il suo manifesto. Nato a Parigi come reazione alla fredda grandiosità della corte di Luigi XIV, lo stile si diffuse nei salotti francesi, nei palazzi principechi tedeschi e nei soffitti veneziani nel corso dei sessant'anni successivi. La melanconia delicata di Watteau lasciò il posto al sensualismo roseo di Boucher e all'erotismo sorridente di Fragonard; in Baviera, i soffitti delle chiese si dissolsero in confetture turbinanti di bianco e rosa dei fratelli Asam e di Johann Baptist Zimmermann. Il Rococò era senza scuse intento al piacere — e produsse alcune delle opere d'arte decorativa tecnicamente più brillanti ed emotivamente più intelligenti della storia occidentale.
Origine e storia
Il Rococò nacque da un cambiamento di umore politico. Quando Luigi XIV morì a Versailles nel settembre del 1715, la corte francese esultò — privatamente e talvolta apertamente. Il regno del Re Sole aveva significato cinquant'anni di tasse oppressive, guerre senza fine e un cerimoniale soffocante che penetrava in ogni angolo della vita aristocratica. Il suo successore, il giovane Luigi XV di cinque anni, cedette il potere al Reggente Filippo d'Orléans, che riportò prontamente la corte a Parigi. La nobiltà, libera da Versailles, si ritirò in residenze più piccole e confortevoli dette *hôtels particuliers*, e l'architettura degli ambienti — rivestita di legno chiaro, con angoli curvi e ornamenti di *rocailles* asimmetriche (motivi a conchiglia e pietra) — dette il nome al movimento.
I pittori che seppero rispondere a questa nuova scala domestica non erano pittori di storia nel grande stile. Watteau (1684–1721) aveva imparato il mestiere come decoratore, assorbendo la calda tradizione fiamminga e il colore teatrale italiano, e li riversò nelle sue *fêtes galantes* — quelle scene di raffinata società in ambienti naturali che sembrano contemporaneamente reali e assolutamente sognate. Dopo la morte prematura di Watteau, François Boucher (1703–70) divenne la voce dominante del movimento, conquistando il mecenatismo di Madame de Pompadour e dipingendo una Francia di carni rosee, nuvole di seta e dèi capricciosi. Il suo allievo Jean-Honoré Fragonard (1732–1806) spinse lo stile al suo estremo più seducente: *L'altalena* (1767), commissionata da un nobile che si voleva ritratto mentre osservava la sua amante volare in aria con un vescovo che la spingeva, è il Rococò distillato.
Oltre la Francia, lo stile trovò la sua più grandiosa espressione architettonica in Baviera e Austria, dove i principi cattolici utilizzarono l'ornamento rococò per trasformare le chiese di pellegrinaggio in teatri della devozione. La Wieskirche in Baviera (1745–54), affrescata da Johann Baptist Zimmermann, raggiunge una leggerezza quasi allucinatoria — bianco e oro che si dissolvono in cielo dipinto. A Venezia, Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) portò il Rococò all'affresco su soffitto in una scala che nessun parigino poteva eguagliare, coprendo la Residenza di Würzburg (1750–53) con una vasta allegoria dei continenti. Lo stile tramontò intorno al 1780 con il riaffermarsi della severità neoclassica, ma aveva definito un'intera cultura visiva del tempo libero aristocratico.
Concetto e filosofia
Il Rococò operava su un insieme di convinzioni circa lo scopo della pittura che erano quasi il contrario speculare di tutto ciò in cui il Seicento aveva creduto. Dove il Barocco esigeva che l'arte ti commuovesse fino alle lacrime o alla devozione, la pittura rococò chiedeva soltanto di dilettarti — e quel diletto, sostenevano i suoi esponenti, era un'ambizione seria.
La prima convinzione era che l'intimità fosse più onesta della grandiosità. I grandi dipinti di storia di Lebrun a Versailles glorificavano lo Stato; le *fêtes galantes* di Watteau domandavano cosa sentano le persone in un giardino in un pomeriggio d'estate. La scala domestica del nuovo interno parigino richiedeva una nuova scala pittorica: ritratti che catturassero uno sguardo piuttosto che una posa, mitologie che sembrассero feste piuttosto che cerimonie di corte, nature morte che facessero risplendere gli oggetti quotidiani di un piacere sensuale.
In secondo luogo, che l'ornamento fosse non decorazione ma linguaggio. La *rocaille* asimmetrica — la forma curva a conchiglia e pietra che dette il nome al movimento — non era semplicemente applicata alle superfici ma generava composizione, figura, paesaggio e cornice tutto insieme. In Boucher e Fragonard, la pennellata a virgola che costruisce una nuvola è la stessa che costruisce una guancia. La linea stessa porta piacere.
In terzo luogo, che il colore dovesse sembrare luce. I pittori rococò rifiutarono la tecnica a fondo scuro del Barocco e dipinsero su fondi chiari, accumulando velature traslucide di rosa, azzurro cielo, grigio perla e crema. Il risultato sono dipinti che sembrano illuminati dall'interno piuttosto che dall'esterno — una qualità che richiedeva straordinaria abilità tecnica ed era facilmente scambiata per mera graziosaità.
Infine, che soggetto ed esecuzione dovessero accordarsi nello spirito. Il Rococò non raffigura la sofferenza con tocco leggero per insensibilità — deliberatamente limita la propria materia a ciò che può essere trattato con spirito, grazia e sensualità. La melanconia occasionale di Watteau è l'eccezione che conferma la regola: quando dipinge un *Pierrot* solo in un giardino, la leggerezza della tecnica non fa che approfondire la tristezza.
Come riconoscerlo
Sei indizi visivi che identificano immediatamente la pittura rococò — la tavolozza da sola spesso basterà.
- Tavolozza pastello pallida e polverosa — Rosa, azzurro cielo, verde menta, crema calda e grigio perla — colori che sembrano leggermente scoloriti dalla nebbia estiva. Questa è la firma rococò più sicura. I toni carnosi di Boucher sono quasi sempre questo rosa gessoso; i cieli di Fragonard questo turchese latteo. Se il colore sembra polveroso piuttosto che saturo, state quasi certamente guardando un'opera rococò.
- La curva a S e l'asimmetria — Il Rococò rifiuta la linea retta e l'asse di simmetria. Le composizioni sono organizzate intorno a fluide curve a *S* e a *C* — nelle pose delle figure, nei panneggi, nei cieli di nuvole e putti, nelle cornici ornamentali. Il motivo della *rocaille* che dette il nome al movimento è esso stesso un ricciolo asimmetrico di conchiglia e pietra. Se tutto nel dipinto sembra ondulare, siete in territorio rococò.
- Soggetti di piacere e socialità — Amanti in giardino, picnic di caccia, scene di bagno mitologiche, aristocratici incipriati alla musica o al gioco — il Rococò esclude sistematicamente i soggetti morali e religiosi seri. Anche le mitologie (Venere, Cupido, Diana) sono pretesti per lo spogliamento e il flirt piuttosto che per l'allegoria. Se il soggetto sembra scelto perché piacevole piuttosto che importante, questo è Rococò.
- Pennellata leggera e piumata — La tecnica pittorica rococò è rapida, evocativa e *bravura* — pennellate lasciate visibili ma non faticose, contorni dissolti piuttosto che disegnati, superfici cangianti. Fragonard in particolare applica la pittura con una velocità e una libertà che anticipa l'Impressionismo di un secolo. Se la pennellata sembra quasi troppo veloce per essere vera, è un pregio, non un difetto.
- Figure esili, quasi di porcellana — I corpi nella pittura rococò sono allungati, raffinati e leggermente privi di ossa — più vicini a *objets d'art* che alle figure muscolose e pesanti della pittura barocca. Le donne in particolare sono rese con una delicatezza che sfiora il decorativo. Le mani sono sempre belle; le posture sempre graziose. Se tutti nel dipinto sembrano non aver mai fatto lavoro fisico e non lo faranno mai, questo è Rococò.
- Putti e cieli teatrali di nuvole — I soffitti e le grandi composizioni rococò presentano quasi sempre *putti* — figure infantili alate e paffute — che fluttuano in cieli di formazioni nuvolose improbabili. In Tiepolo e Boucher, le nuvole sono essenzialmente mobilio, disposte per sorreggere le figure. Se il cielo è occupato e teatrale piuttosto che atmosferico, il dipinto appartiene a questo periodo.
Aneddoti e curiosità
**L'*Altalena* di Fragonard (1767) nacque da una richiesta che il pittore quasi rifiutò.** Il barone de Saint-Julien chiese a Fragonard di ritrarre la sua amante spinta su un'altalena da un vescovo mentre il barone stesso si nascondeva tra i cespugli a guardarle la gonna. Il soggetto era scandaloso persino per gli standard dell'aristocrazia francese; Fragonard sostituì apparentemente il vescovo con un accompagnatore più neutro e trasformò il barone in un ammiratore sdraiato, ma conservò lo sguardo rivolto verso l'alto e la scarpetta che vola e resero celebre il dipinto. Fu venduto per una somma enorme e divenne una delle immagini più riprodotte dell'*Ancien Régime*.
Watteau morì prima che il Rococò che aveva inventato comprendesse pienamente sé stesso. Morì nel 1721 a trentasei anni, probabilmente di tubercolosi, dopo aver trascorso gli ultimi anni in Inghilterra in cerca di una cura. Il suo amico e mecenate Jean de Jullienne trascorse anni dopo la sua morte a incidere ogni disegno e dipinto superstite per preservarne il lascito — il *Recueil Jullienne* (1726–28) è uno dei cataloghi postumi più completi nella storia dell'arte. Senza di esso, gran parte del lavoro di Watteau sarebbe andato perduto.
Madame de Pompadour fu probabilmente la committente più potente della storia del Rococò. Come favorita ufficiale di Luigi XV dal 1745, diresse di fatto le manifatture reali di Sèvres e dei Gobelins, decise la decorazione di ogni palazzo reale e garantì a Boucher le sue committenze più lucrative. Compare in almeno sei dei suoi dipinti, quasi sempre con un abito di seta blu. Quando perse l'interesse romantico del re verso la fine degli anni Cinquanta del Settecento, mantenne la sua amicizia politica, continuando a orientare la politica culturale francese fino alla sua morte nel 1764 — un'influenza straordinaria per chiunque, e ancor più per una donna priva di potere formale.
La stanza rococò più spettacolare sopravvissuta non si trova in Francia ma in Baviera. La Sala degli Specchi del padiglione di caccia dell'Amalienburg vicino a Monaco (1734–39), progettata da François de Cuvilliés, riveste un'intera sala circolare con pannelli a specchio d'argento e blu intrecciati con chinoiserie in stucco e trofei di caccia. Nessuna superficie è piatta; ogni angolo è curvo; la luce rimbalza tra gli specchi fino a quando la stanza sembra non avere pareti. Fu costruita per celebrare i piaceri della caccia ed è, a qualsiasi misura, uno degli interni più inebrianti mai creati.
Eredità e influenza
Il Rococò lasciò due tipi di eredità: un insieme di conquiste tecniche quasi impossibili da superare, e una reputazione culturale che trascorse due secoli a essere alternativamente disprezzata e riabilitata. Sul piano tecnico, il movimento trasmise alla pittura una leggerezza di tocco e una padronanza del colore traslucido che i pittori impressionisti — Renoir soprattutto — studiarono consapevolmente. La pennellata rapida e piumata di Fragonard è un diretto antenato della luce screziata di Renoir; il modo in cui Watteau tratta le figure nel paesaggio atmosferico anticipa i quadri di giardini di Monet. L'insistenza del Rococò nel dipingere la luce *en plein air*, anche se le ambientazioni erano artificiali, allontanò il colore dai toni scuri dello studio barocco.
Il collegamento più sorprendente con i secoli successivi riguarda la moda e il design. Il Rococò inventò sostanzialmente quello che oggi chiamiamo il *lifestyle branding* — l'idea che ogni oggetto nell'ambiente di una persona benestante (porcellana, tessuto, mobilio, pannello di parete, dipinto) debba formare un mondo estetico coerente. L'interno rococò era design totale secoli prima che il concetto esistesse. Il vocabolario decorativo di Louis Vuitton, i motivi pastorali in rilievo di Wedgwood, la tradizione ornamentale dell'*haute couture* francese — tutti tracciano una linea che risale alle botteghe della *rocaille* della Parigi del Settecento.
La reputazione morale del movimento soffrì molto sotto il Neoclassicismo e non si riprese mai del tutto presso i critici seri. Ma il pubblico non smise mai di amare Fragonard e Watteau — e oggi le grandi opere rococò raggiungono prezzi straordinari nelle aste e richiamano mostre di grande richiamo, a dimostrazione che il principio del piacere che il movimento ha difeso si è rivelato più duraturo della severità morale che lo ha condannato.
3 artisti in questo movimento
Domande frequenti
Quando è iniziato e finito il Rococò?
Il Rococò si estende all'incirca dal 1715 al 1780 — dalla morte di Luigi XIV e dal ritorno del Reggente a Parigi fino all'affermarsi del Neoclassicismo in Francia. In Germania e Austria persistette un po' più a lungo, e nell'opera tarda di Tiepolo le caratteristiche rococò si prolungano fino agli anni Sessanta del Settecento. La Rivoluzione francese (1789) lo concluse definitivamente come stile vivente, sebbene la sua influenza sulle arti decorative persistesse fino al XIX secolo inoltrato.
Qual è la differenza tra Barocco e Rococò?
Il Barocco (c.1600–1715) è monumentale, drammatico e moralmente serio — pale d'altare di grandi dimensioni, illuminazione a chiaroscuro, soggetti religiosi e storici, figure che sudano e sanguinano. Il Rococò è intimo, delicato e deliberatamente leggero — decorazione domestica in piccola scala, tavolozze pastello pallide, soggetti di piacere e gioco sociale. Il Barocco vuole travolgervi; il Rococò vuole incantarvi. Entrambi sono tecnicamente brillanti, ma hanno ambizioni emotive diametralmente opposte.
Chi sono i principali pittori rococò?
Antoine Watteau (1684–1721) fondò di fatto il movimento con le sue *fêtes galantes*. François Boucher (1703–70) dominò la metà del secolo e definì il modo sensuale e decorativo del Rococò. Jean-Honoré Fragonard (1732–1806) lo portò al suo estremo più tecnicamente brillante e giocoso. A Venezia, Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) tradusse lo stile nell'affresco monumentale da soffitto. In Germania, François de Cuvilliés e i fratelli Zimmermann ne diedero la più spettacolare espressione architettonica.
Perché si chiama 'Rococò'?
Il nome deriva dal francese *rocaille* — il motivo ornamentale asimmetrico a conchiglia e pietra che compariva su mobili, pannelli di parete e cornici durante tutto il periodo. Come il Barocco prima di lui, 'Rococò' nacque come termine di scherno, applicato dai critici neoclassici che trovavano lo stile frivolo e sovraccarico. Il primo uso documentato della parola come insulto risale agli anni Novanta del Settecento. Oggi il termine è semplicemente un descrittore di periodo, sebbene le sue origini nello scherno colorino ancora il modo in cui i critici discutono i meriti dello stile.
Come si distingue il Rococò dal Neoclassicismo?
Sono quasi contemporanei e direttamente opposti. Il Rococò celebra il piacere, l'ornamento, l'asimmetria e la delicatezza emotiva; il suo quadro morale è edonistico. Il Neoclassicismo celebra la virtù, la misura, l'ordine geometrico e la serietà civica; il suo quadro morale è lo stoicismo repubblicano romano. Il *Giuramento degli Orazi* di David (1784) è praticamente un manifesto contro tutto ciò che Fragonard rappresentava — assi, severità e sacrificio là dove Fragonard era stato curve, morbidezza e seduzione.