Rococo
Les pique-niques oniriques de Watteau, les ciels roses de Fragonard — le plaisir élevé au rang d'art.
À l'hiver 1717, Antoine Watteau soumit à l'Académie royale française un tableau sans équivalent sur ses cimaises : *L'Embarquement pour Cythère*, une scène d'élégants amoureux dérivant vers l'île de Vénus à travers un parc doré et brumeux. L'Académie inventa une catégorie expressément pour lui — *fête galante* — et le Rococo avait trouvé son manifeste. Né à Paris en réaction contre la grandeur froide de la cour de Louis XIV, le style se répandit dans les salons français, les palais des princes allemands et les plafonds vénitiens au cours des soixante années suivantes. La délicatesse mélancolique de Watteau céda la place au sensualisme rosé de Boucher et à l'érotisme rieur de Fragonard ; en Bavière, les plafonds d'église se dissolvaient en confections tournoyantes de rose et de blanc sous les pinceaux des frères Asam et de Johann Baptist Zimmermann. Le Rococo se préoccupait du plaisir sans excuse — et produisit quelques-uns des objets d'art décoratifs les plus techniquement brillants et émotionnellement intelligents de toute l'histoire occidentale.
Origine et histoire
Le Rococo naquit d'un revirement d'humeur politique. À la mort de Louis XIV à Versailles en septembre 1715, la cour française célébra — en privé et parfois ouvertement. Le règne du Roi-Soleil avait signifié cinquante ans de fiscalité écrasante, de guerres sans fin et d'un cérémonial étouffant qui pénétrait chaque recoin de la vie aristocratique. Son successeur, le jeune Louis XV âgé de cinq ans, confia le pouvoir au Régent Philippe d'Orléans, qui s'empressa de ramener la cour à Paris. La noblesse, libérée de Versailles, se retira dans de plus petits et confortables hôtels particuliers, et l'architecture de ces pièces — lambrisées de bois pâle, arrondies aux angles, ornées de *rocailles* asymétriques (motifs de coquilles et de rochers) — donna son nom au mouvement.
Les peintres qui se hissèrent à la hauteur de cette nouvelle échelle domestique n'étaient pas des peintres d'histoire dans la grande tradition. Watteau (1684–1721) s'était formé comme décorateur, absorbant la chaleur flamande et la couleur théâtrale italienne, et il les porta dans ses *fêtes galantes* — ces scènes de personnages raffinés dans des parcs qui paraissent à la fois réelles et impossiblement rêvées. Après la mort prématurée de Watteau, François Boucher (1703–70) devint la voix dominante du mouvement, s'assurant le mécénat de Madame de Pompadour et peignant une France de chairs roses, de nuages soyeux et de dieux joueurs. Son élève Jean-Honoré Fragonard (1732–1806) poussa le style à son comble le plus charmant : *La Balançoire* (1767), commandée par un noble qui voulait se voir peint en train de regarder sa maîtresse s'élancer dans les airs pendant qu'un évêque la poussait, est le Rococo à l'état pur.
Au-delà de la France, le style trouva son expression architecturale la plus grandiose en Bavière et en Autriche, où les princes catholiques utilisèrent l'ornement rococo pour transformer les églises de pèlerinage en théâtres de dévotion. La Wieskirche en Bavière (1745–54), fresquée par Johann Baptist Zimmermann, atteint une légèreté presque hallucinatoire — blanc et or se dissolvant dans un ciel peint. À Venise, Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) porta le Rococo à la fresque de plafond à une échelle qu'aucun Parisien n'aurait pu égaler, couvrant la Résidence de Würzburg (1750–53) d'une vaste allégorie des continents. Le style s'effaça vers 1780 sous la poussée de la sévérité néoclassique, mais il avait défini toute une culture visuelle du loisir aristocratique.
Concept et philosophie
Le Rococo fonctionnait selon un ensemble de convictions sur la finalité de la peinture qui étaient presque l'exact miroir de tout ce que le XVIIᵉ siècle avait cru. Là où le Baroque exigeait que l'art vous fasse pleurer ou vous éveille à la dévotion, la peinture rococo demandait seulement à vous enchanter — et cet enchantement, soutenaient ses praticiens, était une ambition sérieuse.
La première conviction était que l'intimité était plus honnête que la grandeur. Les immenses tableaux d'histoire de Lebrun à Versailles glorifiaient l'État ; les *fêtes galantes* de Watteau interrogeaient ce que ressentent les individus dans un jardin par une après-midi d'été. La nouvelle échelle domestique de l'intérieur parisien exigeait une nouvelle échelle picturale : des portraits qui saisissaient un regard plutôt qu'une pose, des mythologies qui ressemblaient à des fêtes plutôt qu'à des cérémonies de cour.
Deuxièmement, que l'ornement n'était pas décoration mais langage. La *rocaille* asymétrique — la forme sinueuse de coquille et de roche qui donna son nom au mouvement — ne se contentait pas d'être appliquée aux surfaces mais générait simultanément composition, figure, paysage et cadre. Chez Boucher et Fragonard, le coup de pinceau en virgule tournoyante qui construit un nuage est le même qui construit une joue. La ligne elle-même est porteuse de plaisir.
Troisièmement, que la couleur devait s'éprouver comme de la lumière. Les peintres rococo rejetèrent la technique de fond sombre du Baroque et travaillèrent sur des fonds clairs, accumulant des glacis translucides de rose, de bleu ciel, de gris perle et de crème. Le résultat : des tableaux qui semblent rayonner de l'intérieur plutôt qu'être éclairés de l'extérieur — une qualité qui réclamait un savoir-faire technique exceptionnel et était aisément confondue avec de la simple mièvrerie.
Enfin, que sujet et exécution devaient s'accorder en esprit. Le Rococo ne représente pas la souffrance avec légèreté par insensibilité — il restreint délibérément ses sujets à ce qui peut être traité avec esprit, grâce et sensualité. La mélancolie occasionnelle de Watteau est l'exception qui confirme la règle : quand il peint un *Pierrot* seul dans un jardin, la légèreté de la touche ne fait qu'approfondir la tristesse.
Comment le reconnaître
Six indices visuels qui identifient instantanément la peinture rococo — la palette seule suffit souvent.
- Palette pastel pâle et poudrée — Rose poudré, bleu ciel, vert menthe, crème chaude et gris perle — des couleurs qui semblent légèrement délavées par la brume estivale. C'est l'empreinte rococo la plus fiable. Les carnations de Boucher sont presque toujours ce rose crayeux ; les ciels de Fragonard, ce turquoise laiteux. Si la couleur semble poudrée plutôt que saturée, vous regardez presque certainement du Rococo.
- La courbe en S et l'asymétrie — Le Rococo rejette la ligne droite et l'axe de symétrie. Les compositions s'organisent autour de courbes en *S* et en *C* — dans les poses des figures, les drapés, les ciels de nuages et de chérubins, les encadrements ornementaux. La *rocaille* qui a donné son nom au mouvement est elle-même un enroulement asymétrique de coquille et de roche. Si tout dans le tableau semble onduler, vous êtes en territoire rococo.
- Sujets de plaisir et de sociabilité — Amoureux dans des jardins, pique-niques de chasse, scènes mythologiques de bain, aristocrates poudrés à la musique ou aux jeux — le Rococo exclut systématiquement les sujets moraux et religieux sérieux. Même les mythologies (Vénus, Cupidon, Diane) sont des prétextes à la nudité et à la galanterie plutôt qu'à l'allégorie. Si le sujet semble avoir été choisi parce qu'il est plaisant plutôt qu'important, c'est du Rococo.
- Touche légère et vaporeuse — Le maniement de la peinture dans le Rococo est rapide, suggestif et *bravura* — des touches visibles mais sans effort, des bords dissous plutôt que dessinés, des surfaces chatoyantes. Fragonard en particulier applique la peinture avec une vitesse et une liberté qui anticipent l'Impressionnisme d'un siècle. Si la touche semble presque trop rapide pour être vraie, c'est un trait délibéré.
- Figures élancées, presque en porcelaine — Les corps dans la peinture rococo sont allongés, raffinés et légèrement sans os — plus proches des *objets d'art* que des figures musclées et pesantes de la peinture baroque. Les femmes sont représentées avec une délicatesse qui frôle le décoratif. Les mains sont toujours belles, les postures toujours gracieuses. Si tous les personnages du tableau semblent n'avoir jamais accompli de travail physique, c'est du Rococo.
- Chérubins et ciels de nuages théâtraux — Les plafonds et grandes compositions du Rococo comportent presque toujours des *putti* — de petits personnages ailés et potelés — flottant dans des ciels aux formations nuageuses improbables. Chez Tiepolo et Boucher, les nuages font office de mobilier, disposés pour soutenir les figures. Si le ciel est habité et théâtral plutôt qu'atmosphérique, le tableau appartient à cette période.
Anecdotes et curiosités
La Balançoire de Fragonard (1767) débuta comme une commande que le peintre faillit refuser. Le baron de Saint-Julien demanda à Fragonard de peindre sa maîtresse se balançant poussée par un évêque tandis que le baron lui-même se cachait dans les buissons à regarder vers le haut. Le sujet était scandaleux même selon les standards de l'aristocratie française ; Fragonard aurait remplacé l'évêque par un compagnon plus neutre et transformé le baron en admirateur couché, mais conserva le regard ascendant et l'escarpin envolé qui rendirent le tableau célèbre. Il se vendit pour une somme considérable et devint l'une des images les plus reproduites de l'Ancien Régime.
Watteau mourut avant que le Rococo qu'il avait inventé se comprît pleinement lui-même. Il mourut en 1721 à trente-six ans, probablement de tuberculose, après avoir passé ses dernières années en Angleterre à chercher un remède. Son ami et mécène Jean de Jullienne consacra des années après sa mort à graver chaque dessin et chaque peinture survivants pour en préserver l'héritage — le *Recueil Jullienne* (1726–28) est l'un des catalogues posthumes les plus complets de l'histoire de l'art. Sans lui, une grande partie de l'œuvre de Watteau aurait été perdue à jamais.
Madame de Pompadour fut sans doute la mécène la plus puissante de l'histoire du Rococo. En tant que maîtresse officielle de Louis XV à partir de 1745, elle dirigea de fait les manufactures royales de Sèvres et des Gobelins, décida du décor de chaque palais royal et offrit à Boucher ses commandes les plus lucratives. Elle apparaît dans au moins six de ses tableaux, presque toujours en robe de soie bleue. Lorsqu'elle perdit l'intérêt romantique du roi à la fin des années 1750, elle conserva son amitié politique, continuant à orienter la politique culturelle française jusqu'à sa mort en 1764.
La pièce rococo la plus spectaculaire encore debout n'est pas en France mais en Bavière. La Galerie des Glaces du pavillon de chasse de l'Amalienburg près de Munich (1734–39), conçue par François de Cuvilliés, revêt une salle ronde entière de panneaux de miroirs bleus et argentés entrelacés de chinoiseries en stuc et de trophées de chasse. Aucune surface n'est plane ; chaque angle s'arrondit ; la lumière rebondit entre les miroirs au point que la pièce semble n'avoir plus de murs. Elle fut construite pour célébrer les plaisirs de la chasse et constitue, à tout point de vue, l'un des intérieurs les plus enivrants jamais créés.
Héritage et influence
Le Rococo laissa deux sortes d'héritage : un ensemble de réussites techniques quasi impossibles à dépasser, et une réputation culturelle qui passa deux siècles à être alternativement méprisée et réhabilitée. Sur le plan technique, le mouvement légua à la peinture une légèreté de touche et une maîtrise de la couleur transparente que les peintres impressionnistes — Renoir avant tout — étudièrent consciemment. La touche rapide et vaporeuse de Fragonard est l'ancêtre direct de la lumière tacheté de Renoir ; le traitement des figures dans un paysage atmosphérique chez Watteau anticipe les jardins de Monet. L'insistance du Rococo sur la peinture de la lumière *en plein air*, même si les décors étaient artificiels, éloigna la couleur des tons sombres d'atelier du Baroque.
La connexion aval la plus surprenante est avec la mode et le design. Le Rococo inventa pour l'essentiel ce que nous appelons aujourd'hui l'*art de vivre* — l'idée que chaque objet de l'environnement d'une personne fortunée (porcelaine, tissu, meuble, lambris, tableau) devait former un monde esthétique cohérent. L'intérieur rococo fut un design global des siècles avant que le concept existe. Le vocabulaire de motifs de Louis Vuitton, les reliefs pastoraux de Wedgwood, la tradition décorative de la *haute couture* française — tous tracent une ligne jusqu'aux ateliers de *rocaille* du Paris du XVIIIᵉ siècle.
La réputation morale du mouvement souffrit beaucoup sous le Néoclassicisme et ne se remit jamais pleinement chez les critiques sérieux. Mais le public artistique n'a jamais cessé d'aimer Fragonard et Watteau — et les grandes œuvres rococo atteignent aujourd'hui des prix extraordinaires, ce qui suggère que le principe de plaisir que le mouvement défendit s'est révélé plus durable que la sévérité morale qui le condamna.
3 artistes dans ce mouvement
Questions fréquentes
Quand se situe la période rococo ?
Le Rococo s'étend approximativement de 1715 à 1780 — de la mort de Louis XIV et du retour du Régent à Paris à l'essor du Néoclassicisme en France. En Allemagne et en Autriche, il persista quelque peu plus longtemps, et à Venise l'œuvre tardive de Tiepolo conserve des caractéristiques rococo jusqu'aux années 1760. La Révolution française (1789) y mit fin définitivement comme style vivant, bien que son influence sur les arts décoratifs persista bien avant dans le XIXᵉ siècle.
Quelle est la différence entre le Baroque et le Rococo ?
Le Baroque (v.1600–1715) est monumental, dramatique et moralement sérieux — grands retables, éclairage en clair-obscur, sujets religieux et historiques, figures qui transpirent et saignent. Le Rococo est intime, délicat et délibérément léger — décoration domestique à petite échelle, palettes de pastels pâles, sujets de plaisir et de jeu social. Le Baroque veut vous submerger ; le Rococo veut vous charmer. Les deux sont techniquement brillants, mais ils ont des ambitions émotionnelles diamétralement opposées.
Qui sont les grands peintres du Rococo ?
Antoine Watteau (1684–1721) fonda effectivement le mouvement avec ses *fêtes galantes*. François Boucher (1703–70) domina le milieu du siècle et définit le mode sensuel et décoratif du Rococo. Jean-Honoré Fragonard (1732–1806) le porta à son extrême le plus techniquement brillant et joueur. À Venise, Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) traduisit le style en fresque monumentale de plafond. En Allemagne, François de Cuvilliés et les frères Zimmermann lui donnèrent sa forme architecturale la plus spectaculaire.
Pourquoi l'appelle-t-on 'Rococo' ?
Le nom vient du français *rocaille* — le motif ornemental asymétrique de coquille et de roche qui apparaissait sur les meubles, les lambris et les cadres tout au long de la période. Comme Baroque avant lui, 'Rococo' commença comme une raillerie lancée par les critiques néoclassiques qui trouvaient le style frivole et surchargé. Le premier usage attesté comme insulte remonte aux années 1790. Aujourd'hui le mot est simplement un descripteur de période, bien que ses origines dans la moquerie colorent encore les discussions sur les mérites du style.
En quoi le Rococo diffère-t-il du Néoclassicisme ?
Ce sont des contemporains et des opposés directs. Le Rococo célèbre le plaisir, l'ornement, l'asymétrie et la délicatesse émotionnelle ; son cadre moral est hédoniste. Le Néoclassicisme célèbre la vertu, la retenue, l'ordre géométrique et le sérieux civique ; son cadre moral est le stoïcisme républicain romain. Le *Serment des Horaces* de David (1784) est pratiquement un manifeste contre tout ce que Fragonard représentait — tout en axes, sévérité et sacrifice là où Fragonard avait été courbes, douceur et séduction.