Postimpressionismo
Quattro pittori che assorbono l'Impressionismo e lo frantumano in quattro futuri diversi.
Verso il 1885 alcuni dei pittori più dotati che lavoravano in Francia avevano un problema: avevano imparato tutto ciò che l'Impressionismo aveva da insegnare sulla luce e sul colore, e ne volevano di più. L'Impressionismo aveva liberato l'occhio — aveva dimostrato che la pittura poteva vibrare, scintillare, inondare una tela di sensazione. Ma lo aveva fatto lasciando che la struttura si dissolvesse, il significato evaporasse e la permanenza scivolasse via con la nuvola di passaggio. Paul Cézanne, lavorando nella solitudine di Aix-en-Provence, scrisse a un amico nel 1904 che cercava di «trattare la natura attraverso il cilindro, la sfera, il cono» e di fare qualcosa di «solido e duraturo, come l'arte dei musei». Nel corso del decennio, Vincent van Gogh stava riversando urgenza psicologica in ogni pennellata, trasformando paesaggio e ritrattistica in strumenti di autobiografia emotiva. Paul Gauguin si stava spostando verso la Bretagna, poi la Martinica, poi Tahiti, in cerca di un mondo meno corrotto dalla modernità europea. E Georges Seurat applicava il colore puro in minuscoli punti sistematici, trasformando la sensazione in scienza. Il Postimpressionismo non è affatto un movimento in senso stretto; è un termine riassuntivo per quattro risposte molto diverse alla stessa domanda: *cosa viene dopo la sensazione?*
Origine e storia
Il termine «Postimpressionismo» fu coniato dal critico inglese Roger Fry per una mostra che organizzò a Londra nel 1910 — *Manet and the Post-Impressionists* alla Grafton Gallery. Fry aveva bisogno di una parola per il gruppo di pittori venuti dopo l'Impressionismo senza appartenere ad alcun programma unitario, e ne inventò una. I pittori stessi non la usavano e l'avrebbero trovata sconcertante; Cézanne era morto da quattro anni, van Gogh da venti.
La realtà storica dietro l'etichetta di Fry era un decennio di irrequietezza nella pittura parigina e provinciale, all'incirca dal 1880 al 1905. L'ultima mostra collettiva degli Impressionisti si tenne nel 1886. A quel punto la generazione dei fondatori si era dispersa: Monet si era ritirato a Giverny e al suo giardino acquatico; Renoir dichiarò che l'Impressionismo era stato un vicolo cieco e cominciò a studiare Raffaello; Pissarro adottò temporaneamente il metodo puntinista di Seurat. I pittori più giovani cresciuti con l'Impressionismo come punto di partenza tiravano in direzioni selvaggiamente diverse.
Cézanne si ritirò praticamente da Parigi dopo il 1877 e trascorse il resto della sua vita in Provenza, lavorando sugli stessi soggetti — la Montagna Sainte-Victoire, la cava di Bibémus, i giocatori di carte nei caffè locali — da più punti di vista simultaneamente, cercando di conciliare la sensazione impressionista del colore con una solidità strutturale che sentiva l'Impressionismo aver sacrificato. La sua opera tarda, quasi del tutto sconosciuta a Parigi fino alla retrospettiva tenuta l'anno dopo la sua morte (1907), diede ai Cubisti la loro grammatica diretta. Van Gogh arrivò a Parigi nel 1886, assorbì Impressionismo e Neoimpressionismo in diciotto mesi, si trasferì ad Arles nel 1888 e trascorse i restanti due anni della sua vita producendo opere di straordinaria intensità psicologica. Gauguin seguì il proprio programma sempre più anti-europeo, sviluppando lo stile sintetista che chiamava *cloisonnismo* — contorni scuri che racchiudono piani di colore piatti — a Pont-Aven nel 1888 insieme a Émile Bernard. Non erano colleghi ma individui: ciò che il Postimpressionismo descrive è una generazione definita dalle proprie partenze.
Concetto e filosofia
Se l'Impressionismo riguardava il vedere, il Postimpressionismo riguardava il sentire, costruire e significare. I pittori che raggruppa condividono quasi nessuna tecnica; ciò che condividono è la convinzione che la pura sensazione percettiva fosse insufficiente — che la pittura avesse bisogno di fare qualcosa di più, o di diverso, con il mondo visibile che si era stati liberati di osservare.
Il programma di Cézanne era fondamentalmente architettonico. Credeva che l'Impressionismo avesse scambiato la solidità strutturale con il fremito atmosferico, e voleva entrambi contemporaneamente. La sua soluzione era osservare lo stesso motivo da punti di vista leggermente diversi e rendere tutti quei punti di vista simultaneamente sulla superficie piana — ecco perché le sue mele sembrano viste sia leggermente dall'alto che leggermente di lato, e perché i suoi paesaggi sembrano insieme immediati e monumentali. Dipinse la stessa Montagna Sainte-Victoire più di sessanta volte. La semplificazione geometrica della forma che ne risultava — piani che si incastrano attraverso la superficie del quadro — fu l'antenato diretto del Cubismo analitico.
Il programma di van Gogh era psicologico. Usava il colore non per descrivere l'aspetto naturale ma per esprimere stati emotivi — il calore opprimente del sud nei gialli violenti di *Campo di grano con corvi* (1890), l'intimità rassicurante della luce di lampada ne *Il caffè di notte* (1888), il desiderio cosmico de *La notte stellata* (1889). Le sue pennellate urgenti, vorticose e direzionali non sono registri dell'osservazione ma dell'emozione. L'Espressionismo — Kirchner, Munch, Kokoschka — discende direttamente da questo.
Il programma di Gauguin era simbolico e primitivista. Credeva che la pittura europea fosse stata corrotta dal materialismo e dal razionalismo, e che l'espressione artistica autentica richiedesse un ritorno a quelli che chiamava modi «selvaggi» di vedere — colore piatto, contorno forte, pattern sull'illusione. Le sue tele tahitiane non sono documenti etnografici ma fantasie mitologiche, dipinte con colori che brillano come vetrate. Influenzarono direttamente i Fauves e, attraverso di loro, Matisse.
Come riconoscerlo
Il Postimpressionismo è una famiglia di stili piuttosto che un aspetto unico — ma i tre filoni principali hanno ciascuno chiare impronte visive.
- Cézanne: piani geometrici — Paesaggi e nature morte suddivisi in piani di colore incastrati e leggermente inclinati che suggeriscono solidità senza l'ombreggiatura tradizionale. Domina una tavolozza verde-grigio freddo; la pittura è applicata in brevi tocchi paralleli a tratteggio chiamati *pennellate costruttive*. Più punti di vista vengono combinati affinché gli oggetti sembrino visti a tutto tondo anche su una superficie piana.
- Van Gogh: pennellate direzionali e urgenti — Pennellate dense, energiche e direzionali — vorticose nel cielo, ondulate nel grano, arricciate nei cipressi — come se la pittura registrasse non solo il colore ma la pressione emotiva. La tavolozza è carica di gialli, azzurri e aranci vividi che spingono oltre il naturalismo in territorio psicologico.
- Gauguin: colore piatto e contorno scuro — Ampi piani di colore non modulato delimitati da forti contorni scuri, come una vetrata o una stampa giapponese. Le figure vengono semplificate in forme decorative; la profondità spaziale è appiattita. I colori sono spesso non naturalistici — rosa, cremisi, verdi acidi — scelti per il loro valore emotivo e simbolico piuttosto che descrittivo.
- Forma più definita dell'Impressionismo — Rispetto alle tele impressioniste, il lavoro postimpressionista tende ad avere una composizione più deliberata: gli oggetti sono più chiaramente definiti, la superficie del quadro più accuratamente organizzata. Il senso di notazione immediata e accidentale è sostituito da qualcosa di più meditato e intenzionale.
- Emozione o struttura come intenzione esplicita — Dove un dipinto impressionista sembra *visto*, un dipinto postimpressionista sembra *costruito* — con un'agenda chiara, sia essa la ricerca cézanniana della permanenza, quella van-goghiana dell'espressione o quella gauguiniana della profondità simbolica. L'intenzione del pittore è visibile sulla superficie.
- Scelte cromatiche non naturalistiche — Il colore è usato per trasmettere significato o struttura piuttosto che per registrare fedelmente l'apparenza. I cieli di van Gogh sono troppo intensamente azzurri; la terra di Gauguin è troppo magenta; le ombre di Cézanne troppo verdi. Questa deliberata partenza dalla verità ottica è una delle differenze più chiare rispetto all'Impressionismo.
Aneddoti e curiosità
Cézanne spedì a Monet una mela per posta. I due uomini rimasero amici molto dopo aver portato la pittura in direzioni completamente diverse. Quando Cézanne vide le serie di Monet — trenta versioni dello stesso pagliaio, venti dello stesso filare di pioppi — secondo i resoconti pianse, convinto che Monet avesse trovato esattamente quello che lui stesso cercava. La propria «serie» della Montagna Sainte-Victoire (oltre sessanta versioni, 1882–1906) è l'indagine più prolungata su un singolo motivo nella storia della pittura, e rimane il legame diretto tra Impressionismo e il Cubismo che avrebbe trasformato l'arte vent'anni dopo.
Van Gogh vendette esattamente un dipinto in vita. *La vigna rossa* (1888), dipinta ad Arles, fu acquistata dalla pittrice belga Anna Boch alla mostra del gruppo Les XX a Bruxelles nel febbraio del 1890 per 400 franchi — equivalenti a circa 1.700 sterline di oggi. Van Gogh morì quattro mesi dopo. Nel giro di una generazione i suoi dipinti erano tra i più costosi al mondo; il *Ritratto del dottor Gachet* (1890) fu venduto da Christie's nel 1990 per 82,5 milioni di dollari, all'epoca il prezzo più alto mai raggiunto all'asta da un dipinto. Il divario tra la sua accoglienza in vita e dopo la morte è uno dei più estremi nella storia dell'arte.
La convivenza di Gauguin e van Gogh finì in crisi. Nell'ottobre del 1888, Gauguin si trasferì nella Casa Gialla ad Arles su invito di van Gogh, sperando di fondare insieme una colonia di artisti nel sud. Nel giro di nove settimane la situazione precipitò: nella notte del 23 dicembre, a seguito di una violenta lite, van Gogh si tagliò la parte inferiore dell'orecchio sinistro con un rasoio, lo avvolse in un foglio di giornale e lo consegnò a una donna in un bordello locale. Gauguin partì immediatamente e i due non si incontrarono mai più. L'episodio non diminuì la produttività di van Gogh — produsse oltre 150 opere dall'istituto di Saint-Paul-de-Mausole l'anno successivo.
La retrospettiva di Cézanne del 1907 lanciò il Cubismo. Quando il Salon d'Automne allestì un'importante retrospettiva dell'opera di Cézanne nel 1907, un anno dopo la sua morte, il giovane Pablo Picasso e Georges Braque la visitarono più volte, studiando il modo in cui Cézanne aveva frammentato la forma in piani incastrati. Picasso disse in seguito che Cézanne era «il mio unico e solo maestro» e «il padre di tutti noi». Nel giro di due anni erano stati realizzati i primi dipinti cubisti, che traducevano direttamente la tecnica dei punti di vista multipli di Cézanne in un linguaggio visivo del tutto nuovo.
Eredità e influenza
Il Postimpressionismo fu il cardine attorno al quale girò tutta l'arte moderna. I piani di Cézanne fornirono a Braque e Picasso la grammatica del Cubismo (1907–14), che a sua volta seminò l'astrazione e tutti i linguaggi visivi frammentati del Novecento. La distorsione espressiva di van Gogh fornì agli Espressionisti tedeschi la licenza di distorcere forma e colore al servizio della verità psicologica — una licenza che corre da Die Brücke (1905) attraverso Bacon e de Kooning fino alla figurazione contemporanea di Lucian Freud. Il primitivismo e il colore piatto di Gauguin confluirono direttamente nel Fauvismo (1905) e, attraverso Matisse, nell'astrazione decorativa del secolo. I Postimpressionisti non pianificarono una rivoluzione; cercavano ciascuno di risolvere un problema personale con la pittura. Le soluzioni a cui giunsero furono così potenti che l'intero secolo successivo dell'arte vi visse dentro.
6 artisti in questo movimento
Domande frequenti
Quando si coloca il Postimpressionismo?
Il Postimpressionismo è datato approssimativamente dal 1886 circa — quando si tenne l'ultima mostra collettiva impressionista — al 1906 circa, momento in cui Cézanne era morto e i suoi successori (i Fauves, i proto-Cubisti) erano pienamente passati alla generazione successiva. In pratica il termine descrive opere realizzate tra il 1880 e il 1905 circa da un gruppo specifico di pittori che erano tutti partiti dall'Impressionismo o come suoi stretti osservatori. È una categoria retrospettiva, non un'epoca in cui gli artisti vissero consapevolmente.
Chi sono i principali pittori postimpressionisti?
Le quattro figure canoniche sono Paul Cézanne (1839–1906), che cercava la permanenza strutturale; Vincent van Gogh (1853–90), alla ricerca dell'espressione psicologica; Paul Gauguin (1848–1903), in cerca della verità simbolica e «primitiva»; e Georges Seurat (1859–91), che applicava il colore scientificamente (benché Seurat sia rivendicato anche dal Neoimpressionismo). Attorno a loro: Émile Bernard, Paul Signac, Toulouse-Lautrec e la produzione tarda di Camille Pissarro, che adottò brevemente il metodo di Seurat.
Quale tecnica definisce il Postimpressionismo?
Non esiste nessuna tecnica unitaria — questo è esattamente il punto. Cézanne usava brevi *pennellate costruttive* e punti di vista multipli. Van Gogh usava un impasto denso, vorticoso e direzionale. Gauguin usava piani piatti di colore delimitati da contorni scuri (*cloisonnismo*). Seurat usava minuscoli punti sistematici di colore puro (*puntinismo*). Ciò che li unisce è il deliberato passaggio al di là della sensazione verso struttura, espressione o simbolismo — ogni pittore volgeva il repertorio impressionista verso un obiettivo diverso.
Come si distingue il Postimpressionismo dall'Impressionismo?
L'Impressionismo privilegiava la sensazione visiva immediata — l'aspetto cangiante e momentaneo delle cose in una particolare qualità di luce, registrato con una pennellata sciolta e rapida. Il Postimpressionismo accettava quel punto di partenza ma lo trovava insufficiente. Cézanne voleva solidità strutturale; van Gogh intensità emotiva; Gauguin significato simbolico; Seurat rigore scientifico. Dove un dipinto impressionista sembra osservato e immediato, un dipinto postimpressionista tende a sembrare costruito e intenzionale. La pennellata non è più solo un registro della luce — è anche un registro del pensiero.
Perché si chiama 'Postimpressionismo'?
Il termine fu inventato dal critico britannico Roger Fry nel 1910 per il catalogo della mostra *Manet and the Post-Impressionists* alla Grafton Gallery di Londra. Fry aveva bisogno di un'etichetta neutrale per pittori che venivano *dopo* l'Impressionismo senza formare un movimento coerente. «Post» significa semplicemente dopo: questi pittori assorbivano l'Impressionismo, reagivano ai suoi limiti e lo superavano in direzioni diverse. Il termine è una convenzione storiografica, non un'identità che i pittori si sarebbero attribuiti.