Paul Gauguin

Stile e tecnica

La grande innovazione di Gauguin è stata usare il colore come sistema simbolico piuttosto che descrittivo. I suoi gialli, arancioni e blu profondi non riproducono ciò che ha visto; traducono ciò che ha sentito riguardo a ciò che ha visto. L'erba nei suoi paesaggi tahitiani non è il verde dell'erba tahitiana reale; è la tonalità di verde che porta il carico emotivo di lussureggianza, mistero o peso spirituale di cui aveva bisogno in quel punto della composizione.

Arrivò a questo attraverso l'approccio impressionista — ha studiato con Pissarro alla fine degli anni Settanta e ha dipinto accanto a Cézanne — e poi consapevolmente l'ha rifiutato. L'Impressionismo per lui era troppo legato alla superficie visibile del mondo. Voleva andare dietro la superficie, dipingere quello che chiamava « i centri misteriosi del pensiero » piuttosto che i dati retinici della luce solare sull'acqua.

La sua soluzione formale era derivata in parte dalle stampe di blocchi di legno giapponesi, in parte dall'arte religiosa popolare bretone che ha incontrato in Bretagna alla fine degli anni Ottanta, e in parte dal suo stesso studio dell'arte polinesiaha e azteca. Si è mosso verso piani piatti di colore saturo separati da contorni chiari, con modellazione minima e nessuna ombra proiettata. La tecnica si chiama Sintetismo o Cloisonnismo; ha condiviso lo sviluppo con Émile Bernard.

Quattro cose identificano un Gauguin: piani piatti di colore intenso con ombra minima, figure con la solidità semplificata di oggetti intagliati, un'atmosfera di rituale o peso spirituale anche in scene quotidiane, e la tavolozza specifica di Tahiti — la terra terracotta, il verde denso, la qualità particolare del blu del Pacifico.

Vita ed eredità

Gauguin è nato il 7 giugno 1848 a Parigi, figlio di un giornalista e di una donna creola peruviana. Quando aveva un anno, suo padre morì in un viaggio verso il Perù; lui e sua madre vivevano a Lima per quattro anni con i suoi ricchi parenti materni. È cresciuto parzialmente peruviano, parzialmente francese e completamente a suo agio con l'idea che la civiltà aveva più centri.

Andò in mare all'età di diciassette anni, trascorse cinque anni nella marina mercantile e poi nella marina francese, e tornò a Parigi nel 1871. Ha trovato lavoro come assistente di agente di borsa presso la ditta Bertin e rapidamente è salito a una posizione borghese confortevole. Ha sposato Mette Sophie Gad, una donna danese, nel 1873. Hanno avuto cinque figli. Ha collezionato dipinti impressionisti come investimenti e ha iniziato a dipingere come hobby.

Nel 1883, all'età di trentacinque anni, ha rinunciato al suo lavoro per dipingere a tempo pieno. Questa decisione non è stata ben accolta. Mette ha preso i bambini e è tornata a Copenaghen. Gauguin l'ha seguita brevemente ma non poteva lavorare lì; è tornato a Parigi solo e infine, nel 1886, in Bretagna, dove l'antica cultura cattolica e il paesaggio bretone austero hanno iniziato a trasformare la sua pittura dal naturalismo impressionista in qualcosa di diverso.

L'inverno del 1888–89 ad Arles con Van Gogh è stato i due mesi più famosi della sua carriera. Stavano pianificando una collaborazione di lavoro da mesi; quello che seguì fu nove settimane di intenso argomento, mutua ammirazione, crisi psicologica e la notte in cui Van Gogh si tagliò l'orecchio. Gauguin se ne andò immediatamente e non rivide mai più Van Gogh.

Nel 1891 salpò per Tahiti, avendo venduto sessantatre dipinti in un'asta deliberata per raccogliere il biglietto. Aveva costruito un'immagine del Pacifico come un paradiso incontaminato intoccato dal capitalismo industriale — un'immagine in gran parte derivata dalla letteratura di viaggio piuttosto che dalla conoscenza diretta. La realtà di Tahiti coloniale era più complicata, ma quello che ha trovato lì — la luce, il colore, i corpi e i volti del popolo tahitiano, la cultura mitologica stratificata che ha studiato e parzialmente inventato — ha trasformato decisivamente la sua pittura.

I suoi ultimi anni erano finanziariamente disperati e fisicamente dolorosi: ha contratto la sifilide, si è rotto la caviglia in una lite con un gruppo di marinai, ha subito molteplici infarti e ha trascorso mesi in ospedale. Nel 1901 si trasferì alle Isole Marchesi, ancora più lontano dalla Francia, sperando di trovare un ambiente più incontaminato. Morì l'8 maggio 1903 ad Atuona, su Hiva Oa, all'età di cinquantaquattro anni. Era appena stato multato e condannato al carcere per aver scritto un articolo di giornale anticoloniale.

Cinque dipinti famosi

Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? 1897

Il dipinto singolo più ambizioso di Gauguin — quasi quattro metri di larghezza — dipinto in uno sforzo sostenuto unico mentre stava simultaneamente scrivendo quello che credeva fosse la sua lettera di addio al mondo prima di tentare il suicidio. Ha sopravvissuto al tentativo. Il dipinto si muove da destra a sinistra attraverso le fasi della vita: un neonato in primo piano a destra, figure nel mezzo, una vecchia donna a sinistra. Un idolo blu si erge nello sfondo. Il dipinto non è un'illustrazione di una tesi filosofica ma un'atmosfera visiva delle domande stesse — nascita, esistenza, morte, la presenza del divino, la bellezza e la strangezza del corpo umano. È appeso al Museum of Fine Arts di Boston.

Il Cristo Giallo 1889

Una dichiarazione definitiva della pittura Sintetista, realizzata in Bretagna nel 1889. Un Cristo crocifisso in un paesaggio autunnale bretone — il giallo degli alberi ha infettato l'intero dipinto, inclusa la figura sulla croce — viene assistito da tre donne bretoni in coiffe bianche che pregano ai suoi piedi come se fosse un santuario di strada. Il colore non ha scopo descrittivo: nessuna carne è quell'oro giallo piatto. I contorni sono spessi e chiari. L'effetto è di un dipinto che è simultaneamente un'immagine religiosa e un argomento su come funzionano le immagini religiose: come il colore piatto e la forma semplificata creano atmosfera spirituale. È appeso alla Albright-Knox Art Gallery a Buffalo.

Lo spirito del morto veglia (Manao Tupapau) 1892

Una giovane donna tahitiana giace a faccia in giù, nuda, su un letto bianco; dietro di lei, nell'oscurità, è seduto il tupapau — lo spirito del morto — una piccola figura scura con un volto bianco e gli occhi chiusi. Gauguin ha descritto la genesi del dipinto nel suo diario: era tornato a casa tardi per trovare la sua compagna terrorizzata al buio, e aveva dipinto la sua paura e le sue stesse meditazioni sulla morte e la credenza spirituale. Lo sfondo scuro non è ombra ma materia fosforescente, disse — la sostanza di cui è fatto il tupapau. Il dipinto è alla Albright-Knox Art Gallery a Buffalo.

Ia Orana Maria (Ave Maria) 1891

Uno dei primi grandi dipinti tahitiani, che mostra una donna tahitiana — la Vergine Maria, identificata dal suo alone — che tiene un bambino sulla spalla mentre due donne in pareus fanno un gesto di preghiera. Dietro di loro, la figura di un angelo e un paesaggio di denso fogliame tropicale. Il dipinto traspone un soggetto religioso occidentale sui corpi polinesiaca e il paesaggio con una direttezza che era caratteristica dell'approccio di Gauguin: non stava illustrando l'Annunciazione ma argomentando che il divino può assumere qualsiasi forma umana. Il colore — la terra terracotta, il verde profondo, il corallo e il rosa delle figure — annuncia la tavolozza tahitiana che avrebbe definito il resto della sua carriera. È appeso al Metropolitan Museum of Art.

Due donne tahitiane 1899

Due donne stanno insieme, una che sostiene un vassoio di fiori e frutta nelle sue mani a coppa, l'altra nuda di petto e che guarda direttamente lo spettatore. La composizione è frontale e ieratica — le figure hanno la solidità del rilievo intagliato, i loro corpi semplificati in ampi piani di colore caldo. Lo sfondo è un rosa piatto e profondo. Gauguin sta combinando la sua materia del soggetto tahitiano con l'influenza dell'arte egiziana e cambogiana antiga che aveva trovato in riproduzioni — la frontalità, la semplificazione deliberata del dettaglio anatomico, la combinazione di vista di profilo e frontale. È appeso al Metropolitan Museum of Art a New York.