Paul Gauguin

Estilo y técnica

La gran innovación de Gauguin fue usar el color como un sistema simbólico en lugar de descriptivo. Sus amarillos, naranjas y azules profundos no reproducen lo que vio; traducen lo que sintió acerca de lo que vio. El pasto en sus paisajes tahitianos no es el verde del pasto tahitiano real; es la sombra de verde que lleva la carga emocional de lozanía, misterio, o peso espiritual que necesitaba en ese punto en la composición.

Llegó a esto a través del enfoque impresionista —estudió con Pissarro a finales de los años setenta y pintó junto a Cézanne— y luego conscientemente lo rechazó. El Impresionismo para él estaba demasiado atado a la superficie visible del mundo. Quería ir detrás de la superficie, pintar lo que llamaba «los centros misteriosos del pensamiento» en lugar de los datos retinianos de la luz solar en el agua.

Su solución formal fue derivada en parte de grabados de bloques de madera japoneses, en parte del arte religioso popular bretón que encontró en Bretaña a finales de los años ochenta, y en parte de su propio estudio de arte polinésio y azteca. Se movió hacia planos planos de color saturado separados por contornos claros, con modelado mínimo y sin sombras proyectadas. La técnica se llama Sintetismo o Cloisonnismo; él compartió su desarrollo con Émile Bernard.

Cuatro cosas identifican a un Gauguin: planos planos de color intenso con sombra mínima, figuras con la solidez simplificada de objetos tallados, una atmósfera de ritual o peso espiritual incluso en escenas cotidianas, y la paleta específica de Tahití —la tierra terracota, el verde denso, la calidad particular del azul del Pacífico.

Vida y legado

Gauguin nació el 7 de junio de 1848 en París, hijo de un periodista y una mujer criolla peruana. Cuando tenía uno, su padre murió en un viaje a Perú; él y su madre vivieron en Lima durante cuatro años con sus ricos parientes maternos. Creció parcialmente peruano, parcialmente francés, y completamente cómodo con la idea de que la civilización tenía múltiples centros.

Fue al mar a los diecisiete, pasó cinco años en la marina mercante y luego en la marina francesa, y regresó a París en 1871. Encontró trabajo como empleado de corredor de bolsa con la firma Bertin y rápidamente subió a una posición de clase media cómoda. Se casó con Mette Sophie Gad, una mujer danesa, en 1873. Tuvieron cinco hijos. Coleccionó pinturas impresionistas como inversiones y comenzó a pintar como hobby.

En 1883, a los treinta y cinco, renunció a su trabajo para pintar a tiempo completo. Esta decisión no fue bien recibida. Mette tomó los niños y regresó a Copenhague. Gauguin la siguió brevemente pero no podía trabajar allí; regresó a París solo y eventualmente, en 1886, a Bretaña, donde la antigua cultura católica y el paisaje bretón austero comenzaron a transformar su pintura del naturalismo impresionista a algo diferente.

El invierno de 1888–89 en Arles con Van Gogh fue los dos meses más famosos de su carrera. Habían estado planeando una colaboración de trabajo durante meses; lo que siguió fue nueve semanas de intenso argumento, admiration mutua, crisis psicológica, y la noche en que Van Gogh se cortó la propia oreja. Gauguin se fue inmediatamente y nunca volvió a ver a Van Gogh.

En 1891 se vela para Tahití, habiendo vendido sesenta y tres pinturas en una subasta deliberada para recaudar el pasaje. Había construido una imagen del Pacífico como un paraíso sin manchar sin tocar por el capitalismo industrial —una imagen en gran parte derivada de la literatura de viajes en lugar del conocimiento directo. La realidad de Tahití colonial era más complicada, pero lo que encontró allí —la luz, el color, los cuerpos y caras del pueblo tahitiano, la cultura mitológica en capas que estudió e inventó parcialmente— transformó su pintura decisivamente.

Sus años finales fueron financieramente desesperados y físicamente dolorosos: contrajo sífilis, se rompió el tobillo en una pelea con un grupo de marineros, sufrió múltiples infartos, y pasó meses en el hospital. En 1901 se mudó a las Islas Marquesas, aún más lejos de Francia, esperando encontrar un entorno más sin manchar. Murió el 8 de mayo de 1903 en Atuona, en Hiva Oa, a los cincuenta y cuatro años. Acababa de ser multado y sentenciado a encarcelamiento por escribir un artículo periódico anti-colonial.

Cinco cuadros famosos

¿De Dónde Venimos? ¿Quiénes Somos? ¿A Dónde Vamos? 1897

La pintura más ambiciosa individual de Gauguin —casi cuatro metros de ancho— pintada en un esfuerzo sostenido único mientras escribía simultáneamente lo que creía era su carta de despedida al mundo antes de intentar suicidarse. Sobrevivió el intento. La pintura se mueve de derecha a izquierda a través de las etapas de la vida: un infante en el primer plano derecho, figuras en el medio, una mujer vieja a la izquierda. Un ídolo azul se yergue en el fondo. La pintura no es una ilustración de una tesis filosófica sino una atmósfera visual de las preguntas en sí —nacimiento, existencia, muerte, la presencia de lo divino, la belleza y extrañeza del cuerpo humano. Cuelga en el Museo de Bellas Artes en Boston.

El Cristo Amarillo 1889

Una declaración definitiva de pintura Sintetista, hecha en Bretaña en 1889. Un Cristo crucificado en un paisaje bretón de otoño —el amarillo de los árboles ha infectado la pintura entera, incluyendo la figura en la cruz— es asistido por tres mujeres bretonas en coifs blancos rezando a sus pies como si fuera un santuario de ruta. El color no tiene propósito descriptivo: ninguna carne es ese amarillo-oro plano. Los contornos son gruesos y claros. El efecto es de una pintura que es simultáneamente una imagen religiosa y un argumento sobre cómo funcionan las imágenes religiosas: cómo el color plano y la forma simplificada crean atmósfera espiritual. Cuelga en la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo.

El Espíritu del Muerto Vigila (Manao Tupapau) 1892

Una joven mujer tahitiana yace boca abajo, desnuda, en una cama blanca; detrás de ella, en la oscuridad, se sienta el tupapau —el espíritu del muerto— una pequeña figura oscura con una cara blanca y ojos cerrados. Gauguin describió la génesis de la pintura en su diario: había vuelto a casa tarde para encontrar a su compañera aterrada en la oscuridad, y había pintado su miedo y sus propias meditaciones sobre la muerte y la creencia espiritual. El fondo oscuro no es sombra sino materia fosforescente, dijo —la sustancia de la que está hecho el tupapau. La pintura está en la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo.

Ia Orana Maria (Ave María) 1891

Una de las primeras grandes pinturas tahitianas, mostrando una mujer tahitiana —la Virgen María, identificada por su halo— sosteniendo a un niño en su hombro mientras dos mujeres en pareus hacen un gesto de oración. Detrás de ellas, la figura de un ángel y un paisaje de follaje tropical denso. La pintura transpone un tema religioso occidental en cuerpos de Polinesia y paisaje con una directez que era característica del enfoque de Gauguin: no estaba ilustrando la Anunciación sino argumentando que lo divino puede tomar cualquier forma humana. El color —la tierra terracota, el verde profundo, el coral y rosa de las figuras— anuncia la paleta tahitiana que definiría el resto de su carrera. Cuelga en el Metropolitan Museum of Art.

Dos Mujeres Tahitianas 1899

Dos mujeres se yerguen juntas, una sosteniendo una bandeja de flores y frutas en sus manos ahuecadas, la otra desnuda de pecho y mirando directamente al espectador. La composición es frontal y hierática —las figuras tienen la solidez de relieve tallado, sus cuerpos simplificados en planos amplios de color cálido. El fondo es un rosa plano y profundo. Gauguin está combinando su materia de tema tahitiano con la influencia del arte antiguo Egipcio y Camboyano que había encontrado en reproducciones —la frontalidad, la simplificación deliberada del detalle anatómico, la combinación de vista de perfil y frontal. Cuelga en el Metropolitan Museum of Art en Nueva York.