Espressionismo / Fauvismo
Il colore come arma, il sentimento come unico dato — la gioia di Matisse e la paura di Kirchner, una generazione di distanza.
Nell'ottobre del 1905, il Salon d'Automne di Parigi collocò un busto marmoreo del Rinascimento — opera di Donatello — in una sala circondata da tele dipinte con colori crudi e strillanti: rossi applicati su un volto dove nessun rosso apparteneva, oceani arancioni, ombre viola su pelle verde. Un critico, Louis Vauxcelles, osservò l'incongruità e coniò una frase: «Donatello fra le belve» (*fauves*). Il nome rimase, e il Fauvismo entrò nel dizionario dell'arte moderna. Matisse, Derain, Vlaminck e il loro circolo non avevano programmato un movimento; avevano semplicemente seguito una convinzione — che il colore dovesse essere liberato dall'obbligo di descrivere l'aspetto delle cose e usato invece per ciò che poteva fare sentire. In Germania, quasi contemporaneamente, i pittori di Die Brücke arrivavano alla stessa conclusione da una direzione più oscura. Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff, che avevano fondato il loro gruppo a Dresda nel 1905, vedevano nella violenza del colore non un piacere mediterraneo ma una necessità esistenziale: il grido contro l'alienazione urbana, la modernità industriale, l'ansia strisciante di un continente che scivolava verso la catastrofe. L'Espressionismo — tedesco e austriaco, Kirchner e Schiele — e il Fauvismo — francese e luminoso — sono i due poli della stessa scoperta.
Origine e storia
Le radici di entrambi i movimenti affondano nella stessa generazione di precursori: van Gogh, Gauguin, Munch. Tutti e tre avevano dimostrato, negli anni Novanta dell'Ottocento, che la pittura poteva veicolare una verità emotiva piuttosto che ottica — che un cipresso poteva torcersi d'ansia, che un cielo tahitiano poteva appiattirsi in blocchi di colore spirituale, che un volto umano su uno sfondo rosso sangue poteva trasmettere terrore esistenziale. Nel 1900 queste lezioni erano di dominio comune negli atelier di Parigi e Berlino.
Il Fauvismo cristallizzò in Francia tra il 1904 e il 1908 circa. Matisse aveva già spinto la sua tavolozza ben oltre il naturalismo nel *Luxe, Calme et Volupté* del 1904 e nell'incandescente *Bonheur de Vivre* (1905–06). La sua estate del 1905 a Collioure con André Derain — entrambi intenti ad applicare il colore in pennellate piatte e non sfumate sotto la luce meridionale — produsse la coppia di dipinti che avrebbe definito il momento fauves. *Mountains at Collioure* di Derain e *Open Window, Collioure* di Matisse (entrambi del 1905) sono in sostanza dipinti di campo cromatico prima che tale concetto esistesse, pura sensazione senza descrizione. Maurice de Vlaminck, che affermava di non aver mai visitato il Louvre e di non avere alcun interesse per la tradizione, spinse la stesura della pittura a un impasto ancora più violento. Il gruppo si dissolse quasi con la stessa rapidità con cui si era formato: nel 1908 Braque si era già orientato verso il Cubismo, Derain verso una gravità classica, e Matisse stava sviluppando il linguaggio decorativo sereno che lo avrebbe occupato per i successivi cinquant'anni.
L'Espressionismo tedesco ha un'atmosfera diversa e un arco più lungo. Die Brücke («Il Ponte») fu fondata a Dresda nel giugno del 1905 da quattro studenti di architettura — Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff e Bleyl — che volevano colmare la distanza tra l'arte presente e un futuro più libero. Le loro mostre erano crude e fisicamente aggressive: stampe xilografiche intagliate a mano, dipinti su tela da sacco, studi decorati con le loro opere. Le scene di strada di Kirchner — *Strada, Dresda* (1908), la straziante *Scena di strada berlinese* (1913–14) — catturano l'energia nervosa e l'ansia sessuale della modernità urbana con una tavolozza di colori acidi e linee spezzate e angolari. Der Blaue Reiter («Il Cavaliere Azzurro»), fondato a Monaco nel 1911 da Kandinsky e Franz Marc, fu il ramo più spiritualmente orientato del movimento: meno interessato all'angoscia urbana che al potenziale metafisico del colore. Il cammino di Kandinsky verso la pura astrazione ebbe inizio qui. Egon Schiele a Vienna, lavorando in radicale isolamento, portò la figura espressionista al suo estremo psicologicamente più crudo — corpi emaciati, contorno aspro, sessualità senza compromessi.
Concetto e filosofia
L'affermazione fondamentale che unisce Fauvismo ed Espressionismo tedesco è che il colore veicola sentimento indipendentemente dalla forma. Un albero dipinto di rosso non è un errore; è una dichiarazione di ciò che il pittore sente in presenza di quell'albero. Entrambi i movimenti dichiaravano guerra allo stesso nemico: la convenzione secolare secondo cui il compito della pittura era approssimare l'aspetto del mondo visibile.
Il Fauvismo perseguì questa liberazione attraverso il piacere. Matisse, il centro intellettuale del movimento, parlava dell'arte come di una poltrona per il businessman stanco — un luogo di riposo, ordine e gioia mediterranea. La sua *La Danse* (1910) — cinque figure in circolo su un fondo piatto di blu-verde — è tra le immagini più gioiose dell'arte moderna, del tutto incurante di peso, ombra, profondità o narrazione. La pennellata fauvista è sicura, rapida, sensuale: pittura applicata con evidente piacere nell'atto fisico del dipingere.
L'Espressionismo tedesco perseguì la stessa liberazione attraverso l'angoscia. Dove la linea di Matisse è fluida e liberatoria, quella di Kirchner è angolosa e intrappolata. Dove il colore di Derain canta, il contorno di Schiele accusa. Gli Espressionisti tedeschi dipingevano un mondo che vivevano come ostile — città industriali, prostituzione, vuoto spirituale, guerra imminente. *L'Urlo* di Munch (1893), sebbene tecnicamente pre-espressionista, è l'immagine fondativa del movimento: una figura il cui volto è diventato una ferita, che urla in un cielo che urla a sua volta.
Entrambe le correnti condividevano una cruciale innovazione formale: la deliberata semplificazione e distorsione della forma al servizio dell'espressione. La prospettiva fu abbandonata o drasticamente compressa. I corpi venivano allungati, compressi, contorti. La superficie del dipinto diventava un campo di decisioni, ogni segno una scelta sul sentimento piuttosto che sull'accuratezza. Questo radicalismo non era decorativo: era una dichiarazione sui limiti del realismo descrittivo e sulla priorità dell'esperienza soggettiva. L'arte del Novecento successiva — dall'Espressionismo Astratto al Neo-Espressionismo fino alla figurazione contemporanea — non può essere compresa senza di esso.
Come riconoscerlo
Che si guardi una tela fauvista francese o una stampa espressionista tedesca, sei indicatori visivi permettono di orientarsi — e le differenze all'interno di questi indicatori sono rivelatrici quanto le somiglianze.
- Colore non naturalistico — Il segnale più forte: colore scelto per la verità emotiva piuttosto che per l'accuratezza ottica. Ombre rosse, pelle arancione, alberi viola. Nel Fauvismo la tavolozza tende a essere luminosa e calda; nell'Espressionismo tedesco, più aspra e stridente — verdi acidi, rossi covanti, gialli velenosi.
- Pennellata audace e leggibile — Pittura applicata in tratti enfatici e leggibili senza sfumature. In Matisse e Derain i tratti sono spesso ampi, piatti e quasi sensuali; in Kirchner e Schmidt-Rottluff sono *spezzati, angolari e urgenti* — la differenza nel tocco riflette la differenza nella temperatura emotiva.
- Forma distorta o semplificata — Figure e oggetti sono appiattiti, allungati o compressi. La prospettiva è drasticamente ridotta o eliminata. La distorsione fauvista è di solito gentile e decorativa; quella espressionista è spesso violenta e psicologicamente carica.
- Aree piatte e non modellate — L'ombra come forma separata, non come gradiente. I volti possono essere suddivisi in piani piatti di colore contrastante. Entrambi i movimenti attingevano alla lezione di Gauguin: le aree di colore possono essere delimitate da un contorno scuro come lo smalto cloisonné o il vetro colorato, senza alcuna illusione di volume.
- Soggetto emotivo o simbolico — Il Fauvismo preferiva paesaggi, figure nella natura, nature morte — soggetti che davano al colore massima libertà. L'Espressionismo si spingeva verso angoscia, sessualità, alienazione e l'inquietante urbano: le prostitute di Kirchner, gli autoritratti crudi di Schiele, il carnevale di crudeltà di Beckmann.
- Primitivismo visibile — Entrambi i movimenti si ispiravano consapevolmente all'arte extra-europea: maschere africane, scultura oceanica, xilografie medievali tedesche, stampe giapponesi. Il «primitivo» era apprezzato non come decorazione esotica ma come forma di immediatezza visiva che la pittura accademica europea aveva soffocato. Cercare contorni semplificati, tratti in grassetto e il rifiuto dell'illusione spaziale rinascimentale.
Aneddoti e curiosità
Il ritratto della moglie di Matisse aveva una striscia verde al centro del viso. *Ritratto di Madame Matisse* (noto anche come *La Striscia Verde*, 1905) è oggi uno dei dipinti più ammirati dello Statens Museum for Kunst di Copenaghen. All'epoca fu accolto come un atto di aggressione o di follia. La striscia verde divide le metà illuminata e in ombra del viso — una scelta cromatica senza precedenti nella ritrattistica accademica. La moglie di Matisse, Amélie, non disse nulla quando lo vide. Il quadro fu venduto ai collezionisti danesi Michael e Sarah Stein, che contribuirono a portare la reputazione del Fauvismo a un pubblico internazionale.
Ernst Ludwig Kirchner distrusse la propria salute cercando di evitare la Prima Guerra Mondiale. Arruolato nell'esercito tedesco nel 1914 e inviato a formarsi come conducente di automezzi, Kirchner subì un crollo mentale e fisico che lo tenne ricoverato per gran parte della guerra. Trascorse gli anni 1917–1938 a Davos, in Svizzera, a recuperarsi — e a dipingere il paesaggio alpino con la stessa intensità nevrotica che aveva portato alle strade di Berlino. Quando i nazisti dichiararono la sua opera *entartet* (degenerata) nel 1937 e rimossero 639 sue opere dai musei tedeschi, egli distrusse un gran numero dei propri dipinti e si sparò nel giugno del 1938.
Egon Schiele fu imprigionato per aver esposto disegni erotici in un locale accessibile ai bambini. Nell'aprile del 1912, Schiele fu arrestato nella piccola città austriaca di Neulengbach con accuse che comprendevano il rapimento di una minore (poi ritirata) e la pubblica esposizione di immagini oscene. Trascorse 24 giorni in custodia. Durante quei giorni realizzò una serie di piccoli acquerelli della sua cella, della sua coperta arancione e delle proprie mani — tra le opere più toccanti che abbia mai prodotto. Il giudice bruciò uno dei suoi disegni in aula come esempio di corruzione pubblica.
André Derain e Maurice de Vlaminck scoprirono insieme van Gogh in una retrospettiva parigina e cambiarono immediatamente il loro modo di dipingere. La retrospettiva di van Gogh del 1901 alla Galerie Bernheim-Jeune a Parigi colpì entrambi con la forza di una rivelazione. Vlaminck dichiarò di amare van Gogh più di suo padre. Nel giro di settimane, entrambi i pittori avevano adottato la pennellata turbinosa e carica e il colore intensificato che sarebbero diventati la firma fauvista. È uno degli esempi più chiaramente documentati di una singola mostra che ha cambiato il corso della storia dell'arte.
Eredità e influenza
L'eredità dell'Espressionismo e del Fauvismo percorre il Novecento come una doppia corrente — una gioiosa, una angosciata — che non si è mai del tutto esaurita. La liberazione del colore operata da Matisse si riversò direttamente nell'audacia decorativa del tardo Picasso, nei piani piatti della Pop Art, nei pittori del campo cromatico degli anni Cinquanta e Sessanta. Le sue *gouaches découpées* degli anni Quaranta e Cinquanta — realizzate quando l'artrite gli impediva di dipingere — sono tra le immagini più influenti del design moderno, visibili in tutto, dalla comunicazione aziendale al tessile contemporaneo. L'impatto dell'Espressionismo tedesco fu altrettanto vasto ma più sotterraneo: alimentò le immagini notturne di Otto Dix e George Grosz nella Repubblica di Weimar, sopravvisse al periodo nazista nell'esilio, riemerse come Neo-Espressionismo negli anni Settanta e Ottanta (Kiefer, Baselitz, Basquiat) e continua nella figurazione grezza di pittori come Cecily Brown e Dana Schutz. La xilografia espressionista — economica, riproducibile democraticamente, violentemente diretta — divenne il mezzo dell'arte di protesta politica nel corso del Novecento. In senso più ampio, entrambi i movimenti sancirono un principio che il primo obbligo dell'arte è verso il sentimento piuttosto che verso l'apparenza — un'affermazione talmente assorbita dalla pratica contemporanea da essere diventata quasi invisibile.
8 artisti in questo movimento
Domande frequenti
Qual è la differenza tra Fauvismo ed Espressionismo?
Entrambi i movimenti liberarono il colore dall'obbligo descrittivo, ma i loro registri emotivi sono opposti. Il Fauvismo (Parigi, 1904–08) è prevalentemente gioioso — Matisse perseguiva un calore mediterraneo, Derain un piacere visivo. L'Espressionismo tedesco (Berlino, Dresda, Monaco, 1905–33) è guidato da angoscia, alienazione e urgenza spirituale. La pennellata fauvista tende a essere fluida e sensuale; il segno espressionista è spesso angoloso e violento. Entrambe le eredità si rivelarono ugualmente fertili per il secolo che seguì.
Chi furono i principali pittori fauvisti?
Henri Matisse (1869–1954) fu il centro intellettuale del movimento e la sua figura più duratura. André Derain (1880–1954) e Maurice de Vlaminck (1876–1958) ne furono i collaboratori più impegnati negli anni 1905–08. Raoul Dufy, Albert Marquet e Georges Braque (prima della sua svolta cubista) operarono anch'essi nell'ambito del circolo fauves. Il gruppo si formò rapidamente e si dissolse altrettanto in fretta — la maggior parte dei membri fu «fauvista» per soli due o tre anni.
Chi furono i principali pittori espressionisti?
Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938), Erich Heckel (1883–1970) e Karl Schmidt-Rottluff (1884–1976) fondarono Die Brücke a Dresda nel 1905. Wassily Kandinsky (1866–1944) e Franz Marc (1880–1916) guidarono Der Blaue Reiter a Monaco dal 1911. Egon Schiele (1890–1918) a Vienna operò in splendido isolamento. Max Beckmann (1884–1950) ed Emil Nolde (1867–1956) sono le figure più potenti del movimento al di fuori dei gruppi fondatori.
Cosa significa 'arte degenerata'?
Nel 1937 il governo nazista organizzò a Monaco la mostra *Entartete Kunst* («Arte degenerata») — un'esposizione deliberatamente denigratoria di opere espressioniste, dadaiste e astratte confiscate dalle collezioni pubbliche tedesche. Oltre 650 opere furono esposte, etichettate come prove di corruzione razziale e morale. La mostra richiamò un pubblico enorme. Molte delle opere esposte furono successivamente vendute all'asta o distrutte. Kirchner, Nolde, Beckmann, Klee, Kandinsky e Marc furono tutti colpiti. L'episodio rimane uno degli assalti statali più brutali alla cultura moderna nella storia.
Perché gli Espressionisti usavano così spesso la xilografia?
La xilografia — una tecnica di stampa a rilievo in cui l'artista incide un disegno su un blocco di legno — si adattava perfettamente al temperamento espressionista. Le sue esigenze tecniche spingono verso la semplificazione audace e il contrasto forte; i suoi segni sono intrinsecamente angolosi e vigorosi; e le stampe potevano essere prodotte a basso costo e distribuite ampiamente. Gli Espressionisti tedeschi vedevano anche nella xilografia un collegamento con l'*era di Dürer* — una tradizione specificamente tedesca. Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff e Nolde realizzarono tutti xilografie di straordinaria potenza.