Wassily Kandinsky

Stile e tecnica

Kandinsky ha affermato di aver inventato la pittura astratta attraverso un incidente specifico: tornando al suo studio una sera nel 1908, ha visto una tela appoggiata di lato contro il muro ed è stato sopraffatto dalla sua bellezza — le sue forme e i suoi colori — prima di riconoscerla come uno dei suoi stessi dipinti di paesaggio. L'assenza accidentale di soggetto aveva rivelato il puro potere del colore e della forma. Ha trascorso il decennio successivo lavorando le implicazioni.

Il suo framework teorico — articolato in «Sul spirituale nell'arte» (1911) e «Punto e linea al piano» (1926) — ha sostenuto che il colore, la forma e le loro relazioni avevano effetti psicologici e spirituali diretti indipendenti da qualsiasi soggetto rappresentato. Il giallo era aggressivo; il blu era passivo e spirituale; il rosso era fiducioso. Le linee verticali erano fredde; le orizzontali erano calde; le diagonali erano dinamiche. Questi non erano metafore ma proprietà — colore e forma come un linguaggio fisico diretto che ha bypassato l'intelletto e ha agito sull'anima.

Ha avuto sinestesia: ha provato il colore e il suono come sensazioni correlate, e ha descritto la pittura in termini musicali. Le sue serie maggiori — «Impressioni», «Improvvisazioni», «Composizioni» — intitolate secondo forme musicali. «Composition VII» (1913), la sua tela più ambiziosa del pre-guerra, è stata dipinta dopo un mese di studi preparatori che sono stati a dozzine.

Quattro impronte digitali: la linea curva e gestiuale del lavoro iniziale che suggerisce paesaggio e forma organica anche nell'astrazione, l'attività cromatica densa in cui i colori interagiscono, si oppongono e si risolvono attraverso la superficie della tela, un vocabolario geometrico Bauhaus nel lavoro più tardi — cerchi, triangoli, griglie — e l'analogia musicale come principio organizzatore.

Vita ed eredità

Kandinsky nacque il 16 dicembre 1866 a Mosca, figlio di un commerciante di tè. Studiò legge ed economia all'Università di Mosca, laureandosi nel 1892 con forti prospettive accademiche. Era già interessato alla musica — suonava il violoncello e il pianoforte — e all'arte, ma il suo percorso professionale era stabilito.

Tutto è cambiato nel 1895, quando ha partecipato a una mostra di Impressionismo francese a Mosca e ha visto un dipinto di pagliaio di Monet. Non ha riconosciuto immediatamente il suo soggetto ed è stato colpito dal potere del suo colore e della sua forma. Questa esperienza — combinata con una performance di «Lohengrin» di Wagner che lo ha mosso con le sue qualità simili al colore — lo ha trasformato decisamente verso l'arte. Nel 1896, all'età di trenta anni, ha rifiutato una cattedra di diritto all'Università di Tartu e si è trasferito a Monaco per studiare pittura.

Monaco era una scelta giusta. Ha studiato sotto Franz von Stuck, ha incontrato il movimento Art Nouveau e ha formato il gruppo di esposizione «Phalanx» nel 1901. Ha viaggiato ampiamente — nel Nord Africa, in Olanda e ripetutamente a Parigi — e ha assorbito il Fauvismo e le idee di colore di Matisse e Delaunay. La sua compagna dal 1903 era la pittrice Gabriele Münter, con la quale viveva a Murnau, Baviera, dipingendo la città e il paesaggio bavarese circostante.

Gli anni a Murnau (1908–1914) sono gli anni di transizione. I paesaggi diventano sempre più astratti; il colore sempre più non-descrittivo; la linea sempre più distaccata dalla sua funzione rappresentazionale. Nel 1911 ha co-fondato il gruppo «Blaue Reiter» (Cavaliere Blu) con Franz Marc, ha prodotto la prima edizione dell'almanacco e ha pubblicato «Sul spirituale nell'arte». Lo stesso anno ha realizzato quella che a volte ha chiamato la prima acquerella puramente astratta.

La Prima Guerra Mondiale lo rimandò in Russia, dove rimase fino al 1921, insegnando alle nuove scuole d'arte statali e incontrando i Costruttivisti russi, il cui rigore geometrico influenzò il suo lavoro successivo.

Si è trasferito a Parigi nel 1933 e ha trascorso il suo ultimo decennio a Neuilly-sur-Seine, dipingendo lavoro sempre più biomorfico e decorativo che combinava il suo vocabolario geometrico con l'influenza organica di Miró e i Surrealisti. Morì il 13 dicembre 1944, all'età di settantasette anni.

Cinque dipinti famosi

Composition VII 1913

La più grande e più ambiziosa delle sue tele del pre-guerra — 200 per 300 centimetri — e l'apice della sua transizione dalla rappresentazione alla pura astrazione. Ha realizzato trenta studi preparatori nel corso di un mese. La tela è coperta da una massa turbolenta di colore: rossi, blu, gialli, arancioni e neri che turbinano e si scontrano attraverso la superficie. Nessuna forma singola domina; non c'è punto di riposo. Il dipinto era inteso come un equivalente visuale dell'Apocalisse — non la distruzione del mondo ma la sua trasformazione. Appende alla Galleria Tretyakov di Mosca.

Improvisation 19 1911

Una della serie «Improvvisazione» — dipinti realizzati rapidamente, dall'emozione diretta, senza preparazione estesa. Figure blu a cavallo si muovono attraverso un paesaggio che si dissolve in colore puro e linea. Gli elementi rappresentazionali — i cavalieri, l'orizzonte — sono ancora oscuramente presenti ma non più necessari; il dipinto funziona come attività di colore puro. Questo è il momento di transizione: Kandinsky non è ancora disposto ad abbandonare completamente la figura, ma la figura sta diventando un pretesto piuttosto che un soggetto. Il dipinto si trova alla Städtische Galerie im Lenbachhaus a Monaco, che contiene la più grande collezione del suo lavoro iniziale.

Composition IV 1911

Una grande tela dall'anno della sua transizione all'astrazione. La composizione è ancora leggibile come paesaggio: una montagna, cavalieri, un arcobaleno — elementi presi in prestito dall'immagine del folklore russo e dalla pittura votiva bavarica che lo circondava a Murnau. Ma il colore si è separato dalle forme; il blu della montagna non è descrittivo ma emotivo; il giallo del cielo è aggressivo e attivo. Le due linee nere al centro — le ha chiamate «l'asse tranquillo, immobile e freddo» della composizione — mostrano la sua comprensione emergente della linea come forza. Si trova alla Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen a Düsseldorf.

Diversi cerchi 1926

Un'opera del periodo Bauhaus, che mostra la chiarezza geometrica del suo stile degli anni Venti. Un grande campo blu-profondo contiene numerosi cerchi di diverse dimensioni, colori e trasparenza — sovrapponendosi, stratificando, creando nuovi colori dove si intersecano. I cerchi galleggiano senza gravità, senza logica spaziale, senza narrativa. Questo è il vocabolario puramente formale del lavoro teorico di Kandinsky reso visibile: il cerchio come la forma più perfetta, le sue relazioni di colore come esperienza spirituale diretta. Ha considerato questa tela uno dei suoi migliori lavori. Appende al Solomon R. Guggenheim Museum a New York.

First Abstract Watercolour 1910

Kandinsky a volte ha chiamato questa la prima opera puramente astratta che ha realizzato — anche se la data del 1910, iscritta sulla carta, è stata messa in discussione da storici dell'arte che credono che sia stata realizzata e retrodatata nel 1913. Indipendentemente dalla sua data precisa, rappresenta un'affermazione chiave: un acquerello di forme di colore improvvisate senza nessun riferimento rappresentativo. Gocce e linee di colore — blu, giallo, rosso, nero — si diffondono attraverso una superficie bianca. Non ci sono figure, nessun paesaggio, nessun oggetto. Se la data del 1910 è accettata, è la prima opera astratta nella storia della pittura occidentale. Si trova al Musée National d'Art Moderne a Parigi.