Wassily Kandinsky

Estilo y técnica

Kandinsky afirmaba haber inventado la pintura abstracta a través de un incidente específico: al volver a su estudio una noche en 1908, vio un lienzo apoyado de lado contra la pared y quedó abrumado por su belleza —sus formas y colores— antes de reconocerlo como uno de sus propios cuadros de paisaje. La ausencia accidental de tema había revelado el poder puro del color y la forma. Dedicó la siguiente década a desarrollar las implicaciones.

Su marco teórico —articulado en «Sobre lo espiritual en el arte» (1911) y «Punto y línea sobre plano» (1926)— argumentaba que el color, la forma y sus relaciones tenían efectos psicológicos y espirituales directos independientes de cualquier tema representado. El amarillo era agresivo; el azul era pasivo y espiritual; el rojo era seguro de sí. Las líneas verticales eran frías; las horizontales eran cálidas; las diagonales eran dinámicas. Estas no eran metáforas sino propiedades —el color y la forma como un lenguaje físico directo que evitaba el intelecto y actuaba sobre el alma.

Tenía sinestesia: experimentaba el color y el sonido como sensaciones relacionadas, y describía la pintura en términos musicales. Sus series mayores —«Impresiones», «Improvisaciones», «Composiciones»— nombradas según formas musicales. «Composición VII» (1913), su lienzo más ambicioso de preguerra, fue pintado después de un mes de estudios preparatorios que se contaban en docenas.

Cuatro características: la línea curva y gestual del trabajo temprano que sugiere paisaje y forma orgánica incluso en la abstracción, la actividad cromática densa en la que los colores interactúan, se oponen y se resuelven a través de la superficie del lienzo, un vocabulario geométrico Bauhaus en el trabajo tardío —círculos, triángulos, cuadrículas— y la analogía musical como principio organizador.

Vida y legado

Kandinsky nació el 16 de diciembre de 1866 en Moscú, hijo de un comerciante de té. Estudió derecho y economía en la Universidad de Moscú, graduándose en 1892 con excelentes perspectivas académicas. Ya estaba interesado en la música —tocaba el violonchelo y el piano— y en el arte, pero su carrera profesional estaba establecida.

Todo cambió en 1895, cuando asistió a una exposición de Impresionismo francés en Moscú y vio un cuadro de paglares de Monet. No reconoció inmediatamente su tema y quedó impresionado por el poder de su color y forma. Esta experiencia —combinada con una representación de «Lohengrin» de Wagner que lo movió por sus cualidades similares al color— lo giró decisivamente hacia el arte. En 1896, a los treinta años, rechazó una cátedra de derecho en la Universidad de Tartu y se trasladó a Múnich para estudiar pintura.

Múnich fue una buena elección. Estudió bajo Franz von Stuck, encontró el movimiento Art Nouveau y formó el grupo de exposición «Phalanx» en 1901. Viajó extensamente —al Norte de África, Holanda y repetidamente a París— y absorbió el Fauvismo y las ideas del color de Matisse y Delaunay. Su compañera desde 1903 fue la pintora Gabriele Münter, con quien vivió en Murnau, Baviera, pintando el pueblo y el paisaje bávaro circundante.

Los años en Murnau (1908–1914) son los años de transición. Los paisajes se vuelven cada vez más abstractos; el color cada vez más no descriptivo; la línea cada vez más desvinculada de su función representacional. En 1911 cofundó el grupo «Blaue Reiter» (Jinete Azul) con Franz Marc, produjo la primera edición del almanaque y publicó «Sobre lo espiritual en el arte». El mismo año realizó lo que a veces llamó la primera acuarela puramente abstracta.

La Primera Guerra Mundial lo devolvió a Rusia, donde permaneció hasta 1921, enseñando en las nuevas escuelas de arte estatal y encontrando a los Constructivistas rusos, cuyo rigor geométrico influyó en su obra posterior.

Emiró a París en 1933 y pasó su última década en Neuilly-sur-Seine, pintando obra cada vez más biomorfa y decorativa que combinaba su vocabulario geométrico con la influencia orgánica de Miró y los Surrealistas. Murió el 13 de diciembre de 1944, a los setenta y siete años.

Cinco cuadros famosos

Composición VII 1913

El más grande y ambicioso de sus lienzos de preguerra —200 por 300 centímetros— y la culminación de su transición de la representación a la abstracción pura. Realizó treinta estudios preparatorios durante un mes. El lienzo está cubierto por una masa turbulenta de color: rojos, azules, amarillos, naranjas y negros que se arremolinan y chocan a través de la superficie. Ninguna forma singular domina; no hay punto de descanso. El cuadro estaba previsto como un equivalente visual del Apocalipsis —no la destrucción del mundo sino su transformación. Cuelga en la Galería Tretyakov de Moscú.

Improvisación 19 1911

Una de la serie «Improvisación» —cuadros realizados rápidamente, de la emoción directa, sin preparación extendida. Figuras azules a caballo se mueven a través de un paisaje que se disuelve en color puro y línea. Los elementos representacionales —los jinetes, el horizonte— aún están débilmente presentes pero ya no son necesarios; el cuadro funciona como actividad de color puro. Este es el momento de transición: Kandinsky aún no está dispuesto a abandonar la figura completamente, pero la figura se está convirtiendo en pretexto más que en tema. El cuadro está en la Galería Municipal im Lenbachhaus en Múnich, que alberga la colección más grande de su obra temprana.

Composición IV 1911

Un gran lienzo del año de su transición a la abstracción. La composición aún es legible como paisaje: una montaña, jinetes, un arcoíris —elementos tomados de la imaginería folclórica rusa y la pintura votiva bávara que lo rodeaba en Murnau. Pero el color se ha separado de las formas; el azul de la montaña no es descriptivo sino emocional; el amarillo del cielo es agresivo y activo. Las dos líneas negras en el centro —las llamó «el eje tranquilo, inmóvil y frío» de la composición— muestran su comprensión emergente de la línea como fuerza. Está en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen en Düsseldorf.

Varios círculos 1926

Una obra del período Bauhaus, mostrando la claridad geométrica de su estilo de los años 1920. Un campo azul profundo contiene numerosos círculos de diferentes tamaños, colores y transparencia —superponiéndose, estratificándose, creando nuevos colores donde se intersectan. Los círculos flotan sin gravedad, sin lógica espacial, sin narrativa. Este es el vocabulario puramente formal del trabajo teórico de Kandinsky hecho visible: el círculo como la forma más perfecta, sus relaciones de color como experiencia espiritual directa. Consideró este lienzo uno de sus mejores trabajos. Cuelga en el Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York.

Primera acuarela abstracta 1910

Kandinsky a veces llamó a esta la primera obra puramente abstracta que realizó —aunque la fecha de 1910, inscrita en el papel, ha sido cuestionada por historiadores del arte que creen que fue hecha y antedatada en 1913. Independientemente de su fecha precisa, representa una afirmación clave: una acuarela de formas de color improvisadas sin ninguna referencia representacional. Gotas y líneas de color —azul, amarillo, rojo, negro— se difunden a través de una superficie blanca. No hay figuras, no hay paisaje, no hay objetos. Si se acepta la fecha de 1910, es la primera obra abstracta en la historia de la pintura occidental. Está en el Musée National d'Art Moderne en París.