Paul Klee

Estilo y técnica

El trabajo de Klee resiste la categorización porque fue producido a un ritmo de aproximadamente dos trabajos por semana durante treinta años, y cada uno de esos trabajos es en cierto sentido un experimento. No era un pintor que encontrara un estilo y lo refinara; era un pintor que trató cada lienzo u hoja como un nuevo problema, cada técnica como una hipótesis temporal. El cuerpo de trabajo que dejó —más de 9.000 obras— es uno de los más diversos producidos por cualquier artista importante del siglo veinte.

Su tema central era la frontera entre signo e imagen, el punto donde una marca dibujada es simultáneamente una forma abstracta y una cosa reconocible. Una línea podría ser un tallo y un símbolo simultáneamente. Un pequeño cuadrado podría ser una ventana en una ciudad y un valor cromático simultáneamente. Su trabajo habita la zona entre lo legible y lo abstracto y se niega a resolverse en ninguno de los dos.

Era un músico dotado —un violinista de nivel profesional que tocaba en la orquesta municipal de Bern— y llevó un entendimiento de músico sobre ritmo, contrapunto, y tema-y-variación a su pintura. Sus composiciones se organizan musicalmente: un motivo introducido, desarrollado, variado, invertido, combinado con otro.

Cuatro características: escala pequeña (la mayoría de sus trabajos son íntimos —algunos tienen tamaño de sello postal— en lugar de monumentales), la rejilla o mosaico como estructura compositiva, una paleta específica que combina tonos cálidos y fríos de formas que producen vibración y profundidad, y una cualidad de inteligencia tierna, irónica en la elección de temas y su tratamiento —siempre hay una broma en algún lugar, siempre una sabiduría detrás de la broma.

Vida y legado

Klee nació el 18 de diciembre de 1879 en Münchenbuchsee, cerca de Bern en Suiza, hijo de un maestro de música alemán y una madre suiza. Creció en un hogar musical, aprendió violín desde la infancia temprana, y estaba actuando públicamente como adolescente. Consideró seriamente una carrera musical profesional antes de decidirse por la pintura —una decisión que nunca hizo completamente, ya que la música siguió siendo una práctica diaria durante toda su vida.

Estudió en la Academia de Munich bajo Franz von Stuck —el mismo maestro que Kandinsky— de 1900 a 1901, luego viajó a Italia durante un año. Regresó a Bern y pasó varios años en relativa oscuridad, apoyándose a sí mismo tocando en la orquesta municipal de Bern e haciendo impresiones satíricas. Estaba trabajando seriamente como pintor y dibujante pero encontró casi ningún éxito comercial.

El punto de inflexión fue 1911, cuando conoce a Kandinsky y el grupo Blaue Reiter en Munich y fue incluido en su segunda exposición. En 1914 viajó a Túnez con August Macke y Louis Moilliet. Ya había estado trabajando en color, pero Túnez le mostró cómo el color cálido y saturado podría combinarse en mosaicos y patrones que generaban su propia profundidad espacial sin perspectiva convencional.

Fue llamado a servicio militar en 1916 y sirvió en roles auxiliares relativamente cómodos —pintando camuflaje en aviones, transfiriendo cuentas— hasta el final de la guerra. Regresó a Munich y fue nombrado al personal docente de la Bauhaus en Weimar por Walter Gropius en 1920.

Los años Bauhaus (1920–1931) fueron algunos de los más productivos de su carrera. Enseñó el Curso Preliminar y el taller de encuadernación y desarrolló un marco teórico elaborado para la pintura que publicó como «Pedagogical Sketchbook» (1925) y elaboró en sus notas de enseñanza inéditas. Su propia pintura se expandió simultáneamente, dibujando en la precisión geométrica del entorno Bauhaus mientras mantenía su levedad irónica.

En 1935 fue diagnosticado con esclerodermia —una enfermedad progresiva del tejido conectivo que gradualmente restringió el movimiento de sus manos. Trabajó cada vez más en obras a gran escala con marca simplificada e impacto, las líneas negras gruesas de sus últimos años requiriendo menos destreza manual que las marcas finas, intrincadas del trabajo anterior. Murió el 29 de junio de 1940 en Muralto, a los sesenta años, antes de que su solicitud de ciudadanía a Suiza fuera procesada. Había vivido en Suiza toda su vida y murió como nacional alemán.

Cinco cuadros famosos

Máquina Twittering 1922

Un pequeño dibujo de pluma y tinta con lavado de acuarela —41 por 30 centímetros— mostrando cuatro extrañas figuras parecidas a pájaros montadas en un alambre accionado por una manija. Es tanto una máquina como un sistema para hacer sonido, tanto ciencia ficción como sátira de ciencia, tanto un dibujo de pájaros como un dibujo de algo que tiene la forma de un pájaro pero pertenece a un mundo de reproducción mecánica. Las líneas delgadas y precisas contra el fondo azul-verde son características del período Bauhaus de Klee. El título añade la dimensión final: el ruido que estos pájaros mecánicos hacen es twittering —el chatter vacío específico de pájaros y de modernidad. Está en el Museo de Arte Moderno en Nueva York.

Angelus Novus 1920

Un monotipo —o medios mixtos en papel— mostrando una extraña figura angular con una boca bien abierta, alas extendidas, y grandes ojos mirando hacia adelante. Fue comprado por el filósofo y crítico literario Walter Benjamin en 1921 y se convirtió en la base de su pasaje más famoso: en «Theses on the Philosophy of History» (1940), Benjamin describió el Ángel de la Historia como una figura que mira hacia atrás en la catástrofe del pasado mientras es empujada hacia adelante al futuro por la tormenta del progreso. La pintura sobrevivió a Benjamin, quien murió huyendo de los nazis en 1940, y ahora está en el Israel Museum en Jerusalén.

Ad Parnassum 1932

Una de las obras más grandes y complejas de Klee —100 por 126 centímetros— y uno de los últimos logros principales de su período de Düsseldorf antes de que los nazis lo despidieran de su puesto de enseñanza. La superficie del lienzo está cubierta en pequeños cuadrados de pintura, tonos cálidos y fríos alternando en un patrón de mosaico, con una forma de montaña similar a una pirámide en el centro y dos rectángulos azules abstractos —posiblemente puertas o ventanas— en el borde inferior. El título se refiere al camino a la montaña de las Musas. Toda la superficie brilla con una cualidad de luz transmitida. Está en el Kunstmuseum Bern, el museo que alberga la colección más grande de obra de Klee en el mundo.

El Pez de Oro 1925

Un pez de oro y naranja nada en un fondo acuático azul-verde oscuro, rodeado de criaturas más pequeñas y formas de plantas. El pez es la fuente de luz: ilumina la oscuridad circundante por su propio brillo cálido. El escenario es un mundo acuático imaginario ensamblado del vocabulario característico de Klee —formas de plantas semi-abstractas, pequeñas criaturas, un fondo en capas construido a partir de lavados de color transparente. La pintura es a la vez una ilustración de libro para niños y una meditación seria sobre la forma en que una forma luminosa única organiza el espacio oscuro alrededor de ella. Está en la Hamburger Kunsthalle.

Muerte y Fuego 1940

Una de las obras más últimas de Klee, hecha en el año de su muerte cuando la esclerodermia había restringido severamente sus manos. Una cara de calavera —reducida a sus elementos más esenciales— mira desde el centro del lienzo, la palabra «Tod» (muerte) deletreada en los rasgos de la cara. Colores de fuego o puesta de sol lo rodean. Las líneas son gruesas e impacto, la marca-haciendo mucho más simple que su trabajo anterior intrincado —la enfermedad forzó una nueva simplicidad que produce un tipo diferente de poder. La pintura es simultáneamente un autorretrato, una meditación sobre la mortalidad, y un problema formal sobre cuánto puede una pintura remover y aún comunicar su tema. Está en el Zentrum Paul Klee en Bern.