Marc Chagall

Estilo y técnica

El mundo visual de Chagall funciona bajo sus propias leyes de la física. Las personas flotan sobre techos. Un violinista verde toca sobre un edificio. Una cabra se sienta en una sala de estar. Una pareja de amantes se eleva sobre un pequeño pueblo ruso. Estos no son violaciones surrealistas de la realidad sino imágenes de verdad emocional: el amor se siente como levitación; la memoria tiene la compresión de un sueño; lo sagrado se interpenetra con lo cotidiano sin anuncio.

Absorbió todo lo que París tenía que ofrecer — fragmentación cubista, color fauvista, las lecciones formales de Cézanne — pero no usó nada exactamente como se pretendía. El cubismo para él no era una herramienta para analizar la forma sino una manera de comprimir múltiples memorias y tiempos en una sola imágenes. Las capas de sus cuadros a menudo muestran Vitebsk, su infancia, su primera esposa Bella, su comunidad judía, y París simultáneamente, la forma en que un sueño los muestra.

Su color es cálido, jubiloso y profundamente personal. Tenía sus propios azules — el azul profundo específico de un cielo nocturno sobre una pequeña ciudad judía en Bielorrusia — y sus propios rojos y verdes que llevan cargas emocionales específicas que su trabajo enseñó a los espectadores a reconocer. Los colores no son simbólicos de una manera fija; son estados de ánimo.

Cuatro marcas de identificación: la figura flotante, libre de gravedad, la compresión de múltiples tiempos y lugares en una sola escena, la paleta cálida y profundamente saturada con ese azul Chagall específico, y el elenco recurrente de figuras — amantes, músicos, animales, objetos religiosos — que hacen que su trabajo sea inmediatamente reconocible a lo largo de una carrera de casi ochenta años.

Vida y legado

Chagall nació como Moishe Shagal el 7 de julio de 1887 en Vitebsk, en lo que ahora es Bielorrusia, el mayor de nueve hijos en una familia judía hasídica pobre. Su padre transportaba barriles de arenque para un comerciante de pescado; su madre manejaba una pequeña tienda de comestibles. El shtetl — la pequeña ciudad judía con su mezcla particular de pobreza, vida religiosa y comunidad vibrante — fue el mundo de su infancia y la fuente visual inagotable de toda su carrera.

Estudió arte en Vitebsk y luego en San Petersburgo, donde los judíos necesitaban permisos especiales para vivir. Encontró su camino a París en 1910 a través de una beca de un mecenas, y llegó para encontrar el cubismo, el fauvismo y la vanguardia parisina en su más energético. Se mudó a la Ruche, una residencia circular para artistas en Montparnasse, donde Leger, Archipenko, Modigliani y docenas de otros estaban trabajando.

«Yo y el pueblo» (1911) fue su consagración parisina: el vocabulario cubista absorbido y transformado en algo inconfundiblemente personal — dos caras en perfil (un hombre y una vaca) se miran a través del lienzo, con minúsculas figuras invertidas en el fondo, una escena de ordeño visible dentro de la mejilla de la vaca. La imágenes es tanto lógica como completamente inesperada.

En 1914 volvió a Rusia para casarse con Bella Rosenfeld, su novia de la infancia, y quedó atrapado por el estallido de la guerra. Permaneció en Rusia a través de la Revolución, fue designado Comisario de Arte en Vitebsk, y fundó una escuela de arte allí — pero fue destituido de la dirección cuando Malevich llegó e convirtió a todos sus estudiantes al suprematismo. Se trasladó a Moscú, donde pintó murales para el Teatro Judío de Estado.

Volvió a París en 1923 e inició el largo período medio de su carrera: desarrollo continuado de su imágenes de Vitebsk, obras a gran escala, encargos de libros ilustrados, reconocimiento sostenido.

Bella murió de una infección viral en 1944 mientras vivían en exilio de guerra en Nueva York. La pérdida lo devastó; no pintó durante nueve meses. Eventualmente conoció a Valentina Brodsky, con quien se casó en 1952, pero la presencia de Bella — como una figura flotante, una novia, una memoria — nunca dejó su trabajo.

Sus principales encargos públicos incluyen los vitrales de la Catedral de Reims, el techo de la Ópera de París (1964), las ventanas del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, y un conjunto de doce vitrales que representan las doce tribus de Israel en el Centro Médico Hadassah en Jerusalén.

Cinco cuadros famosos

Yo y el pueblo 1911

La declaración juvenil más completa de Chagall: un gran lienzo — 192 por 151 centímetros — ensamblando el vocabulario visual de su infancia en Vitebsk dentro de una estructura compositiva cubista. Un hombre de cara verde y una vaca blanca se enfrentan a lo largo de una diagonal; dentro de la mejilla de la vaca, se ve una pequeña escena de ordeño. Casas invertidas, una mujer en el aire, un hombre con una guadaña componen el fondo. El pueblo está en todas partes y en ninguna parte simultáneamente, la forma en que vive en la memoria. El cuadro fue hecho en París en 1911, un año después de su llegada, la primera vez que estaba lo suficientemente lejos de casa para comenzar a transformarla en mito. Está en el Museo de Arte Moderno en Nueva York.

París por la ventana 1913

Una figura, mitad humana y mitad gato, se sienta en un marco de ventana con la Torre Eiffel visible detrás y debajo. El cielo sobre París está invertido — el lado iluminado por el sol debajo de la línea del horizonte, el oscuro encima. Una pareja flota cabeza abajo en el cielo inferior. Un paracaidista desciende. Un tren corre en el alféizar de la ventana. Chagall pintaba París con la misma compresión onírica que luego aplicaría a Vitebsk: dos mundos en una ventana, Rusia y Francia, memoria y presente, la lógica visual del sentimiento en lugar de la óptica. El cuadro está en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York.

El violinista verde 1923

Un violinista de cara verde se pone de pie en un techo sobre un pequeño pueblo ruso, el arco levantado, tocando hacia el cielo. Debajo de él, pequeñas figuras van sobre su día; encima de él, otra figura camina en el techo. El violinista es tanto el personaje central de la mitología visual de Chagall — el músico como figura de transmisión sagrada, portador de la memoria popular — como una referencia directa a su propia infancia en Vitebsk, donde el violinista tocaba en cada celebración y en cada plaza. El específico verde de la cara es una de las opciones de color más deliberadas de Chagall. El cuadro está en el Museo Solomon R. Guggenheim.

Crucifixión blanca 1938

Pintado en el año de la Noche de los Cristales, esta es la obra mayor más directamente política de Chagall. Cristo en la cruz lleva un chal de oración judío como un taparrabos; alrededor de él, escenas de la destrucción de la vida judía en Europa — una sinagoga ardiendo, refugiados huyendo, un pueblo ardiendo, una Torá volcada. Una menorá arde a los pies de la cruz. Las figuras huyendo en las esquinas son de varios tiempos — algunas antiguas, algunas contemporáneas. Cristo como un mártir judío; la crucifixión como una imágenes del sufrimiento judío continuo. El cuadro fue mostrado en 1938 y causó discusión sobre la conveniencia de representar a Cristo como judío. Está en el Instituto de Arte de Chicago.

Sobre la ciudad 1918

Chagall y Bella levitan sobre Vitebsk, sus manos apenas tocándose, sus cuerpos horizontales en el aire sobre los techos y calles del pueblo abajo. El cuadro fue hecho durante el período de tumulto revolucionario en Rusia, pero su sujeto es enteramente personal: la sensación del amor como ingravidez, la manera en que estar con alguien que amas quita la gravedad ordinaria de las cosas. El pueblo abajo se renderiza con precisión — las casas de madera, las calles, una cabra en un patio — y los amantes encima de él son igualmente precisos. El amor y un lugar específico, mantenidos simultáneamente, el uno haciendo posible al otro. Está en la Galería Tretyakov en Moscú.