Amedeo Modigliani

Estilo y técnica

Modigliani hizo durante casi toda su carrera un solo tipo de pintura: la figura humana, generalmente en solitario, en formato de retrato de tres cuartos o de desnudo reclinado, con un rostro que parece derivar de la escultura no europea y un cuerpo que ha sido estirado suavemente más allá de la exactitud anatómica hasta acercarse a algo que está más próximo a la verdad emocional.

Los rostros son su marca personal. La nariz es alargada, a menudo girada ligeramente hacia un lado; los ojos tienen forma de almendra y con frecuencia están pintados con uno o ambos iris en blanco — sin pupila, sin reflejo, sin ventana al alma en el sentido convencional. El cuello es demasiado largo; los hombros se inclinan. Las figuras habitan sus lienzos con una calidad particular de presencia física que es a la vez íntima y remota. Están cerca y están en otro lugar.

El alargamiento no es distorsión por sí misma, sino una estrategia formal: al apartarse de la proporción anatómica de manera coherente y sistemática, Modigliani creó rostros y cuerpos que poseen peso emocional sin especificidad narrativa. Uno sabe que esos rostros son personas reales — han sido observadas, han posado, han sido registradas — pero han sido transformadas a un registro que está a medio camino entre el retrato y el icono.

Sus fuentes directas fueron la escultura africana y oceánica, que conoció en el Trocadero de París y que confirmó su intuición de que la forma no naturalista podía transmitir una mayor autoridad espiritual y emocional que la pintura académica de figuras en la que se había formado. También recibió una influencia profunda de la simplificación de las formas de Cézanne y de los pintores sieneses de los siglos XIII y XIV, cuyas figuras alargadas había visto de joven en las iglesias de la Italia central.

Cuatro señas de identidad: el rostro oval alargado con ojos en forma de almendra y nariz larga, el ojo ciego o vuelto hacia adentro que rechaza la pretensión convencional del retrato de revelar el carácter, campos de color cálidos y terrosos detrás de la figura que aplastan la profundidad espacial, y una elegancia constante del contorno que confiere incluso a la pose más casual la calidad de una obra cuidadosamente diseñada.

Vida y legado

Modigliani nació el 12 de julio de 1884 en Livorno, ciudad portuaria de la Toscana, cuarto hijo de una familia judía italiana que atravesaba dificultades económicas en el momento de su nacimiento. Creció leyendo a Dante, Nietzsche y los poetas simbolistas italianos, asimilando un ambiente cultural que valoraba la intensidad, la belleza y la seriedad artística como compromisos casi religiosos.

Su salud era frágil desde niño — sufrió de pleuritis a los catorce años, lo que dejó una debilidad persistente en sus pulmones, y la tuberculosis le fue diagnosticada ya en la veintena. Estudió pintura en Livorno, Florencia y Venecia, donde se enfrentó a la gran tradición de la pintura figurativa italiana y comenzó a comprender aquello de lo que pasaría su carrera apartándose.

Llegó a París en 1906, se instaló en Montparnasse y vivió allí catorce años en condiciones que oscilaron entre la precariedad y la desesperación. Hizo amigos con rapidez — Picasso, Soutine, Rivera, Max Jacob — y se movió por la vanguardia parisina con una combinación de encanto, belleza y volatilidad que se hizo legendaria. Bebía, consumía drogas, regalaba sus dibujos a cambio de comidas, era pródigo cuando tenía dinero y digno cuando no lo tenía.

Sus años como escultor, aproximadamente de 1909 a 1914, produjeron una serie de cabezas en piedra que se cuentan entre las obras más originales del siglo, pero el esfuerzo de tallar piedra agotó unos pulmones ya comprometidos por la tuberculosis, y acabó regresando a la pintura. Los retratos y desnudos que siguieron — el grueso de la obra sobre la que se sustenta su reputación — fueron producidos en un periodo comprimido de unos seis años, desde 1914 hasta su muerte.

Su marchante fue Paul Guillaume; luego el joven marchante polaco Léopold Zborowski, que lo tomó a su cargo en 1917 y organizó la exposición en la galería Berthe Weill cuyos desnudos provocaron tal escándalo que la policía la clausuró la noche inaugural: la primera vez, señaló Modigliani con satisfacción, que la policía cerraba una exposición de pintura.

En 1917 conoció a Jeanne Hébuterne, una joven estudiante de arte que se convirtió en su compañera y en la madre de su hija. Tenía diecinueve años cuando se conocieron; tenía veintiuno cuando, la mañana siguiente a la muerte de él, se arrojó desde un quinto piso.

Su reputación póstuma avanzó con rapidez. En pocos años su obra era coleccionada y celebrada en todo el mundo.

Cinco cuadros famosos

Paul Guillaume, Novo Pilota 1915

Óleo sobre cartón, 105 × 75 cm, Musée de l'Orangerie, París. El joven marchante Paul Guillaume — que tenía veintitrés años cuando se pintó este cuadro — fue el primer valedor serio de Modigliani: compraba su obra, pagaba el alquiler y le prestaba el espacio de estudio donde Modigliani pintó entre 1914 y 1916. La inscripción arañada en la pintura húmeda en la parte superior izquierda dice PAUL GUILLAUME NOVO PILOTA — «Paul Guillaume, el nuevo piloto» — una declaración pública de que este marchante guiaría la nueva Escuela de París. El retratado aparece en la pose formal de tres cuartos del retrato renacentista, pero Modigliani ha alargado el rostro hasta convertirlo en la máscara de ojos almendrados que había estado tallando en piedra el año anterior. El color se restringe al ocre, el negro y el óxido — casi la paleta de un escultor trasladada a la pintura.

Retrato de Jeanne Hébuterne 1919

Uno de los últimos y más hermosos de los numerosos retratos que pintó de su compañera Jeanne Hébuterne en los últimos años de su vida. Aparece en tres cuartos, con el cabello oscuro recogido con sencillez, el largo cuello y la cabeza inclinada portando el característico alargamiento de Modigliani. El fondo es un ocre cálido; la figura viste con sobriedad. El rostro tiene los ojos en blanco que lo caracterizan — los dos iris sin pintar — confiriendo al retrato una cualidad de absorción interior completamente distinta de la mirada hacia el espectador que espera el retrato convencional. La pintó decenas de veces; este se cuenta entre los más serenos.

Retrato de Jean Cocteau 1916

Óleo sobre lienzo, 100 × 81 cm, Henry and Rose Pearlman Foundation (en préstamo al Princeton University Art Museum). Pintado en otoño de 1916 en el estudio que Modigliani compartía entonces con el marchante Léopold Zborowski. Cocteau, que tenía veintiséis años, acababa de publicar Le Potomak; en breve estrenaría Parade con Picasso, Satie y Diáguilev. Cocteau escribió más tarde que el retrato «no se parece a mí, pero se parece a Modigliani — lo cual es mejor». La corbata estrecha, el cuello blanco alto, el pañuelo informal en el bolsillo del pecho: un joven dandi de la vanguardia. Modigliani ha estirado la cabeza hasta convertirla en un óvalo largo y la ha inclinado sobre la columna del cuello — la geometría de máscara africana que había asimilado de Brâncuși trasladada sobre un intelectual parisino. El color se reduce al azul intenso, el rojo oscuro y el cálido tono piel.

Retrato de Chaim Soutine 1916

Óleo sobre lienzo, 100 × 65 cm, Colección Stavros Niarchos. Uno de varios retratos que Modigliani hizo de su amigo más cercano en París — el pintor lituano Chaim Soutine, que vivió por temporadas en el estudio de Modigliani y compartió su pobreza y sus adicciones. Los dos eran inseparables en Montparnasse: Soutine era torpe, desaliñado, fluido solo en yídish y en un francés deficiente, y Modigliani era quien lo llevaba a las galerías y corregía sus modales en la mesa. El retrato fija a Soutine de frente, el ancho rostro llenando el lienzo, los ojos doblados por la máscara sin pupila característica de Modigliani pero claramente individuales — párpados pesados, labios gruesos, la hosca inteligencia que llevaba Soutine. La inscripción firmada SOUTINE en la parte superior izquierda nombra al retratado con la franqueza de una etiqueta. Tras la muerte de Modigliani en 1920, Soutine conservó este lienzo consigo durante el resto de su vida.

Retrato de Léopold Zborowski 1916

Un retrato de su marchante y amigo, que lo tomó a su cargo en sus momentos más difíciles y le mantuvo fiel hasta el final. Zborowski aparece en tres cuartos, vestido con un traje oscuro, con las manos visibles. El rostro es el Modigliani característico — largo, ligeramente anguloso, con un ojo algo más alto que el otro — pero hay en este retrato una calidez que lo distingue de sus encargos más formales. El fondo es un marrón cálido liso. El cuadro es uno de los varios que hizo de Zborowski y su círculo — retratos domésticos que transmiten la sensación de personas cómodas al ser vistas.