Marc Chagall

Style et technique

Le monde visuel de Chagall obéit à ses propres lois de la physique. Les gens flottent au-dessus des toits. Un violoniste au visage vert joue sur un immeuble. Une chèvre s'assoit au salon. Un couple d'amants s'élève au-dessus d'un petit village russe. Ce ne sont pas des violations surréalistes de la réalité, mais des images de vérité émotionnelle : l'amour se ressent comme une lévitation ; la mémoire a la compression d'un rêve ; le sacré s'interpénètre avec le quotidien sans préavis.

Il absorba tout ce que Paris avait à offrir — la fragmentation cubiste, la couleur fauve, les leçons formelles de Cézanne — mais n'utilisa rien exactement comme prévu. Le cubisme pour lui n'était pas un outil pour analyser la forme, mais une façon de compresser plusieurs mémoires et temps en une seule image. Les couches de ses tableaux montrent souvent Vitebsk, son enfance, sa première femme Bella, sa communauté juive, et Paris simultanément, de la façon dont un rêve les montre.

Sa couleur est chaude, joyeuse et profondément personnelle. Il avait ses propres bleus — le bleu profond spécifique d'un ciel nocturne au-dessus d'une petite ville juive en Biélorussie — et ses propres rouges et verts qui portent des charges émotionnelles précises que son travail a enseigné aux spectateurs à reconnaître. Les couleurs ne sont pas symboliques de manière fixe ; ce sont des états d'âme.

Quatre empreintes : la figure flottante, libre de la gravité, la compression de plusieurs temps et lieux dans une seule scène, la palette chaude et profondément saturée avec ce bleu Chagall spécifique, et la distribution récurrente de figures — amants, musiciens, animaux, objets religieux — qui rend son travail immédiatement reconnaissable au cours d'une carrière de près de quatre-vingts ans.

Vie et héritage

Chagall est né Moishe Shagal le 7 juillet 1887 à Vitebsk, dans ce qui est maintenant la Biélorussie, l'aîné de neuf enfants d'une pauvre famille juive hassidique. Son père transportait des barils de hareng pour un marchand de poisson ; sa mère dirigeait une petite épicerie. Le shtetl — la petite ville juive avec son mélange particulier de pauvreté, de vie religieuse et de communauté vibrante — était le monde de son enfance et la source visuelle inépuisable de toute sa carrière.

Il a étudié l'art à Vitebsk, puis à Saint-Pétersbourg, où les juifs avaient besoin de permis spéciaux pour vivre. Il s'est rendu à Paris en 1910 grâce à une bourse d'un mécène, et est arrivé pour trouver le cubisme, le fauvisme et l'avant-garde parisienne à son plus énergique. Il s'installa à la Ruche, une résidence circulaire pour artistes à Montparnasse, où Léger, Archipenko, Modigliani et des dizaines d'autres travaillaient.

« Moi et le village » (1911) a été sa percée parisienne : le vocabulaire cubiste absorbé et transformé en quelque chose d'inconfondiblement personnel — deux visages en profil (un homme et une vache) se regardent à travers le canevas, avec de minuscules figures inversées à l'arrière-plan, une scène de traite visible dans la joue de la vache. L'image est à la fois logique et complètement inattendue.

Il revint en Russie en 1914 pour marier Bella Rosenfeld, sa fiancée d'enfance, et reste bloqué par le déclenchement de la guerre. Il est resté en Russie à travers la Révolution, a été nommé Commissaire de l'Art à Vitebsk et a fondé une école d'art là — mais a été destitué de son poste quand Malevich arriva et convertit tous ses étudiants au Suprématisme. Il s'installa à Moscou, où il peignit des peintures murales pour le Théâtre d'État juif.

Il retourna à Paris en 1923 et commença la longue période intermédiaire de sa carrière : développement continu de son imagerie de Vitebsk, œuvres à grande échelle, commandes de livres illustrés, reconnaissance soutenue.

Bella décéda d'une infection virale en 1944 alors qu'ils vivaient en exil de guerre à New York. La perte le dévasta ; il n'a pas peint pendant neuf mois. Il rencontra finalement Valentina Brodsky, qu'il épousa en 1952, mais la présence de Bella — comme une figure flottante, une mariée, une mémoire — ne quitta jamais son travail.

Ses principales commandes publiques incluent les vitraux de la Cathédrale de Reims, le plafond de l'Opéra de Paris (1964), les fenêtres pour le bâtiment des Nations unies à New York, et un ensemble de douze vitraux représentant les douze tribus d'Israël au Centre médical Hadassah à Jérusalem.

Cinq tableaux célèbres

Moi et le village 1911

La plus complète déclaration de la jeunesse de Chagall : un grand canevas — 192 par 151 centimètres — assemblant le vocabulaire visuel de son enfance de Vitebsk dans une structure compositionnelle cubiste. Un homme au visage vert et une vache blanche se font face en diagonale ; dans la joue de la vache, une petite scène de traite est visible. Des maisons à l'envers, une femme suspendue, un homme à la faux composent l'arrière-plan. Le village est partout et nulle part simultanément, de la manière dont il vit dans la mémoire. Le tableau a été peint à Paris en 1911, un an après son arrivée, la première fois qu'il était suffisamment loin de chez lui pour commencer à le transformer en mythe. Il se trouve au Musée d'art moderne de New York.

Paris par la fenêtre 1913

Une figure, moitié humaine et moitié chat, s'assoit dans le cadre d'une fenêtre avec la Tour Eiffel visible derrière et en dessous. Le ciel au-dessus de Paris est inversé — le côté éclairé par le soleil sous la ligne d'horizon, l'obscurité au-dessus. Un couple flotte à l'envers dans le ciel inférieur. Un parachutiste descend. Un train s'écoule sur le rebord de la fenêtre. Chagall peignait Paris avec la même compression onirique qu'il appliquait plus tard à Vitebsk : deux mondes dans une fenêtre, la Russie et la France, la mémoire et le présent, la logique visuelle du sentiment plutôt que l'optique. Le tableau est au Musée Solomon R. Guggenheim de New York.

Le violoniste vert 1923

Un violoniste au visage vert se tient sur un toit au-dessus d'un petit village russe, l'archet levé, jouant vers le ciel. Sous lui, de petites figures vaquent à leurs occupations ; au-dessus de lui, une autre figure marche sur le toit. Le violoniste est à la fois le personnage central de la mythologie visuelle de Chagall — le musicien comme figure de transmission sacrée, porteur de la mémoire populaire — et une référence directe à sa propre enfance à Vitebsk, où le violoniste jouait à chaque célébration et sur chaque place. Le vert spécifique du visage est l'un des choix de couleur les plus délibérés de Chagall. Le tableau est au Musée Solomon R. Guggenheim.

Crucifixion blanche 1938

Peint l'année de la Nuit de cristal, ceci est l'œuvre majeure la plus directement politique de Chagall. Le Christ sur la croix porte un châle de prière juif en tant que pagne ; autour de lui, des scènes de la destruction de la vie juive en Europe — une synagogue brûlant, des réfugiés fuyant, un village brûlant, une Torah renversée. Une menorah brûle aux pieds de la croix. Les figures fuyant aux coins sont de diverses périodes — certaines anciennes, certaines contemporaines. Le Christ comme martyr juif ; la crucifixion comme image de la souffrance juive continue. Le tableau a été montré en 1938 et a provoqué une discussion sur la pertinence de représenter le Christ comme un juif. Il est à l'Institut d'art de Chicago.

Au-dessus de la ville 1918

Chagall et Bella lévitent au-dessus de Vitebsk, leurs mains se touchant à peine, leurs corps horizontaux dans l'air au-dessus des toits et des rues de la ville ci-dessous. Le tableau a été peint pendant la période des bouleversements révolutionnaires en Russie, mais son sujet est entièrement personnel : la sensation de l'amour comme l'apesanteur, la façon dont être avec quelqu'un qu'on aime enlève la gravité ordinaire des choses. La ville ci-dessous est précisément rendue — les maisons de bois, les rues, une chèvre dans une cour — et les amants au-dessus sont tout aussi précis. L'amour et un lieu spécifique, tenus ensemble, l'un rendant l'autre possible. Il est à la Galerie Tretyakov à Moscou.