Wassily Kandinsky

Style et technique

Kandinsky affirmait avoir inventé la peinture abstraite par un incident précis : revenant à son studio un soir en 1908, il a vu une toile appuyée contre le mur et a été submergé par sa beauté — ses formes et ses couleurs — avant de la reconnaître comme l'une de ses propres peintures de paysage. L'absence accidentelle de sujet avait révélé le pur pouvoir de la couleur et de la forme. Il a passé la décennie suivante à en explorer les implications.

Son cadre théorique — articulé dans « Du spirituel dans l'art » (1911) et « Point et ligne sur plan » (1926) — soutient que la couleur, la forme et leurs relations avaient des effets psychologiques et spirituels directs indépendants de tout sujet représenté. Le jaune était agressif ; le bleu était passif et spirituel ; le rouge était confiant. Les lignes verticales étaient froides ; les horizontales étaient chaudes ; les diagonales étaient dynamiques. Ce n'étaient pas des métaphores mais des propriétés — la couleur et la forme comme un langage physique direct qui contournait l'intellect et agissait sur l'âme.

Il avait la synesthésie : il expérimentait la couleur et le son comme des sensations corrélées, et il décrivait la peinture en termes musicaux. Ses grandes séries — « Impressions », « Improvisations », « Compositions » — nommées d'après des formes musicales. « Composition VII » (1913), sa toile préwar la plus ambitieuse, a été peinte après un mois d'études préparatoires qui en ont compté des douzaines.

Quatre empreintes : la ligne courbe et gestuelle du travail initial qui suggère le paysage et la forme organique même dans l'abstraction, l'activité chromatique dense dans laquelle les couleurs interagissent, s'opposent et se résolvent à travers la surface de la toile, un vocabulaire géométrique Bauhaus dans le travail ultérieur — cercles, triangles, grilles — et l'analogie musicale comme principe organisateur.

Vie et héritage

Kandinsky est né le 16 décembre 1866 à Moscou, fils d'un marchand de thé. Il a étudié le droit et l'économie à l'Université de Moscou, obtenant son diplôme en 1892 avec de bonnes perspectives académiques. Il s'intéressait déjà à la musique — il jouait du violoncelle et du piano — et à l'art, mais sa carrière professionnelle était établie.

Tout a changé en 1895, quand il a assisté à une exposition d'impressionnisme français à Moscou et a vu un tableau de meule de foin de Monet. Il n'a pas reconnu immédiatement le sujet et a été frappé par la puissance de sa couleur et de sa forme. Cette expérience — combinée à une représentation de « Lohengrin » de Wagner qui l'a ému par ses qualités semblables au son coloré — l'a décisivement orienté vers l'art. En 1896, à trente ans, il a refusé une chaire de droit à l'Université de Tartu et s'est installé à Munich pour étudier la peinture.

Munich était un bon choix. Il a étudié sous Franz von Stuck, a rencontré le mouvement Art Nouveau et a formé le groupe d'exposition « Phalanx » en 1901. Il a voyagé largement — en Afrique du Nord, en Hollande et à maintes reprises à Paris — et a absorbé le Fauvisme et les idées de couleur de Matisse et Delaunay. Sa compagne à partir de 1903 était la peintre Gabriele Münter, avec laquelle il vivait à Murnau, Bavière, peignant la ville et le paysage bavarois environnant.

Les années à Murnau (1908–1914) sont les années de transition. Les paysages deviennent progressivement plus abstraits ; la couleur de plus en plus non-descriptive ; la ligne de plus en plus détachée de sa fonction représentationnelle. En 1911, il a cofondé le groupe « Blaue Reiter » (Cavalier Bleu) avec Franz Marc, a produit la première édition de l'almanach et a publié « Du spirituel dans l'art ». La même année, il a réalisé ce qu'il a parfois appelé la première aquarelle entièrement abstraite.

La Première Guerre mondiale l'a renvoyé en Russie, où il est resté jusqu'en 1921, enseignant dans les nouvelles écoles d'art d'État et rencontrant les Constructivistes russes, dont la rigueur géométrique a influencé son travail ultérieur.

Il a émigré à Paris en 1933 et a passé sa dernière décennie à Neuilly-sur-Seine, peignant des travaux de plus en plus biomorphes et décoratives qui combinaient son vocabulaire géométrique avec l'influence organique de Miró et les Surréalistes. Il est mort le 13 décembre 1944, à l'âge de soixante-dix-sept ans.

Cinq tableaux célèbres

Composition VII 1913

La plus grande et la plus ambitieuse de ses toiles préwar — 200 par 300 centimètres — et l'apogée de sa transition de la représentation à l'abstraction pure. Il a réalisé trente études préparatoires au cours d'un mois. La toile est couverte d'une masse turbulente de couleur : rouges, bleus, jaunes, oranges et noirs qui tourbillonnent et se heurtent à travers la surface. Aucune forme unique ne domine ; il n'y a pas de point de repos. La peinture était destinée à être un équivalent visuel de l'Apocalypse — non pas la destruction du monde mais sa transformation. Elle pend à la Galerie Tretyakov à Moscou.

Improvisation 19 1911

L'une de la série « Improvisation » — des peintures réalisées rapidement, à partir d'émotion directe, sans préparation étendue. Des figures bleues à cheval se déplacent à travers un paysage qui se dissout en couleur pure et ligne. Les éléments représentationnels — les cavaliers, l'horizon — sont toujours faiblement présents mais plus nécessaires ; la peinture fonctionne comme une activité de couleur pure. C'est le moment de transition : Kandinsky ne veut pas encore abandonner complètement la figure, mais la figure devient un prétexte plutôt qu'un sujet. La peinture se trouve à la Städtische Galerie im Lenbachhaus à Munich, qui contient la plus grande collection de son travail initial.

Composition IV 1911

Une grande toile de l'année de sa transition vers l'abstraction. La composition est toujours lisible comme paysage : une montagne, des cavaliers, un arc-en-ciel — des éléments empruntés à l'imagerie folklorique russe et à la peinture votive bavaroise qui le entouraient à Murnau. Mais la couleur s'est séparée des formes ; le bleu de la montagne n'est pas descriptif mais émotionnel ; le jaune du ciel est agressif et actif. Les deux lignes noires au centre — il les a appelées « l'axe tranquille, immobile et froid » de la composition — montrent sa compréhension émergente de la ligne comme force. Il se trouve à la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf.

Plusieurs Cercles 1926

Une œuvre de la période Bauhaus, montrant la clarté géométrique de son style des années 1920. Un grand champ bleu profond contient de nombreux cercles de tailles, couleurs et transparences différentes — se chevauchant, se stratifiant, créant de nouvelles couleurs où ils s'intersectent. Les cercles flottent sans gravité, sans logique spatiale, sans récit. C'est le vocabulaire purement formel du travail théorique de Kandinsky rendu visible : le cercle comme la forme la plus parfaite, ses relations de couleur comme expérience spirituelle directe. Il considérait cette toile comme l'une de ses meilleures œuvres. Elle pend au Musée Solomon R. Guggenheim à New York.

Premier Aquarelle Abstraite 1910

Kandinsky a parfois appelé ce travail la première œuvre entièrement abstraite qu'il a réalisée — bien que la date du 1910, inscrite sur le papier, ait été contestée par les historiens de l'art qui pensent qu'il a été réalisé et antidaté en 1913. Indépendamment de sa date précise, il représente une affirmation clé : une aquarelle de formes de couleur improvisées sans aucune référence représentationnelle. Des gouttes et des lignes de couleur — bleu, jaune, rouge, noir — se diffusent à travers une surface blanche. Il n'y a pas de figures, pas de paysage, pas d'objet. Si la date du 1910 est acceptée, c'est la première œuvre abstraite de l'histoire de la peinture occidentale. Il se trouve au Musée National d'Art Moderne à Paris.