Joan Miró

Style et technique

Le style mûr de Miró est immédiatement reconnaissable et entièrement le sien : des formes audacieuses, organiques, biomorphes — des gouttes, des croissants, des filaments, des spirales — en noir, blanc, rouge, jaune et bleu, flottant dans des champs de couleur qui suggèrent l'espace sans le décrire. Les étoiles apparaissent constamment : parfois un simple astérisque, parfois une forme radiante complexe. Les oiseaux sont partout. La figure humaine, réduite à une sténographie symbolique — deux cercles pour des yeux, une ligne pour un corps, des tentacules rayonnants pour des membres — récidive au cours des décennies.

Ce langage n'était pas une simplification de la réalité observée mais un nouvel alphabet construit à partir du rêve, de la sensation et de l'art populaire catalan. Miró l'a construit dans les années 1920 par une destruction délibérée et systématique de la représentation picturale conventionnelle. Il a été influencé par le programme surréaliste d'accès à l'inconscient, mais sa méthode était moins l'écriture automatique de Breton et plus une régression volontaire à un état de pensée visuelle non médiatisée.

Sa couleur est primaire au sens le plus littéral : les trois primaires — rouge, jaune, bleu — plus noir et blanc, utilisés en grandes zones plates et non modulées. Il a été influencé par la couleur de Matisse mais a poussé plus loin, éliminant la complexité décorative des motifs de Matisse en faveur de champs de couleur pure.

Quatre empreintes digitales : le contour noir contenant des champs plats de couleur primaire, les formes biomorphes qui suggèrent l'œil, l'aile, le membre ou l'étoile sans s'y engager complètement, un bleu spécifique qui traverse toute sa carrière comme la couleur du ciel, de la mer et de l'espace imaginaire, et une qualité de joie — c'est l'un des corps de travail les moins anxieux du art du vingtième siècle.

Vie et héritage

Miró naquit le 20 avril 1893 à Barcelone, fils d'un orfèvre et d'un horloger. Il grandit à Barcelone et à la ferme de ses grands-parents à Montroig del Camp, dans l'intérieur rural de la Catalogne — un paysage qui resterait un point de référence visuel pour le reste de sa vie.

Il étudia à l'Escola de Belles Arts de la Llotja à Barcelone puis au Cercle Artístic de Sant Lluc, absorbant le Fauvisme et le Cubisme par des reproductions et le monde artistique vibrant de Barcelone des années 1910. Ses premiers tableaux — la ferme à Montroig, quelques portraits — ont un détail comprimé et intensif qui doit quelque chose à Cézanne et à l'art roman catalan.

Il s'installa à Paris pour la première fois en 1920 et rencontra immédiatement le cercle surréaliste : Breton, Éluard, Ernst, Picabia. Il a montré au Salon d'Automne mais ne vendit rien. Il travailla en alternant les mois entre Paris et Montroig, les deux pôles de sa vie pour la décennie suivante.

La percée vint entre 1923 et 1925. Pendant une période de pauvreté soutenue et de concentration semi-hallucinatoire — il passait parfois des jours avec peu de nourriture et travaillait dans des pièces froides — il a commencé à produire des œuvres qui ne ressemblaient à rien d'avant. « Le Champ labouré » (1924), « Le Carnaval d'Arlequin » (1925), « La Naissance du monde » (1925) : un nouveau langage visuel, assemblé à partir du rêve, de la mémoire d'enfance et du vocabulaire visuel de la décoration populaire catalane.

Breton l'inclut dans la première exposition surréaliste en 1925, bien que Miró fût toujours un membre quelque peu indépendant du groupe. Il passa les années 1920 et 1930 dans une succession rapide de projets : la série « Intérieurs hollandais » (1928, tableaux d'après des reproductions de Maîtres Anciens transformées dans son propre vocabulaire), le travail théâtral à grande échelle avec les Ballets Russes, les expériences en collage.

Il passa la guerre en Normandie, puis à Palma, puis à Barcelone. La série « Constellations », réalisée entre 1940 et 1941 dans le petit village normand de Varengeville, sont parmi les œuvres les plus soigneusement organisées et émotionnellement comprimées de sa carrière — des champs denses de signes et de symboles réalisés sous la pression immédiate de l'invasion allemande.

Après la guerre, il revint à Barcelone et Majorque, travaillant dans des formats de plus en plus grands. Il produisit des murales pour l'UNESCO à Paris (1958), la Fondation Gaudí à Barcelone et la Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence, où un bâtiment entier a été conçu autour de son travail. Il mourut le 25 décembre 1983 à Palma, Majorque, à l'âge de quatre-vingt-dix ans.

Cinq tableaux célèbres

Le Carnaval d'Arlequin 1925

Le premier chef-d'œuvre mûr de Miró, peint tandis qu'il passait des jours sans nourriture et expérimentait ce qu'il décrivait comme des hallucinations visuelles produites par la faim. Un intérieur dense et festif rempli de minuscules créatures, de symboles et de formes biomorphes — une échelle, une guitare, un poisson, un chat, des yeux flottants et des spirales — tous assemblés dans un espace plat et peu profond sans perspective conventionnelle. Tout est en mouvement ; rien n'est au repos. Le tableau invente le langage visuel que Miró utiliserait pour le reste de sa carrière. Il le décrivait comme « des transcriptions exactes d'une hallucination ». Il est à la Galerie d'art Albright-Knox à Buffalo.

Chien aboyant à la lune 1926

Simplicité extrême : un fond sombre divisé horizontalement en une moitié inférieure marron et une moitié supérieure noire, avec un croissant de lune en haut à droite. Un maigre chien noir se tient en bas à gauche, une patte levée, sa tête inclinée dans la direction de la lune. Entre eux, une échelle jaune monte du sol vers la lune mais ne l'atteint pas. L'image est une fable populaire, un fragment de rêve et un exercice formel simultanément : un tableau avec deux couleurs et trois éléments peut-il porter le poids complet de son sujet ? La réponse de Miró est indubitablement oui. Le tableau est au Philadelphia Museum of Art.

Femme et oiseau dans la nuit 1945

Une œuvre tardive, peinte après la guerre dans la période chaude post-Constellations. Une grande forme de femme biomorphe domine le côté gauche, son corps composé du vocabulaire organique des signes de Miró. Un oiseau — une forme d'étoile avec un long cou — occupe la droite. Le fond est un bleu foncé chaud : la nuit. Les formes sont plus grandes et plus établies que dans le Carnaval dense ; chaque élément respire. C'est le thème récurrent de Miró — femme, oiseau, étoiles, nuit — dans sa forme la plus spacieuse. Le tableau est caractéristique du travail de grand format qui suivit la guerre, quand il avait plus de toile et plus de confiance dans son langage de signes.

Chiffres et constellations amoureux d'une femme 1941

L'une de la série « Constellations », réalisée à Varengeville en 1940–41 tandis que les armées allemandes avançaient à travers la France. Un champ dense de petits signes, symboles et formes biomorphes connectés par des lignes fines couvre la surface entière de l'image — pas de centre, pas de hiérarchie, chaque élément également présent. Étoiles, yeux, formes circulaires, escaliers, croissants, spirales. L'effet est d'un champ visuel observé à travers un microscope ou d'un ciel nocturne cartographié comme matière vivante. La série a été réalisée à la gouache sur papier, et il y a vingt-trois œuvres. Celle-ci est à l'Art Institute de Chicago.

La Ferme 1922

Une œuvre de transition, peinte avant que son langage surréaliste mûr ne soit développé, montrant la ferme à Montroig en détail descriptif minutieux. Chaque élément du jardin de la ferme — le mur de pierre, l'arrosoir, la poule, le chien, l'arbre — est rendu avec une attention précise et légèrement comprimée qui doit quelque chose au Douanier Rousseau et quelque chose à l'art décoratif catalan. Le poète et romancier américain Ernest Hemingway l'a vu à Paris en 1925 et l'a acheté pour 5 000 $ — à l'époque une somme considérable. Il l'a gardé pour le reste de sa vie et a dit que cela lui rappelait tout ce qu'il aimait en Espagne. Il est maintenant à la Galerie Nationale d'Art à Washington D.C.