Joan Miró

Stile e tecnica

Lo stile maturo di Miró è subito riconoscibile e interamente suo: forme organiche, biomorfe, audaci — gocce, crescenti, filamenti, spirali — in nero, bianco, rosso, giallo e blu, fluttuanti in campi di colore che suggeriscono lo spazio senza descriverlo. Le stelle appaiono costantemente: talvolta un semplice asterisco, talvolta una forma radiante complessa. Gli uccelli sono ovunque. La figura umana, ridotta a stenografia simbolica — due cerchi per gli occhi, una linea per il corpo, tentacoli radianti per le membra — ricorre lungo i decenni.

Questo linguaggio non era una semplificazione della realtà osservata ma un nuovo alfabeto costruito dal sogno, dalla sensazione e dall'arte popolare catalana. Miró lo ha costruito negli anni Venti attraverso una distruzione deliberata e sistematica della rappresentazione pittorica convenzionale. Era influenzato dal programma surrealista di accesso all'inconscio, ma il suo metodo era meno la scrittura automatica di Breton e più una regressione consapevole a uno stato di pensiero visivo non mediato.

Il suo colore è primario nel senso più letterale: i tre primari — rosso, giallo, blu — più nero e bianco, usati in grandi aree piatte e non modulate. Era influenzato dal colore di Matisse ma spinse più lontano, eliminando la complessità decorativa dei modelli di Matisse a favore di campi di puro colore.

Quattro impronte digitali: il contorno nero che contiene campi di colore primario piatti, forme biomorfe che suggeriscono occhio, ala, arto o stella senza impegnarsi completamente su nulla di essi, uno specifico blu che attraversa l'intera carriera come il colore del cielo, del mare e dello spazio immaginario, e una qualità di gioia — il suo è tra i corpi di lavoro meno ansiosi dell'arte del ventesimo secolo.

Vita ed eredità

Miró nacque il 20 aprile 1893 a Barcellona, figlio di un orafo e orologiaio. Crebbe a Barcellona e nella fattoria dei nonni a Montroig del Camp, nell'interno rurale della Catalogna — un paesaggio che avrebbe costituito un punto di riferimento visivo per il resto della sua vita.

Studiò all'Escola de Belles Arts de la Llotja di Barcellona e poi al Cercle Artístic de Sant Lluc, assorbendo il Fauvismo e il Cubismo attraverso riproduzioni e il vivace mondo dell'arte barcellonese del 1910. I suoi primi quadri — la fattoria a Montroig, alcuni ritratti — hanno un dettaglio intenso e compresso che deve qualcosa a Cézanne e all'arte romanica catalana.

Si trasferì a Parigi per la prima volta nel 1920 e incontrò immediatamente il circolo surrealista: Breton, Éluard, Ernst, Picabia. Espose al Salon d'Automne ma non vendette nulla. Lavorò alternando mesi tra Parigi e Montroig, i due poli della sua vita per il decennio successivo.

La svolta avvenne tra il 1923 e il 1925. In un periodo di povertà sostenuta e concentrazione semi-allucinatoria — talvolta passava giorni con poco cibo e lavorava in stanze fredde — iniziò a produrre opere che non assomigliavano a nulla di ciò che aveva fatto prima. «Il campo arato» (1924), «Il carnevale di Arlecchino» (1925), «La nascita del mondo» (1925): un nuovo linguaggio visivo, assembrato dal sogno, dal ricordo d'infanzia e dal vocabolario visivo della decorazione popolare catalana.

Breton lo incluse nella prima mostra surrealista nel 1925, anche se Miró era sempre un membro piuttosto indipendente del gruppo. Passò gli anni Venti e Trenta in una rapida successione di progetti: la serie «Interior olandese» (1928, dipinti dopo riproduzioni di maestri antichi trasformati nel suo vocabolario), l'opera teatrale su larga scala con i Balletti Russi, esperimenti in collage.

Passò la guerra in Normandia, poi a Palma, poi a Barcellona. La serie «Costellazioni», realizzata tra il 1940 e il 1941 nella piccola cittadina normanna di Varengeville, sono tra le opere più organizzate e emotivamente compresse della sua carriera — campi densi di segni e simboli realizzati sotto la pressione immediata dell'invasione tedesca.

Dopo la guerra tornò a Barcellona e Maiorca, lavorando in formati sempre più grandi. Realizzò murales per l'UNESCO a Parigi (1958), la Fondazione Gaudí a Barcellona e la Fondazione Maeght a Saint-Paul-de-Vence, dove un intero edificio fu progettato attorno al suo lavoro. Morì il 25 dicembre 1983 a Palma, Maiorca, a novanta anni.

Cinque dipinti famosi

Il carnevale di Arlecchino 1925

Il primo capolavoro maturo di Miró, dipinto mentre passava giorni senza cibo e sperimentava quella che lui stesso descriveva come allucinazioni visive prodotte dalla fame. Interno denso e festoso pieno di minuscole creature, simboli e forme biomorfe — una scala, una chitarra, un pesce, un gatto, occhi fluttuanti e spirali — tutto assemblato in uno spazio piatto e poco profondo senza prospettiva convenzionale. Tutto è in movimento; nulla è a riposo. Il quadro inventa il linguaggio visivo che Miró avrebbe usato per il resto della sua carriera. Lo descrisse come «trascrizioni esatte di un'allucinazione». È alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Cane che abbaia alla luna 1926

Semplicità estrema: un fondo scuro diviso orizzontalmente in una metà inferiore marrone e una superiore nera, con una mezzaluna nell'angolo superiore destro. Un cane nero minuto si erge all'angolo inferiore sinistro, una zampa alzata, la testa inclinata nella direzione della luna. Tra loro, una scala gialla si alza dal suolo verso la luna ma non la raggiunge. L'immagine è una fiaba popolare, un frammento di sogno e un esercizio formale simultaneamente: un dipinto con due colori e tre elementi può portare il peso completo del suo soggetto? La risposta di Miró è dimostrabilmente sì. Il quadro è al Philadelphia Museum of Art.

Donna e uccello nella notte 1945

Un'opera tarda, dipinta dopo la guerra nel caldo periodo post-Costellazioni. Una forma di donna biomorfa di grandi dimensioni domina il lato sinistro, il suo corpo fatto dal vocabolario organico dei segni di Miró. Un uccello — una forma a stella con un lungo collo — occupa la destra. Lo sfondo è un blu scuro caldo: la notte. Le forme sono più grandi e più stabili del denso Carnevale; ogni elemento respira. Questo è il tema ricorrente di Miró — donna, uccello, stelle, notte — nella sua forma più spaziosa. Il quadro è caratteristico del lavoro in grande formato che seguì la guerra, quando aveva più tela e più sicurezza nel suo linguaggio di segni.

Cifre e costellazioni innamorate di una donna 1941

Una della serie «Costellazioni», realizzata a Varengeville nel 1940-41 mentre gli eserciti tedeschi avanzavano attraverso la Francia. Un campo denso di piccoli segni, simboli e forme biomorfe collegati da linee sottili copre l'intera superficie dell'immagine — nessun centro, nessuna gerarchia, ogni elemento egualmente presente. Stelle, occhi, forme circolari, scale, crescenti, spirali. L'effetto è di un campo visivo osservato al microscopio o di un cielo notturno mappato come materia vivente. La serie è stata realizzata a gouache su carta, e ci sono ventitré opere. Questa è all'Art Institute di Chicago.

La fattoria 1922

Un'opera di transizione, dipinta prima che il suo linguaggio surrealista maturo fosse sviluppato, che mostra la fattoria a Montroig in dettagliato dettaglio descrittivo. Ogni elemento del cortile della fattoria — il muro di pietra, l'innaffiatoio, la gallina, il cane, l'albero — è reso con un'attenzione precisa e leggermente compressa che deve qualcosa al Doganiere Rousseau e all'arte decorativa catalana. Il poeta e romanziere americano Ernest Hemingway lo vide a Parigi nel 1925 e lo comprò per 5.000 dollari — all'epoca una somma significativa. Lo tenne per il resto della sua vita e disse che gli ricordava tutto ciò che amava della Spagna. Ora è alla National Gallery of Art di Washington D.C.