Arte contemporanea

Q: Cosa si intende per «Arte Contemporanea»?

L'Arte Contemporanea si riferisce generalmente all'arte realizzata dal 1970 circa fino al presente, sebbene il confine esatto vari a seconda del contesto. Si differenzia dall'«arte moderna» (tipicamente dagli anni 1860 agli anni 1970) in quanto non rivendica uno stile o un movimento coerente — è definita dal suo momento piuttosto che dal suo approccio visivo. Su questo sito, riunisce i pittori attualmente in attività o che hanno lavorato di recente e che non si inseriscono ordinatamente nei movimenti precedenti.

Q: Perché Banksy è considerato un artista serio?

Il lavoro di Banksy pone domande genuine sullo spazio pubblico, il mercato dell'arte, la produzione di immagini politiche e l'autorità istituzionale che lo collocano pienamente all'interno della tradizione dell'arte concettuale e politica — il Situazionismo, la critica istituzionale, la Pop Art. Che le sue risposte siano abbastanza originali da giustificare la sua posizione di mercato è dibattuto, ma le domande sono reali. La sua autodistruzione di *Girl with Balloon* (2018) è stata tra le azioni artistiche concettualmente più precise del decennio. Il fatto che abbia reso l'opera più preziosa piuttosto che meno è di per sé un argomento sul sistema che afferma di criticare.

Nessuno stile unico — mille conversazioni vive su ciò che la pittura può ancora fare.

Nel 2015 Kara Walker installò in un'ex fabbrica di Brooklyn una scultura della dimensione di una stanza fatta di zucchero bianco raffinato — una gigantesca figura simile a una sfinge stillante melassa, circondata da figurine di ragazzo-zucchero, che confrontava la storia americana attraverso una forma simultaneamente bella e nauseante. Non era del tutto pittura. Ma Walker è ugualmente famosa per le sue sagome di carta nera di grande formato montate direttamente sulle pareti della galleria, la cui iconografia attinge al Sud antebellum, e quelle sagome esistono nello stesso spazio concettuale dei suoi dipinti: immagine, superficie, sguardo, storia, il corpo. L'Arte Contemporanea su questo sito raccoglie i pittori che lavorano oggi — dalle astrazioni su base fotografica di Gerhard Richter agli interventi stencil di Banksy per le strade, dai campi ottici di Bridget Riley alle opere di Ana Mendieta documentate in fotografia — e la sfida non è definire uno stile ma identificare ciò che questo momento straordinariamente diversificato condivide. La risposta, forse, è una consapevolezza acuita di che cosa significhi fare un'immagine.

Origine e storia

Se l'Arte Contemporanea ha un momento fondativo, potrebbe essere collocato a metà degli anni Sessanta, quando la narrativa modernista ereditata — la marcia in avanti dall'Impressionismo al Cubismo fino all'astrazione — si spezzò visibilmente. La Pop Art aveva esposto l'arbitrarietà del confine tra cultura alta e commerciale. Il Minimalismo aveva dichiarato che la pittura poteva essere un oggetto fisico senza essere una rappresentazione. L'Arte Concettuale sosteneva che l'idea da sola, senza alcun oggetto materiale, fosse sufficiente per l'arte. Da quella dissoluzione del consenso emerse la situazione contemporanea.

Gli anni Settanta e Ottanta intensificarono la frammentazione. L'arte femminista (Judy Chicago, Miriam Schapiro, Ana Mendieta) sfidò la politica di genere della storia dell'arte e la definizione di media validi. La politica dell'identità entrò nella pittura come soggetto esplicito — Kerry James Marshall avviò il suo progetto di una vita di inserire la figurazione nera nel canone della storia della pittura occidentale con piena autorità tecnica. La critica postcoloniale arrivò con Yinka Shonibare, Kara Walker e altri che interrogavano la tradizione artistica occidentale da posizioni che essa aveva storicamente ignorato.

Negli anni Novanta, il sistema globale delle fiere d'arte e delle biennali — Art Basel, Venezia, Frieze — aveva creato un mercato internazionale e un circuito espositivo che accelerava la pluralità stilistica piuttosto che risolverla. Pittori da Lagos, Shanghai, San Paolo e Seul entrarono in una conversazione che in precedenza era stata condotta quasi esclusivamente a New York, Parigi e Londra. Il risultato è il momento genuinamente polifonico che abitiamo ora: nessun movimento dominante, nessuna direzione concordata, e una gamma senza precedenti di voci che producono lavori di seria ambizione.

Ciò che unisce la pittura contemporanea, nella misura in cui qualcosa la unisce, è la consapevolezza condivisa che la pittura porta la storia sulle spalle. Ogni segno sulla tela avviene ora nell'ombra di tutto ciò che è stato fatto prima — e i pittori contemporanei lo sanno. Quella conoscenza può produrre ansia, ironia, aggressività, o un ritorno deliberato a piaceri apparentemente ingenui. Tutte queste sono strategie per vivere all'interno di una forma d'arte che è stata dichiarata morta più volte e continua a rifiutarsi di giacere.

Concetto e filosofia

L'Arte Contemporanea non è uno stile. È una condizione: la condizione di fare arte oggi, con piena conoscenza di ciò che l'arte è stata. Questo crea un insieme di preoccupazioni condivise che attraversano approcci visivi radicalmente diversi.

La prima è la consapevolezza di sé riguardo allo statuto dell'immagine. Un dipinto fotografico di Gerhard Richter non si limita a raffigurare una fotografia; riflette su ciò che la pittura fa alla fotografia e ciò che la fotografia fa alla pittura. Uno stencil di Banksy non è semplicemente un'immagine politica; è una meditazione su dove appartiene l'arte, su chi possiede lo spazio pubblico e su cosa accade quando il mercato dell'arte cattura un gesto che era stato progettato per sfuggirgli. L'Arte Contemporanea ha reso questo livello meta quasi inevitabile.

La seconda è una comprensione ampliata di quali storie la pittura può raccontare. Il canone della storia dell'arte occidentale — da Giotto a de Kooning — escludeva sistematicamente la maggior parte delle persone del mondo come soggetti e come autori. La pittura contemporanea ha rinegoziato quell'esclusione per mezzo secolo: la serie *Mastry* di Marshall colloca figure nere nel linguaggio compositivo della pittura dei Vecchi Maestri; le sagome di Kara Walker forzano l'iconografia della schiavitù nel linguaggio estetizzato della decorazione vittoriana dei salotti. Questo non è semplicemente diversità come politica, ma argomento pittorico come critica storica.

La terza è un abbraccio della pluralità tecnica. I pittori contemporanei lavorano abitualmente con fotografia, video, strumenti digitali, oggetti trovati e fabbricazione industriale accanto ai media tradizionali. La tecnica dello *squeegee* di Richter produce superfici che si leggono come immagini stampate; le superfici a olio su tela di Cecily Brown portano l'intera tradizione della pittura gestuale confrontandosi esplicitamente con l'iconografia erotica dei Vecchi Maestri. La domanda non riguarda i materiali usati, ma ciò che l'opera sa di sé stessa.

Come riconoscerlo

L'Arte Contemporanea resiste deliberatamente a un'unica impronta visiva. Queste sei tendenze ricorrono in un'ampia gamma di pittura attuale — considerarle come spunti per guardare piuttosto che criteri diagnostici definitivi.

Pluralità di approcci — Nessuno stile domina: fotorealismo, astrazione, figurazione, derivazioni dalla street art e pittura di processo digitale coesistono nelle stesse biennali e nelle stesse sale d'asta. Se un'opera si rifiuta tenacemente di rientrare in qualsiasi categoria precedente ed è stata realizzata dopo il 1975 circa, quasi certamente appartiene qui.
Superficie trans-mediale — La fotografia e i processi digitali lasciano tracce visibili — colori ad alta risoluzione, una piattezza che si legge diversamente dalla piattezza pittorica, sfocature che rimandano alla fotocamera piuttosto che al pennello. I *Photo Paintings* di Richter e le sue astrazioni con *squeegee* portano entrambe la traccia dell'immagine fotografica anche quando non viene letteralmente usata alcuna fotografia.
Contenuto concettuale o politico in primo piano — La domanda «di cosa tratta questo?» è sollecitata immediatamente piuttosto che differita. Il testo, la critica istituzionale, l'identità e il ragionamento storico funzionano come elementi pittorici piuttosto che come didascalie. Non si è invitati a guardare prima di leggere; guardare e leggere accadono simultaneamente.
La scala come dichiarazione istituzionale — Opere molto grandi — che occupano intere pareti di gallerie, trasformano interi spazi — avanzano un argomento sulla presenza e l'autorità. I pittori contemporanei hanno imparato dall'Espressionismo Astratto e dal Minimalismo che la scala non è semplicemente dimensione, ma una rivendicazione sul corpo dello spettatore. Un Marshall largo quattro metri rivendica il diritto alla parete del museo che il suo soggetto si è storicamente visto negare.
Citazione deliberata della storia dell'arte — La pittura contemporanea è piena di composizioni prese in prestito, stili citati, generi parodiati. L'appropriazione non è furto ma argomento: Cindy Sherman si fotografa nelle pose dei ritratti dei Vecchi Maestri; Neo Rauch dipinge nello stile del Realismo Socialista inserendovi immagini surreali. Le virgolette sono visibili e intenzionali.
Chiarezza della street art e audacia grafica — Il lavoro derivato dalle tradizioni dei graffiti, degli stencil e del muralismo — Banksy, Kaws, Shepard Fairey — conserva la logica visiva delle proprie origini: bordi netti, colore piatto, leggibilità immediata a distanza. In un contesto di galleria questa leggibilità si legge come provocazione: arte che non chiede di lavorare per vederla.

Aneddoti e curiosità

Gerhard Richter distrusse diversi mesi di lavoro nel 1976 raschiando e spalmando un gruppo quasi completo di grandi dipinti astratti. Sviluppava la tecnica dello *squeegee* dai primi anni Settanta — tirando una spatola da imbianchino su pittura fresca per produrre veli e macchie che oscillavano tra immagine e astrazione — e la distruzione faceva parte del suo processo di lavoro piuttosto che essere un incidente. Richter documenta il suo lavoro distrutto nel suo *Atlas*, l'enorme raccolta di fotografie, schizzi e ritagli di giornale che mantiene dal 1962, e che è essa stessa ora considerata un'opera importante.

**La *Girl with Balloon* di Banksy si autodistrusse pochi istanti dopo essere stata venduta per 1,04 milioni di sterline da Sotheby's London nell'ottobre 2018.** Un tritadocumenti nascosto nella base della cornice si attivò nel momento in cui il martelletto scese, distruggendo parzialmente la tela. Sotheby's confermò di non aver avuto alcuna conoscenza preventiva. L'opera distrutta — e ribattezzata *Love Is in the Bin* — fu venduta nuovamente nel 2021 per 18,6 milioni di sterline, rendendo la stessa autodistruzione un'opera e un record di mercato. Banksy pubblicò una fotografia dell'evento con la didascalia: «Going, going, gone.»

Kerry James Marshall trascorse anni sentendosi dire che i suoi dipinti di figure nere erano troppo scuri — letteralmente. All'inizio della sua carriera, curatori di museo e collezionisti faticavano a leggere le figure nei suoi dipinti, perché Marshall rende la pelle nera alla sua piena profondità tonale, rifiutando l'illuminazione che la pittura figurativa tradizionale applicava ai soggetti non bianchi per renderli leggibili sulla tela. Marshall si rifiutò di modificare la sua tavolozza. La sua retrospettiva del 2016–17 *Mastry*, al Museum of Contemporary Art di Chicago, al Met Breuer e al Museum of Contemporary Art di Los Angeles, chiuse la discussione: i dipinti sono tra le opere figurative tecnicamente più riuscite e storicamente più importanti degli ultimi cinquant'anni.

**Ana Mendieta realizzò la sua serie *Silueta* tra il 1973 e il 1980 premendo il proprio corpo nella terra e fotografando le tracce.** Lavorando in Iowa e poi in Messico e a Cuba, incise la sua sagoma nel fango, nell'erba, nella sabbia e nella pietra; tracciò il suo profilo con la polvere da sparo e il fuoco; riempì la depressione con fiori e acqua. Le fotografie risultanti — mai pitture nel senso tradizionale, ma dello stesso territorio ontologico della pittura — documentano il rapporto del corpo con il paesaggio con un'urgenza che nessuna pratica in studio avrebbe potuto produrre. Morì nel 1985 in circostanze legalmente ancora irrisolte.

Eredità e influenza

L'eredità dell'Arte Contemporanea è, per definizione, ancora in corso di scrittura — molti dei suoi praticanti più importanti sono vivi e al lavoro. Ma alcune linee di influenza sono già sufficientemente chiare da essere nominate.

La più conseguente è la globalizzazione del mondo dell'arte stesso. Il circuito delle biennali e delle fiere d'arte ha ridistribuito la geografia dell'arte: la pittura basata a Lagos, l'astrazione di Pechino, il Neo-Concretismo brasiliano e l'arte contemporanea indiana circolano ora attraverso lo stesso mercato internazionale che un tempo esisteva quasi esclusivamente per il lavoro dell'Europa occidentale e del Nord America. Le installazioni di bottiglie di El Anatsui, i dipinti a foto-collage di Njideka Akunyili Crosby, le tele di realismo sociale di Liu Xiaodong — non sono note a piè di pagina di un canone occidentale, ma partecipanti a pieno titolo a una conversazione genuinamente globale.

Una seconda eredità è il ripristino della complessità della pittura. Gli anni Settanta dichiararono la pittura morta — troppo gravata dalla sua storia, troppo complice nel suo mercato, troppo dipendente dal medium in un'epoca che richiedeva dematerializzazione. La pittura contemporanea ha risposto diventando più autoconsapevole piuttosto che meno materiale. Richter, Marshall, Cecily Brown, Neo Rauch, Jenny Saville — nessuno di loro finge che la pittura sia innocente, ma tutti insistono che essa rimanga insostituibile.

Infine, l'Arte Contemporanea ha cambiato permanentemente la domanda di a chi l'arte sia destinata. La street art, le installazioni pubbliche, la diffusione sui social media di opere di immagine — il presupposto che l'arte seria viva in gallerie white-cube per spettatori preparati è stato messo in discussione in modo esaustivo. Se quella sfida sia stata affrontata con successo è ancora una domanda aperta, ed è esattamente lì che verrà prodotto il lavoro più interessante della prossima generazione.

Domande frequenti

Cosa si intende per «Arte Contemporanea»?

L'Arte Contemporanea si riferisce generalmente all'arte realizzata dal 1970 circa fino al presente, sebbene il confine esatto vari a seconda del contesto. Si differenzia dall'«arte moderna» (tipicamente dagli anni 1860 agli anni 1970) in quanto non rivendica uno stile o un movimento coerente — è definita dal suo momento piuttosto che dal suo approccio visivo. Su questo sito, riunisce i pittori attualmente in attività o che hanno lavorato di recente e che non si inseriscono ordinatamente nei movimenti precedenti.

Esiste qualche idea unificante dietro l'Arte Contemporanea?

Piuttosto che uno stile unificato, l'Arte Contemporanea condivide un insieme di condizioni comuni: piena conoscenza della storia dell'arte e un rapporto autoconsapevole con essa; apertura a qualsiasi medium o materiale; impegno con identità, politica e storia culturale come soggetto; e circolazione attraverso un mercato globale e un sistema espositivo che non esistevano prima degli anni Ottanta. Se esiste un unico fattore comune, è l'autoconsapevolezza — la maggior parte del lavoro contemporaneo sa di essere arte e riflette su cosa questo significhi.

Perché Banksy è considerato un artista serio?

Il lavoro di Banksy pone domande genuine sullo spazio pubblico, il mercato dell'arte, la produzione di immagini politiche e l'autorità istituzionale che lo collocano pienamente all'interno della tradizione dell'arte concettuale e politica — il Situazionismo, la critica istituzionale, la Pop Art. Che le sue risposte siano abbastanza originali da giustificare la sua posizione di mercato è dibattuto, ma le domande sono reali. La sua autodistruzione di *Girl with Balloon* (2018) è stata tra le azioni artistiche concettualmente più precise del decennio. Il fatto che abbia reso l'opera più preziosa piuttosto che meno è di per sé un argomento sul sistema che afferma di criticare.

Chi è Kerry James Marshall e perché il suo lavoro è importante?

Kerry James Marshall (nato nel 1955 a Birmingham, Alabama) è tra i pittori figurativi più significativi che lavorino in lingua inglese. Dagli anni Ottanta dipinge scene monumentali della vita nera americana — il tempo libero, la vita domestica, la comunità — nel linguaggio compositivo della pittura occidentale da Vermeer a Manet, con figure rese alla loro piena profondità tonale. Il lavoro rivendica il linguaggio visivo della storia dell'arte per i soggetti che essa ha sistematicamente escluso. La sua retrospettiva del 2016–17 *Mastry* ha reso indiscutibile la sua centralità. Tecnica e argomento si equivalgono, il che è raro.

Cos'è la tecnica dello *squeegee* di Gerhard Richter?

Richter sviluppò la tecnica dai primi anni Settanta: applica grandi quantità di pittura sulla tela e poi tira uno squeegee largo (una lama di gomma come un tergicristallo gigante) sulla superficie bagnata, spalmando e stratificando i colori per produrre veli, passaggi trascinati e combinazioni accidentali che nessun pennello potrebbe ottenere. I risultati sono simultaneamente astratti e fotografici nell'aspetto — si leggono come immagini sfocate o sovraesposte. La tecnica è oggi una delle qualità superficiali più riconoscibili nella pittura contemporanea.