Kara Walker

Stile e tecnica

Il mezzo principale di Walker è la silhouette di carta nera — una forma tradizionalmente associata al ritratto da salotto del XVIII secolo, ai cammei e ai ricordi, con il raffinato e il domestico. Prende questa forma raffinata e la riempie con l'immagine dell'America antebellica meridionale: la schiavitù, la violenza sessuale, la caricatura razziale, le dinamiche grottesche di potere che la silhouette del profilo nero pulito simultaneamente rivela e nasconde.

La silhouette è, tecnicamente, un'ombra: una forma definita dall'assenza piuttosto che dalla presenza, una figura a cui è stato spogliato tutto il dettaglio tranne la sua sagoma. Walker usa questa proprietà con sofisticazione straordinaria. Le sue figure sono silhouette, il che significa che sono sia definite che ambigue: puoi leggere le loro posture, le loro azioni, le loro relazioni — il dominio, la sottomissione, la violenza — senza vedere i loro volti. La tipologia razziale è leggibile solo attraverso la sagoma, il che costringe lo spettatore a essere complice nella lettura: se riesci a identificare chi sono le figure dalla loro silhouette, hai già gli stereotipi in testa.

Le installazioni su larga scala — silhouette tagliate da carta nera e aderenti direttamente ai muri bianchi della galleria, talvolta estese per sessanta o settanta piedi — funzionano come panorami: ti muovi lungo loro leggendo una narrativa che non si risolve, che include orrore e commedia e pathos simultaneamente, che rifiuta qualsiasi singolo frame interpretativo.

Quattro impronte digitali: la silhouette di carta nera su muri bianchi come mezzo primario, l'immagine meridionale antebellica — piantagioni, persone schiavizzate, maestri, violenza — come materia prima, il grottesco come modo formale — figure e azioni che sono simultaneamente comiche e terribili, e grande scala che rende lo spettatore fisicamente circondato dal lavoro piuttosto che affrontarlo.

Vita ed eredità

Walker nacque il 26 novembre 1969 a Stockton, in California, dove suo padre, un pittore, insegnava all'Università del Pacifico. È cresciuta in un ambiente suburbano prevalentemente bianco ad Atlanta, in Georgia, dove la famiglia si trasferì quando aveva tredici anni — una mossa dalla California della West Coast all'America meridionale profonda che ha descritto come l'esperienza formativa centrale della sua vita.

Ha studiato pittura all'Atlanta College of Art e poi alla Rhode Island School of Design, dove ha ricevuto il suo MFA nel 1994. Alla RISD ha realizzato le prime installazioni di silhouette — opere che avevano l'America meridionale antebellica come soggetto — e ha ricevuto una risposta che è stata immediata, intensa e non uniformemente positiva. Alcuni artisti e critici neri affermati hanno trovato la sua immagine irresponsabile, sostenendo che stava reinscrivendo gli stereotipi razziali piuttosto che criticherli.

La controversia non ha fermato la sua carriera ma ne è diventata parte: l'argomento sulla questione se l'arte possa rappresentare in sicurezza l'immagine dell'oppressione razziale senza perpetuarla ha circondato il suo lavoro dall'inizio ed è essa stessa una delle questioni che il suo lavoro affronta. Ha ricevuto una Fellowship MacArthur nel 1997, a ventisette anni — uno dei più giovani destinatari della storia del programma — che ha segnalato la valutazione del mondo dell'arte mainstream della sua importanza.

Le sue opere principali sono diventate centrali nella conversazione contemporanea sulla razza e la storia americana: «Gone: An Historical Romance of a Civil War as It Occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart» (1994), l'installazione di silhouette panoramica che ha stabilito la sua reputazione; «A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby» (2014), una sfinge alta quaranta piedi realizzata in zucchero in un'ex fabbrica di zucchero Domino a Brooklyn che ha attirato una risposta pubblica enorme.

Vive e lavora a New York.

Cinque dipinti famosi

Gone, Un'avventura storica romantica di una guerra civile come si è verificata tra le cosce scure di una giovane schiava e il suo cuore 1994

L'installazione di svolta — una silhouette panoramica quasi di quindici metri installata su muri bianchi della galleria. L'opera raffigura una serie di scene dall'America meridionale antebellica nello stile di un'avventura romantica illustrata del diciannovesimo secolo: persone schiavizzate, schiavisti, violenza, sfruttamento sessuale e momenti di assurdità surreale che complicano qualsiasi singola risposta emotiva. Lo stile di silhouetta rende le figure simultaneamente simili a cartoni animati e gravi; la scala rende la narrativa immersiva piuttosto che osservata. Il titolo invoca ironicamente «Via col vento» posizionando l'opera in diretta conversazione con la mitologia della piantagione meridionale. È al Museum of Modern Art di New York.

Burn 1998

Una stampa della sua serie che lavora in un formato più condensato — una singola scena di figure e fiamme, il burn del titolo sia letterale (fuoco, distruzione) che figurato (il calore dell'umiliazione, il calore della rabbia). I lavori di stampa di Walker portano il vocabolario della silhouette in un formato più piccolo e più intimo che non perde nulla dell'intensità formale. L'immagine del fuoco ricorre in tutto il suo lavoro sia come fatto storico — l'incendio delle piantagioni, l'incendio delle chiese nere — sia come metafora per le energie non contenute che la schiavitù e il suo seguito hanno lasciato nella cultura americana.

Una terra senza abitanti in acque non mappate 2010

Una stampa e installazione su larga scala che esplora la storia del commercio atlantico degli schiavi — l'attraversamento oceanico, il Passaggio medio, la violenza del viaggio. Walker estende il suo soggetto dell'America meridionale antebellica verso il mondo atlantico, posizionando la storia americana all'interno della storia più grande della violenza coloniale e della migrazione forzata. L'acqua del titolo non è mappata sia nel senso geografico — l'attraversamento pericoloso dell'Atlantico — sia nel senso storico: il Passaggio medio come una storia che è stata deliberatamente non mappata, non mappata, non riconosciuta. L'opera è tra le più formalmente complesse e tematicamente ambiziose.

Senza titolo 1996

Una scena caratteristicamente densa e inquietante del periodo metà degli anni Novanta — figure silhouette nel paesaggio antebellica meridionale, le loro relazioni di potere e vulnerabilità leggibili solo attraverso la postura. La qualità grottesca del suo primo lavoro è al suo più acuto qui: le figure sono simultaneamente riconoscibili come esseri umani in situazioni specifiche e come elementi formali in un linguaggio visivo che si avvicina alla caricatura. La tensione tra questi due registri — l'umano e il formale, il tragico e l'assurdo — è centrale in ciò che il suo lavoro richiede al suo spettatore.