Kara Walker

Estilo y técnica

El medio principal de Walker es la silueta de papel negro — una forma tradicionalmente asociada con los retratos de salón del siglo dieciocho, con camafeos y recuerdos, con lo refinado y lo doméstico. Toma esta forma elegante y la llena con la imágenes de la América meridional anterior a la Guerra Civil: esclavitud, violencia sexual, caricatura racial, las dinámicas grotescas de poder que la silueta de perfil negro limpio simultáneamente revela y oculta.

La silueta es, técnicamente, una sombra: una forma definida por la ausencia más que por la presencia, una figura a la que se le ha quitado todo detalle excepto su contorno. Walker usa esta propiedad con sofisticación extraordinaria. Sus figuras son siluetas, lo que significa que son tanto definidas como ambiguas: puedes leer sus posturas, sus acciones, sus relaciones — la dominación, la sumisión, la violencia — sin ver sus caras. La tipología racial es legible solo a través del contorno, lo que obliga al espectador a ser cómplice en la lectura: si puedes identificar quiénes son las figuras por su silueta, ya tienes los estereotipos en tu cabeza.

Las instalaciones a gran escala — siluetas cortadas de papel negro y adheridas directamente a las paredes blancas de la galería, a veces extendiéndose sesenta o setenta pies — funcionan como panoramas: te mueves a lo largo de ellas leyendo una narrativa que no se resuelve, que incluye horror y comedia y patetismo simultáneamente, que rechaza cualquier marco interpretativo único.

Cuatro marcas de identificación: la silueta de papel negro en muros blancos como medio primario, la imágenes meridionales anteriores a la Guerra Civil — plantaciones, personas esclavizadas, amos, violencia — como materia prima, lo grotesco como modo formal — figuras y acciones que son simultáneamente cómicas y terribles, y escala grande que rodea físicamente al espectador con el trabajo en lugar de confrontarlo.

Vida y legado

Walker nació el 26 de noviembre de 1969 en Stockton, California, donde su padre, un pintor, enseñaba en la Universidad del Pacífico. Creció en un ambiente suburbano predominantemente blanco en Atlanta, Georgia, donde la familia se trasladó cuando tenía trece años — una mudanza de la California de la Costa Oeste a la América meridional profunda que ha descrito como la experiencia formativa central de su vida.

Estudió pintura en el Atlanta College of Art y luego en la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde recibió su MFA en 1994. En RISD realizó las primeras instalaciones de silueta — obras que tenían la América meridional anterior a la Guerra Civil como sujeto — y recibió una respuesta que fue inmediata, intensa y no uniformemente positiva. Algunos artistas y críticos negros establecidos encontraron su imágenes irresponsables, argumentando que estaba reinscribiendo estereotipos raciales en lugar de critarlos.

La controversia no detuvo su carrera pero se convirtió en parte de ella: el argumento sobre si el arte puede representar con seguridad la imágenes de la opresión racial sin perpetuarla ha rodeado su trabajo desde el principio y es en sí misma una de las cuestiones que su trabajo aborda. Recibió una Beca MacArthur en 1997, a los veintisiete años — uno de los receptores más jóvenes en la historia del programa — lo que señaló la evaluación del mundo del arte dominante de su importancia.

Sus principales obras se han vuelto centrales en la conversación contemporánea sobre raza e historia americana: «Gone: An Historical Romance of a Civil War as It Occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart» (1994), la instalación de silueta panorámica que estableció su reputación; «A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby» (2014), una esfinge de cuarenta pies de altura hecha de azúcar en una antigua fábrica de azúcar Domino en Brooklyn que atrajo una respuesta pública enorme.

Vive y trabaja en Nueva York.

Cinco cuadros famosos

Gone, Un romance histórico de una Guerra Civil como ocurrió entre los muslos oscuros de una joven mujer negra esclavizada y su corazón 1994

La instalación innovadora — una silueta panorámica de casi quince metros instalada en muros blancos de galería. La obra retrata una serie de escenas de la América meridional anterior a la Guerra Civil en el estilo de una aventura romántica ilustrada del siglo diecinueve: personas esclavizadas, esclavistas, violencia, explotación sexual y momentos de surrealismo absurdo que complican cualquier respuesta emocional única. El estilo de silueta hace que las figuras sean simultáneamente similares a las de caricatura y graves; la escala hace que la narrativa sea inmersiva más que observada. La invocación irónica del título de «Lo que el viento se llevó» coloca la obra en conversación directa con la mitología de la plantación meridional. Está en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Quemar 1998

Una impresión de su serie que trabaja en un formato más condensado — una única escena de figuras y llamas, la quema del título tanto literal (fuego, destrucción) como figurada (la quemadura de la humillación, la quemadura de la rabia). Los trabajos de impresión de Walker llevan el vocabulario de la silueta a un formato más pequeño e íntimo que no pierde nada de la intensidad formal. La imágenes del fuego recurre a lo largo de su trabajo tanto como hecho histórico — la quema de plantaciones, la quema de iglesias negras — como metáfora de las energías contenidas que la esclavitud y su secuela han dejado en la cultura americana.

Una tierra deshabitada en aguas sin cartografía 2010

Una impresión e instalación a gran escala que explora la historia del comercio atlántico de esclavos — el cruce oceánico, el Pasaje Medio, la violencia del viaje. Walker extiende su asunto de la América meridional anterior a la Guerra Civil hacia el mundo atlántico, posicionando la historia americana dentro de la historia más grande de la violencia colonial y la migración forzada. El agua del título no está cartografiada tanto en el sentido geográfico — el peligroso cruce del Atlántico — como en el sentido histórico: el Pasaje Medio como una historia que ha sido deliberadamente no cartografiada, no mapeada, no reconocida. La obra está entre las más complejas formalmente y temáticamente ambiciosas.

Sin título 1996

Una escena característica densa y perturbadora de mediados de los años noventa — figuras silueta en el paisaje anterior a la Guerra Civil meridional, sus relaciones de poder y vulnerabilidad legibles solo a través de la postura. La calidad grotesca de su trabajo temprano está en su más aguda aquí: las figuras son simultáneamente reconocibles como seres humanos en situaciones específicas y como elementos formales en un lenguaje visual que se aproxima a la caricatura. La tensión entre estos dos registros — lo humano y lo formal, lo trágico y lo absurdo — es central en lo que su trabajo requiere de su espectador.