Jean-Michel Basquiat

Estilo y técnica

Los cuadros de Basquiat se construyen por acumulación — capas de pintura, dibujo, texto, tachado, repintado, adición, destrucción. La superficie de un lienzo de Basquiat es un palimpsesto: puedes leer a través de la capa superior a las anteriores, ver las correcciones y revisiones, encontrar los textos parcialmente oscurecidos por la pintura. Esta estratificación no es accidental sino fundamental para el significado de la obra; la historia, en su práctica, siempre es visible bajo el presente.

Las fuentes son múltiples y explícitas: graffiti callejero, diagramas anatómicos, imágenes heráldicas, historia de la música y el deporte negro americano, los logos y signos de la América comercial, el lenguaje de la calle y el lenguaje del museo — colocados lado a lado sin jerarquía. Ponía los nombres de músicos de jazz junto a diagramas de esqueletos, el símbolo de copyright junto a agravios históricos, las coronas de la realeza callejera junto a los catálogos del poder corporativo.

Sus figuras — típicamente masculinas, típicamente negras, típicamente coronadas — tienen la cualidad de santos en una tradición iconográfica que nunca les había sido ofrecida antes. Las coronas son tanto irónicas (tomadas de la tradición del tag callejero, donde una corona señala el dominio) como absolutamente serias: estas son personas a quienes se les ha negado sistemáticamente el reconocimiento y a quienes él insiste en reconocer.

Cuatro distintivos: superficies estratificadas y corregidas con texto tachado, repintado y reescrito, el esqueleto y la anatomía como elementos formales recurrentes, nombres propios — atletas, músicos, figuras históricas — que aparecen como texto dentro de la composición, y la corona como símbolo repetido de auto-nombramiento y autoridad disputada.

Vida y legado

Basquiat nació el 22 de diciembre de 1960 en Brooklyn, Nueva York, de padre haitiano y madre puertorriqueña. Su madre lo introdujo al arte y lo llevó al Brooklyn Museum y al Metropolitan desde la primera infancia. A los nueve años se vio involucrado en un accidente de tráfico y pasó un mes en el hospital; su madre le llevó una copia de «Anatomía de Gray», que se convertiría en una referencia visual permanente.

Fue un adolescente difícil — brevemente sin hogar a los quince años después de huir de casa — y en gran medida autodidacta en arte. En 1978, a los diecisiete años, él y su amigo Al Diaz comenzaron a pintar textos e imágenes crípticas en edificios de Lower Manhattan con la etiqueta SAMO© (Same Old Shit). Los trabajos SAMO — textos aforísticos con un estilo visual distintivo — fueron notados por el mundo del arte del downtown de Nueva York antes de que nadie supiera quién los estaba realizando.

Entró en el mundo del arte desde un punto de vista social antes que profesional. Vendía postales y camisetas en la calle fuera de galerías en SoHo, se encontraba con artistas y críticos en los bares y clubs del downtown, y era reconocido como alguien cuya energía e inteligencia exigían atención. Comenzó a pintar en lienzo y panel en 1980, y en 1981 ya había aparecido en una exposición colectiva y había sido fotografiado para el Village Voice por el crítico René Ricard, cuyo ensayo «The Radiant Child» lo hizo famoso a nivel nacional.

Su ascenso fue meteórico y sin precedentes para un artista negro americano. En 1982, a los veintiún años, exponía en galerías principales de Nueva York, Zúrich y Los Ángeles. En 1983 conoció a Andy Warhol, y los dos se convirtieron en amigos cercanos y colaboradores ocasionales, produciendo una serie de lienzos conjuntos en 1984–1985.

La velocidad del ascenso era también la velocidad de la caída. El mercado del arte lo absorbió rápida y vorazmente; produjo enormes cantidades de trabajo bajo presión de galeristas; comenzó a usar fuertemente heroína. Su mejor amigo Warhol murió en 1987, lo que lo devastó. Murió el 12 de agosto de 1988 en su estudio en SoHo, por una sobredosis de heroína, a los veintisiete años.

En 2017, su «Sin título» de 1982 se vendió por 110,5 millones de dólares en Sotheby's — el precio más alto jamás pagado por un artista americano en ese momento.

Cinco cuadros famosos

Sin título 1982

El cuadro del cráneo que se vendió por 110,5 millones de dólares en 2017 — un cráneo bruto renderizado en un lienzo de aproximadamente 183 por 173 centímetros en pintura densa, la cara apenas presente, el cráneo presionando. El cuadro es típicamente Basquiat en su acumulación: hay varias capas de pintura, texto garabateado parcialmente oscurecido, un campo de rojo profundo, negro y gris que hace flotar el cráneo en un espacio inestable. La obra se realizó en el año de su primera exposición individual importante y representa su estilo maduro en su forma más concentrada — la anatomía que le interesaba desde la infancia, la negrura que siempre le interesó, la corona de autoridad no colocada en ningún lado en este cuadro pero sentida en todas partes.

Dustheads 1982

Dos grandes cabezas — ambas coronadas, ambas intensas, sus bocas abiertas — miran al espectador contra un fondo naranja. Las figuras están pintadas con contorno negro y color interior: verdes, rojos, blancos aplicados en áreas sueltas. La palabra «Dustheads» es tanto la jerga para alguien que está drogado de PCP como un comentario sobre la posición social de las figuras — quienes viven en el polvo, bajo la línea de vista del poder. Las coronas encima de estas cabezas son por lo tanto doblemente cargadas: los coronados que también son los empolvados. El cuadro está en una colección privada y es una de las obras más reproducidas de su corpus de 1982, que fue extraordinariamente productivo.

Hollywood Africans 1983

Tres figuras — él mismo, el rapero Toxic y el pintor Rammelzee — pintadas después de un viaje a Los Ángeles, donde se habían sentido notoria e incómodamente negros en una industria del entretenimiento blanca. El lienzo está cubierto de texto: «caña de azúcar», «tabaco», «HOLLY WOOD AFRICANS», «$200 A DAY», la palabra «TEETH» señalando la boca de una figura. El cuadro trata sobre la mercantilización de la negrura en el entretenimiento americano, la forma en que la cultura afroamericana es consumida sin reconocimiento, el precio pagado por ser visible en un mundo que te valora solo como espectáculo. Se encuentra en el Museo Whitney de Arte Americano.

Charles the First 1982

Un cuadro en tres paneles dedicado a Charlie Parker — el saxofonista de jazz, conocido como «Bird», quien en la obra es nombrado «Thor» y colocado en un campo de texto y símbolo. Los paneles contienen referencias anatómicas, las palabras «MOST YOUNG KINGS GET THEIR HEAD CUT OFF», coronas, símbolos de copyright y el tipo específico de acumulación de referencias culturales que hace que el mejor trabajo de Basquiat sea tan denso y gratificante. Charlie Parker está colocado en la tradición del genio negro que fue destruido por la cultura americana — el joven rey cuya cabeza es cortada. El cuadro se encuentra en el Museo Ludwig de Colonia.

Riding with Death 1988

Realizado en el último año de su vida, este cuadro muestra una figura esquelética montando un caballo esquelético — renderizado en carbón suelto y pintura sobre un lienzo de superficie sin preparar. La ejecución es menos densa que sus trabajos anteriores, las capas son menos numerosas, la superficie más abierta. Si esto representa una nueva dirección, una claridad final, o el adelgazamiento de recursos que precede a la muerte es imposible saberlo. Fue completado en el año en que murió. El jinete esquelético es una de las imágenes más antiguas del arte occidental — la figura de la Muerte a caballo — pero en manos de Basquiat es también específicamente su propia figura: el joven artista negro que sabía, o parecía saber, que no sobreviviría a su juventud.