Keith Haring

Estilo y técnica

El lenguaje visual de Haring está construido a partir de un conjunto de figuras y signos recurrentes que desarrolló a fines de los años setenta y principios de los ochenta y mantuvo con una consistencia notable durante el resto de su carrera. El bebé radiante — un bebé que gatea con líneas de energía irradiando de él — fue el primero y más fundamental; fue seguido por el perro que ladra, el platillo volador, el corazón, la figura humana danzante, la pirámide. Estas unidades se combinan en composiciones siempre variadas que cubren muros, lienzos, lonas y cuerpos.

El estilo es engañosamente simple: contornos negros gruesos, rellenos de color brillante plano (en los trabajos coloreados), sin modelado o sombreado, un sistema de marcas para la energía y el movimiento que se lee inmediatamente a cualquier escala. Evolucionó directamente de la tradición de los grafitis y de los paneles de publicidad del metro donde comenzó su práctica pública — espacios de paneles negros reservados para publicidad pagada que, durante principios de los años ochenta, a menudo se dejaban en blanco durante semanas. En estos espacios en blanco Haring dibujaba con tiza blanca, produciendo cientos de dibujos que eran vistos por todo el público que viajaba en metro antes de que tuviera ninguna presencia en galería.

La energía que irradia de cada figura — las líneas que fluyen hacia afuera de cuerpos y objetos — es tanto un dispositivo formal como un argumento conceptual: insiste en la interconexión de todo, la forma en que la energía fluye entre cuerpos y entre personas, la vitalidad que no puede contenerse dentro del contorno de una sola figura.

Cuatro marcas de identificación: el contorno negro audaz en cada figura, sin modelado interior, las líneas radiantes que emanan de figuras y objetos como una marca característica de energía y vitalidad, rellenos de color primario y secundario brillante en sus trabajos pintados, y un conjunto consistente de figuras recurrentes — bebé, perro, humano danzante, corazón — combinadas y recombinadas en composiciones infinitamente variadas.

Vida y legado

Haring nació el 4 de mayo de 1958 en Reading, Pensilvania, en una familia de clase media; su padre era caricaturista aficionado que dibujaba por diversión y lo introdujo a la caricatura cuando era niño. Estudió arte comercial brevemente en Pittsburgh, luego llegó a Nueva York en 1978 y se inscribió en la Escuela de Artes Visuales.

Nueva York en 1978 era la Nueva York del punk, del hip-hop y de la escena de arte del centro-sur — una ciudad en crisis financiera que sin embargo había producido una concentración extraordinaria de jóvenes artistas, músicos y escritores. Haring se encontró con Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf y la escena más amplia del East Village, y absorbió la actitud de que el arte pertenecía a la calle tanto como al estudio.

Los dibujos del metro, que comenzó en 1980, fueron el fundamento de todo. Trabajaba rápidamente — dibujando una composición compleja de múltiples figuras en tiza blanca sobre un panel publicitario negro vacío en diez a quince minutos, pasando al panel siguiente antes de que un empleado lo viera. Fue arrestado ocasionalmente pero continuó. Los dibujos fueron vistos por miles de personas diariamente; establecieron una presencia pública antes de que ninguna galería supiera quién era.

La representación en galería llegó en 1982, cuando fue incluido en exposiciones en Nueva York e internacionalmente. Su primera exposición individual en la Galería Shafrazi ese mismo año se agotó. Para 1983 era internacionalmente famoso, colaborando con Warhol, trabajando con diseñadores de modas, produciendo murales en muros públicos desde Nueva York a Melbourne.

En 1986 abrió la Pop Shop en Nueva York — una tienda que vende mercancía económica que lleva sus imágenes. La decisión fue controvertida: los críticos de arte establecidos la vieron como una comercialización de su práctica de arte público. Haring la veía como una continuación de su compromiso con la accesibilidad — una forma de hacer que sus imágenes fueran accesibles a las personas que no podían permitirse los precios de la galería.

Fue diagnosticado con SIDA en 1987. Continuó trabajando con plena intensidad, fundando la Fundación Keith Haring en 1989 para apoyar organizaciones de SIDA y programas para niños. Hizo el trabajo sobre el SIDA explícitamente y sin eufemismo, usando su lenguaje visual para abordar la epidemia con la misma directitud que había traído a todo lo demás.

Cinco cuadros famosos

El árbol de los monos 1984

Una lona cubierta con una densa composición de figuras de monos entrelazadas dispuestas alrededor y dentro de una forma de árbol — las figuras en su contorno audaz característico y color plano, líneas de energía irradiando de cada una. El árbol es un ancla compositiva; los monos llenan cada espacio, encima y debajo y dentro de las ramas, en un patrón que se extiende a cada borde de la lona. La obra tiene la calidad de un emblema o un dispositivo heráldico — una composición visual que premia la lectura tanto como la contemplación. Es uno de los trabajos de formato más grande de su período más productivo y es característico de su capacidad de llenar una gran superficie con energía compositiva.

Mural de Berlín 1986

Una sección pintada del Muro de Berlín — el mural de 100 metros de Haring en el lado occidental del muro, usando rojo, amarillo y negro en un patrón entrelazado de figuras humanas. Las figuras forman una cadena que corre la longitud del mural: figuras que se sostienen mutuamente, figuras que fluyen una a través de la otra, figuras en patrones de conexión y separación. El muro como soporte le da al trabajo una carga política obvio — la barrera entre la Alemania del Este y el Oeste como el sujeto y la superficie simultáneamente. Haring describió el mural como un intento «de crear una obra para el Oeste que sería vista desde el Este», un gesto a través de una barrera que esperaba caería.

Detener el SIDA 1989

Uno de sus trabajos de defensa del VIH más directos — un diseño de cartel que muestra una figura humana con la mano levantada en gesto de alto, el cuerpo cubierto de marcas rojas y negras que sugieren tanto energía como infección. La obra fue hecha dos años después de su diagnóstico y fue distribuida como cartel a través de organizaciones de SIDA y clínicas de salud de una manera que deliberadamente evitaba el mercado del arte. La simplicidad de la imágenes — el contorno audaz, el color primario, el signo inmediatamente legible — la hace una obra gráfica en la tradición del arte de cartel político tanto como una obra en la tradición de galería.

Estatua de la Libertad 1986

Un lienzo en el cual la Estatua de la Libertad aparece como una de sus figuras — reducida al contorno grueso característico, la corona reemplazada por sus líneas de energía radiante, la antorcha aún levantada. La obra es tanto una imágenes patriótica como irónica: la figura de la libertad en su lenguaje visual es la misma que cualquier otra figura humana — tiene el mismo contorno, la misma energía, el mismo estado en la composición que cualquier otro cuerpo. La libertad como cuerpo radiante, como figura energética, como parte del mundo interconectado en lugar de como un monumento. El cuadro está en una colección privada.

Laberinto 1989

Una obra tardía del año de la fundación de su Fundación, que muestra un patrón de laberinto — el símbolo antiguo del viaje hacia adentro — poblado con sus figuras características. Las figuras se mueven a través y dentro del laberinto, algunas aparentemente perdidas, algunas aparentemente encontrando su camino. El laberinto es tanto una estructura formal (una composición que llena el lienzo doblándose sobre sí mismo) como una metáfora de la situación de sus últimos años — la navegación de la enfermedad, el reconocimiento público y el deseo de dejar algo permanente. La obra tiene una calidad de reflexión inusual en su lenguaje visual típicamente extrovertido.