Keith Haring

Style et technique

Le langage visuel de Haring est construit à partir d'un ensemble de figures et de signes récurrents qu'il a développés à la fin des années 1970 et au début des années 1980 et maintenus avec une cohérence remarquable pour le reste de sa carrière. Le bébé rayonnant — un nourrisson rampant avec des lignes d'énergie rayonnant de lui — était le premier et le plus fondamental ; il a été suivi par le chien qui aboie, la soucoupe volante, le cœur, la figure humaine dansante, la pyramide. Ces unités sont combinées en compositions toujours variées qui couvrent des murs, des toiles, des bâches et des corps.

Le style est trompeusement simple : contours noirs épais, remplissages de couleur vive plate (dans les œuvres en couleur), aucune modélisation ou ombrage, un système de marques pour l'énergie et le mouvement qui se lit immédiatement à n'importe quelle échelle. Il a évolué directement de la tradition des graffiti et des panneaux publicitaires du métro où il a commencé sa pratique publique — des espaces de panneaux noirs réservés à la publicité payante qui, au début des années 1980, étaient souvent laissés vides pendant des semaines. Dans ces espaces vides, Haring dessinait à la craie blanche, produisant des centaines de dessins qui étaient vus par tout le public voyageant en métro avant qu'il ait aucune présence en galerie.

L'énergie qui rayonne de chaque figure — les lignes s'écoulant vers l'extérieur des corps et des objets — est à la fois un dispositif formel et un argument conceptuel : elle insiste sur l'interconnexion de tout, la façon dont l'énergie circule entre les corps et entre les personnes, la vitalité qui ne peut pas être contenue dans le contour d'une seule figure.

Quatre empreintes : le contour noir audacieux sur chaque figure, sans modélisation intérieure, les lignes rayonnantes qui émanent des figures et objets comme une marque caractéristique d'énergie et de vitalité, des remplissages de couleurs primaires et secondaires vives dans ses œuvres peintes, et un ensemble cohérent de figures récurrentes — bébé, chien, humain dansant, cœur — combinées et recombinées en compositions infiniment variées.

Vie et héritage

Haring est né le 4 mai 1958 à Reading, Pennsylvanie, dans une famille de classe moyenne ; son père était caricaturiste amateur qui dessinait pour le plaisir et l'a initié à la caricature dans l'enfance. Il a brièvement étudié l'art commercial à Pittsburgh, puis est arrivé à New York en 1978 et s'est inscrit à la School of Visual Arts.

New York en 1978 était la New York du punk, du hip-hop et de la scène artistique downtown — une ville en crise financière qui avait néanmoins produit une concentration extraordinaire de jeunes artistes, musiciens et écrivains. Haring a rencontré Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf et la plus large scène de l'East Village, et a absorbé l'attitude que l'art appartenait à la rue autant qu'à l'atelier.

Les dessins de métro, qu'il a commencés en 1980, ont été la fondation de tout. Il travaillait rapidement — dessinant une composition complexe de plusieurs figures à la craie blanche sur un panneau publicitaire noir vide en dix à quinze minutes, passant au panneau suivant avant qu'un employé ne le voie. Il a été occasionnellement arrêté mais a continué. Les dessins ont été vus par des milliers de personnes quotidiennement ; ils ont établi une présence publique avant que n'importe quelle galerie ne sache qui il était.

La représentation en galerie est arrivée en 1982, quand il a été inclus dans des expositions à New York et internationalement. Son premier spectacle solo à la Galerie Shafrazi cette même année s'est vendu rapidement. En 1983, il était internationalement célèbre, collaborant avec Warhol, travaillant avec des stylistes de mode, produisant des murales sur des murs publics de New York à Melbourne.

En 1986, il a ouvert le Pop Shop à New York — un magasin vendant des marchandises abordables portant ses images. La décision était controversée : les critiques d'art établis la voyaient comme une commercialisation de sa pratique d'art public. Haring la voyait comme une continuation de son engagement envers l'accessibilité — une façon de rendre ses images accessibles aux personnes qui ne pouvaient pas se permettre les prix des galeries.

Il a été diagnostiqué avec le SIDA en 1987. Il a continué à travailler à pleine intensité, fondant la Fondation Keith Haring en 1989 pour soutenir les organisations de lutte contre le SIDA et les programmes pour les enfants. Il a fait le travail sur le SIDA explicitement et sans euphémisme, utilisant son langage visuel pour aborder l'épidémie avec la même directesse qu'il avait apportée à tout le reste.

Cinq tableaux célèbres

L'arbre des singes 1984

Une bâche couverte d'une composition dense de figures de singes entrelacées arrangées autour et dans une forme d'arbre — les figures dans son contour audacieux caractéristique et sa couleur plate, les lignes d'énergie rayonnant de chacun. L'arbre est une ancre compositionnelle ; les singes remplissent chaque espace, au-dessus et en-dessous et dans les branches, dans un motif qui s'étend à chaque bord de la bâche. L'œuvre a la qualité d'un emblème ou d'un dispositif héraldique — une composition visuelle qui récompense la lecture autant que le regard. C'est l'une des œuvres de plus grand format de sa période la plus productive et est caractéristique de sa capacité à remplir une grande surface avec l'énergie compositionnelle.

Mural de Berlin 1986

Une section peinte du mur de Berlin — la murale de 100 mètres de Haring sur le côté occidental du mur, utilisant le rouge, le jaune et le noir dans un motif entrelacé de figures humaines. Les figures forment une chaîne qui s'étend sur la longueur de la murale : figures se tenant mutuellement, figures s'écoulant à travers les unes les autres, figures dans des motifs de connexion et de séparation. Le mur comme support donne à l'œuvre une charge politique évidente — la barrière entre l'Allemagne de l'Est et de l'Ouest comme le sujet et la surface simultanément. Haring a décrit la murale comme une tentative « de créer une œuvre pour l'Ouest qui serait vue de l'Est », un geste à travers une barrière qu'il espérait tomberait.

Arrêtez le SIDA 1989

L'une de ses œuvres de plaidoyer VIH les plus directes — un design d'affiche montrant une figure humaine avec la main levée dans le geste d'arrêt, le corps couvert de marques rouges et noires qui suggèrent à la fois l'énergie et l'infection. L'œuvre a été réalisée deux ans après son diagnostic et a été distribuée en tant qu'affiche par des organisations de lutte contre le SIDA et des cliniques de santé d'une manière qui contournait délibérément le marché de l'art. La simplicité de l'image — le contour audacieux, la couleur primaire, le signe immédiatement lisible — en fait une œuvre graphique dans la tradition de l'art d'affiche politique autant qu'une œuvre de la tradition de galerie.

Statue de la Liberté 1986

Une toile dans laquelle la Statue de la Liberté apparaît comme l'une de ses figures — réduite au contour épais caractéristique, la couronne remplacée par ses lignes d'énergie rayonnante, la torche toujours levée. L'œuvre est à la fois une image patriotique et une image ironique : la figure de la liberté dans son langage visuel est la même que n'importe quelle autre figure humaine — elle a le même contour, la même énergie, le même statut dans la composition que n'importe quel autre corps. La liberté comme corps rayonnant, comme figure énergique, comme partie du monde interconnecté plutôt que comme un monument. Le tableau est dans une collection privée.

Labyrinthe 1989

Une œuvre tardive de l'année de la fondation de sa Fondation, montrant un motif de labyrinthe — le symbole ancien du voyage vers l'intérieur — peuplé de ses figures caractéristiques. Les figures se déplacent à travers et au sein du labyrinthe, certaines apparemment perdues, d'autres apparemment trouvant leur chemin. Le labyrinthe est à la fois une structure formelle (une composition qui remplit la toile en se repliant sur elle-même) et une métaphore de la situation de ses dernières années — la navigation de la maladie, de la reconnaissance publique et du désir de laisser quelque chose de permanent. L'œuvre a une qualité de réflexion inhabituelle dans son langage visuel typiquement extraverti.