Jean-Michel Basquiat

Style et technique

Les tableaux de Basquiat sont construits par accumulation — des couches de peinture, de dessin, de texte, de ratures, de reprises, d'ajouts, de destructions. La surface d'une toile de Basquiat est un palimpseste : vous pouvez lire à travers la couche supérieure aux couches précédentes, voir les corrections et révisions, trouver le texte partiellement obscurci par la peinture. Cette stratification n'est pas accidentelle mais fondamentale au sens de l'œuvre ; l'histoire, dans sa pratique, est toujours visible sous le présent.

Les sources sont multiples et explicites : graffiti de rue, diagrammes anatomiques, images héraldiques, histoire de la musique et du sport noir américains, les logos et signes de l'Amérique commerciale, le langage de la rue et le langage du musée — placés côte à côte sans hiérarchie. Il mettait les noms de musiciens de jazz à côté des diagrammes de squelettes, le symbole du droit d'auteur à côté des griefs historiques, les couronnes de la royauté de rue à côté des catalogues du pouvoir corporatif.

Ses figures — typiquement masculines, typiquement noires, typiquement couronnées — ont la qualité de saints dans une tradition iconographique qui ne leur avait jamais été offerte. Les couronnes sont à la fois ironiques (empruntées à la tradition du tag de rue, où une couronne signale la domination) et absolument sérieuses : ce sont des gens à qui la reconnaissance a été systématiquement refusée et qu'il insiste pour reconnaître.

Quatre empreintes digitales : des surfaces stratifiées et corrigées avec du texte barré, repeint et réécrit, le squelette et l'anatomie comme éléments formels récurrents, des noms propres — athlètes, musiciens, figures historiques — apparaissant comme texte au sein de la composition, et la couronne comme symbole répété d'auto-nomination et d'autorité contestée.

Vie et héritage

Basquiat naquit le 22 décembre 1960 à Brooklyn, New York, d'un père haïtien et d'une mère portoricaine. Sa mère le présenta à l'art et l'emmena au Brooklyn Museum et au Metropolitan dès la première enfance. À neuf ans, il fut impliqué dans un accident automobile et passa un mois à l'hôpital ; sa mère lui apporta un exemplaire d'« Anatomia Gray », qui deviendrait une référence visuelle permanente.

C'était un adolescent difficile — brièvement sans domicile à quinze ans après avoir fui la maison — et largement autodidacte en art. En 1978, à dix-sept ans, lui et son ami Al Diaz commencèrent à peindre des textes et images cryptiques sur les bâtiments du bas Manhattan avec la signature SAMO© (Same Old Shit). Les travaux SAMO — des textes aphoristiques avec un style visuel distinctif — furent remarqués par le monde de l'art du centre-ville de New York avant que quiconque sache qui les réalisait.

Il entra dans le monde de l'art socialement avant professionnellement. Il vendait des cartes postales et des t-shirts dans la rue devant les galeries de SoHo, rencontrait des artistes et des critiques dans les bars et clubs du centre-ville, et était reconnu comme quelqu'un dont l'énergie et l'intelligence exigeaient l'attention. Il commença à peindre sur toile et sur panneau en 1980, et en 1981, il avait déjà figure dans une exposition collective et avait été photographié pour le Village Voice par le critique René Ricard, dont l'essai « The Radiant Child » l'a rendu célèbre à l'échelle nationale.

Son ascension fut fulgurante et sans précédent pour un artiste noir américain. En 1982, à vingt et un ans, il exposait dans les meilleures galeries de New York, Zurich et Los Angeles. En 1983, il rencontra Andy Warhol, et les deux devinrent amis proches et collaborateurs occasionnels, produisant une série de toiles communes en 1984–1985.

La vitesse de l'ascension fut aussi la vitesse de la chute. Le marché de l'art l'absorba rapidement et voracement ; il produisit d'énormes quantités de travail sous la pression des galeristes ; il commença à consommer lourdement de l'héroïne. Son meilleur ami Warhol mourut en 1987, ce qui le dévasta. Il mourut le 12 août 1988 dans son atelier à SoHo, d'une surdose d'héroïne, à vingt-sept ans.

En 2017, son « Sans titre » de 1982 fut vendu pour 110,5 millions de dollars chez Sotheby's — le prix le plus élevé jamais payé pour un artiste américain à ce moment.

Cinq tableaux célèbres

Sans titre 1982

Le tableau du crâne qui s'est vendu pour 110,5 millions de dollars en 2017 — un crâne brut rendu sur une toile d'environ 183 par 173 centimètres en peinture épaisse, le visage à peine présent, le crâne traversant. Le tableau est typiquement Basquiat dans son accumulation : il y a plusieurs couches de peinture, du texte griffonné partiellement obscurci, un champ de rouge profond et de noir et de gris qui fait flotter le crâne dans un espace instable. L'œuvre a été réalisée l'année de sa première grande exposition personnelle et représente son style mûr à sa forme la plus concentrée — l'anatomie qui l'intéressait depuis l'enfance, la noirceur qui l'intéressait toujours, la couronne d'autorité placée nulle part dans ce tableau mais sentie partout.

Dustheads 1982

Deux grandes têtes — toutes deux couronnées, toutes deux intenses, leur bouche ouverte — font face au spectateur sur un fond orange. Les figures sont peintes en contour noir avec couleur intérieure : les verts, les rouges, les blancs appliqués dans des zones libres. Le mot « Dustheads » est à la fois l'argot pour quelqu'un qui plane au PCP et un commentaire sur la position sociale des figures — ceux qui vivent dans la poussière, en dessous des lignes de vue du pouvoir. Les couronnes sur ces têtes sont donc doublement chargées : les couronnés qui sont aussi les poussiéreux. Le tableau est dans une collection privée et est l'une des œuvres les plus reproduites de son corpus de 1982, qui était extraordinairement productif.

Hollywood Africans 1983

Trois figures — lui-même, le rappeur Toxic et le peintre Rammelzee — peintes après un voyage à Los Angeles, où ils s'étaient sentis notablement et inconfortablement noirs dans une industrie du divertissement blanche. La toile est couverte de texte : « canne à sucre », « tabac », « HOLLY WOOD AFRICANS », « 200 $ PAR JOUR », le mot « TEETH » pointant la bouche d'une figure. Le tableau est sur la marchandisation de la noirceur dans le divertissement américain, la façon dont la culture afroamericaine est consommée sans reconnaissance, le prix payé pour être visible dans un monde qui vous valorise seulement comme spectacle. Il est au Whitney Museum of American Art.

Charles the First 1982

Un tableau en trois panneaux dédié à Charlie Parker — le saxophoniste de jazz, connu sous le nom de « Bird », qui dans l'œuvre est nommé « Thor » et placé dans un champ de texte et de symboles. Les panneaux contiennent des références anatomiques, les mots « MOST YOUNG KINGS GET THEIR HEAD CUT OFF », des couronnes, des symboles de droit d'auteur et le type spécifique d'accumulation de références culturelles qui rend le meilleur travail de Basquiat si dense et riche. Charlie Parker est placé dans la tradition du génie noir qui a été détruit par la culture américaine — le jeune roi dont la tête est coupée. Le tableau est au Museum Ludwig de Cologne.

Riding with Death 1988

Réalisé la dernière année de sa vie, ce tableau montre une figure squelettique chevauchant un cheval squelettique — rendu au charbon libre et à la peinture sur une toile de surface non préparée. L'exécution est moins dense que ses travaux antérieurs, les couches moins nombreuses, la surface plus ouverte. Que cela représente une nouvelle direction, une clarté finale, ou l'amincissement des ressources qui précède la mort est impossible à savoir. Il a été complété l'année où il est mort. Le cavalier squelettique est l'une des plus anciennes images de l'art occidental — la figure de la Mort à cheval — mais aux mains de Basquiat, c'est aussi spécifiquement sa propre figure : le jeune artiste noir qui savait, ou semblait savoir, qu'il ne survivrait pas à sa jeunesse.