Jean-Michel Basquiat

Stile e tecnica

I dipinti di Basquiat sono costruiti per accumulo — strati di pittura, disegno, cancellature, ridipinture, aggiunte, distruzioni. La superficie di una tela di Basquiat è un palinsesto: si può leggere attraverso lo strato superiore fino a quelli precedenti, vedere le correzioni e le revisioni, trovare i testi che sono stati parzialmente oscurati dalla pittura. Questa stratificazione non è accidentale ma fondamentale al significato dell'opera; la storia, nella sua pratica, è sempre visibile sotto il presente.

Le fonti sono molteplici ed esplicite: graffiti di strada, diagrammi anatomici, immagini araldiche, storia della musica e dello sport nero americano, i loghi e i simboli dell'America commerciale, il linguaggio della strada e il linguaggio del museo — accostati senza gerarchia. Metteva i nomi dei musicisti jazz accanto ai diagrammi di scheletri, il simbolo del copyright accanto alle rivendicazioni storiche, le corone della regalità di strada accanto ai cataloghi del potere aziendale.

Le sue figure — tipicamente maschili, tipicamente nere, tipicamente incoronate — hanno la qualità dei santi in una tradizione iconografica che non era mai stata offerta loro prima. Le corone sono al contempo ironiche (riprese dalla tradizione del tag di strada, dove una corona segnala il dominio) e assolutamente serie: sono persone cui è stato sistematicamente negato il riconoscimento, e lui insiste nel riconoscerle.

Quattro segni distintivi: superfici stratificate e corrette con testi cancellati, ridipinti e riscritti, lo scheletro e l'anatomia come elementi formali ricorrenti, nomi propri — atleti, musicisti, figure storiche — che compaiono come testo all'interno della composizione, e la corona come simbolo ripetuto di auto-nomina e autorità contestata.

Vita ed eredità

Basquiat nacque il 22 dicembre 1960 a Brooklyn, New York, da padre haitiano e madre portoricana. La madre lo avvicinò all'arte e lo portò al Brooklyn Museum e al Metropolitan fin dalla prima infanzia. A nove anni fu coinvolto in un incidente stradale e trascorse un mese in ospedale; sua madre gli portò una copia di «Anatomia del Gray», che sarebbe diventata un riferimento visivo permanente.

Fu un adolescente difficile — brevemente senza fissa dimora a quindici anni dopo essere scappato di casa — e in gran parte autodidatta nell'arte. Nel 1978, a diciassette anni, lui e il suo amico Al Diaz cominciarono a dipingere testi e immagini criptici sugli edifici di Lower Manhattan con il tag SAMO© (Same Old Shit). Le opere SAMO — testi aforistici con uno stile visivo distintivo — furono notate dal mondo dell'arte di downtown New York prima che qualcuno sapesse chi le stava realizzando.

Entrò nel mondo dell'arte da un punto di vista sociale prima che professionale. Vendeva cartoline e magliette per strada davanti alle gallerie di SoHo, incontrava artisti e critici nei club e nei bar del downtown, e veniva riconosciuto come qualcuno la cui energia e intelligenza esigevano attenzione. Cominciò a dipingere su tela e su pannelli nel 1980, e nel 1981 era già apparso in una mostra collettiva ed era stato fotografato per il Village Voice dal critico René Ricard, il cui saggio «The Radiant Child» lo rese famoso a livello nazionale.

La sua ascesa fu fulminante e senza precedenti per un artista nero americano. Nel 1982, a ventun anni, esponeva nelle principali gallerie di New York, Zurigo e Los Angeles. Nel 1983 incontrò Andy Warhol, e i due divennero amici intimi e collaboratori occasionali, producendo una serie di tele in comune nel 1984–1985.

La velocità dell'ascesa fu anche la velocità della caduta. Il mercato dell'arte lo assorbì rapidamente e voracemente; produsse enormi quantità di lavoro sotto la pressione dei galleristi; cominciò a fare pesante uso di eroina. Il suo migliore amico Warhol morì nel 1987, il che lo devastò. Morì il 12 agosto 1988 nel suo studio di SoHo, per un'overdose di eroina, a ventisette anni.

Nel 2017, il suo «Senza titolo» del 1982 fu venduto per 110,5 milioni di dollari da Sotheby's — il prezzo più alto mai pagato per un artista americano all'epoca.

Cinque dipinti famosi

Senza titolo 1982

Il dipinto del teschio venduto per 110,5 milioni di dollari nel 2017 — un teschio grezzo reso su una tela di circa 183 per 173 centimetri in pittura densa, il viso appena accennato, il cranio che affiora. Il dipinto è tipicamente Basquiat nel suo accumulo: ci sono diversi strati di pittura, testo scarabocchiato parzialmente oscurato, un campo di rosso profondo, nero e grigio che fa galleggiare il teschio in uno spazio instabile. L'opera fu realizzata nell'anno della sua prima grande mostra personale e rappresenta il suo stile maturo nella sua forma più concentrata — l'anatomia che lo aveva interessato fin dall'infanzia, la nerezza che lo aveva sempre interessato, la corona dell'autorità non posta da nessuna parte in questo dipinto ma percepibile ovunque.

Dustheads 1982

Due grandi teste — entrambe incoronate, entrambe intense, le bocche aperte — fissano lo spettatore su uno sfondo arancione. Le figure sono dipinte a contorno nero con colore interno: verdi, rossi, bianchi applicati in aree sciolta. La parola «Dustheads» è sia lo slang per chi è fatto di PCP sia un commento sulla posizione sociale delle figure — coloro che vivono nella polvere, sotto il livello visivo del potere. Le corone sulle loro teste sono quindi doppiamente cariche: gli incoronati che sono anche gli impolverat­i. Il dipinto è in una collezione privata ed è una delle opere più riprodotte del suo corpus del 1982, che fu straordinariamente produttivo.

Hollywood Africans 1983

Tre figure — lui stesso, il rapper Toxic e il pittore Rammelzee — dipinte dopo un viaggio a Los Angeles, dove si erano sentiti in modo evidente e scomodo neri in un'industria dell'intrattenimento bianca. La tela è ricoperta di testi: «sugar cane», «tobacco», «HOLLY WOOD AFRICANS», «$200 A DAY», la parola «TEETH» che punta alla bocca di una figura. Il dipinto riguarda la mercificazione della nerezza nell'intrattenimento americano, il modo in cui la cultura afroamericana viene consumata senza riconoscimento, il prezzo pagato per essere visibili in un mondo che ti valuta solo come spettacolo. Si trova al Whitney Museum of American Art.

Charles the First 1982

Un dipinto in tre pannelli dedicato a Charlie Parker — il sassofonista jazz, noto come «Bird», che nell'opera è nominato «Thor» e collocato in un campo di testi e simboli. I pannelli contengono riferimenti anatomici, le parole «MOST YOUNG KINGS GET THEIR HEAD CUT OFF», corone, simboli di copyright e il tipo specifico di accumulo di riferimenti culturali che rende così denso e ricco il lavoro migliore di Basquiat. Charlie Parker è inserito nella tradizione del genio nero distrutto dalla cultura americana — il giovane re cui viene tagliata la testa. Il dipinto si trova al Museum Ludwig di Colonia.

Riding with Death 1988

Realizzato nell'ultimo anno della sua vita, questo dipinto mostra una figura scheletrica che cavalca un cavallo scheletrico — resa in carboncino sciolto e pittura su una tela di superficie non preparata. L'esecuzione è meno densa rispetto ai lavori precedenti, gli strati meno numerosi, la superficie più aperta. Se questo rappresenti una nuova direzione, una chiarezza finale, o l'assottigliarsi delle risorse che precede la morte è impossibile saperlo. Fu completato nell'anno in cui morì. Il cavaliere scheletrico è una delle immagini più antiche dell'arte occidentale — la figura della Morte a cavallo — ma nelle mani di Basquiat è anche specificamente la sua stessa figura: il giovane artista nero che sapeva, o sembrava sapere, che non sarebbe sopravvissuto alla sua giovinezza.