Jean Dubuffet

Stile e tecnica

Dubuffet prese una decisione negli anni Quaranta che era radicale nel contesto dell'arte europea del dopoguerra: decise che l'arte delle persone non formate — i malati di mente, i bambini, i carcerati, gli emarginati — era più viva, più onesta e più potente dell'arte colta delle accademie e delle gallerie. Chiamò questa arte Art Brut (arte grezza), la raccolse sistematicamente e al tempo stesso realizzò dipinti che cercavano di incorporarne l'energia nella sua pratica.

Il risultato è uno stile deliberatamente brutto per gli standard convenzionali: figure graffiate nell'impasto spesso con una spatola, superfici costruite con ghiaia, sabbia e detriti, immagini che sembrano i disegni di qualcuno che non ha mai imparato a disegnare. La rozzezza è studiata — sapeva esattamente quello che faceva — ma la rozzezza studiata non è ironica nel senso della Pop Art. Credeva genuinamente che gli standard convenzionali dell'arte occidentale fossero diventati ostacoli alla percezione, e che il modo per restituire vitalità alla pittura fosse ricominciare da zero.

L'intelligenza formale sotto l'apparente rozzezza è considerevole. Le sue composizioni sono organizzate con cura; il suo uso del colore — specialmente nel ciclo dell'Hourloupe più tardo — è preciso e sistematico; il suo disegno, rozzo come appare, ha una coerenza che lo distingue dall'arte naïf autentica. Ciò che produsse non era pittura naïf ma un argomento sofisticato su ciò che la pittura naïf rivela.

Quattro impronte digitali: superfici spesse e graffiate costruite con sabbia, ghiaia e catrame mescolati alla vernice, forme figurative rozze — figure umane che sembrano disegni a stecchino elaborati da chi non ha mai studiato anatomia, l'accumulo di segni come principio compositivo, e il ciclo dell'Hourloupe della carriera tarda, in cui forme cellulari intrecciate in rosso, blu e bianco ricoprono ogni superficie.

Vita ed eredità

Dubuffet nacque il 31 luglio 1901 a Le Havre, figlio di un commerciante di vini. Studiò arte brevemente a Parigi ma abbandonò dopo pochi mesi ed entrò nell'attività vinicola del padre. Trascorse gli anni Venti e Trenta gestendo il commercio del vino — intervallati da periodi di pittura — senza prendere un impegno pubblico verso l'arte.

Cominciò a dipingere seriamente per l'ultima volta nel 1942, durante l'occupazione tedesca di Parigi, quando aveva quarantuno anni. Il tardo inizio, unito al rifiuto deliberato della tradizione accademica che aveva brevemente assorbito, conferì alla sua opera una qualità di ingenuità volontaria che era centrale nel suo argomento: stava scegliendo di dipingere male — o piuttosto, di dipingere al di fuori degli standard con cui si misurava la pittura «buona».

La sua prima mostra a Parigi nel 1944 suscitò scandalo e attenzione in misura quasi equivalente. I ritratti di quel periodo — volti spalmati e graffiati nella vernice grezza — sembravano insulti ai modelli più che somiglianze. Dubuffet sosteneva che fossero i ritratti più onesti che potesse fare.

Cominciò a raccogliere Art Brut nel 1945, costruendo un archivio di opere di pazienti psichiatrici, carcerati, medium e altri che avevano prodotto arte al di fuori di qualsiasi contesto professionale o istituzionale. La Collection de l'Art Brut, che donò infine alla città di Losanna nel 1971, è oggi una delle più importanti collezioni di arte outsider nel mondo e un documento della seconda passione della sua vita.

Attraverso gli anni Quaranta e Cinquanta sviluppò la tecnica delle Hautes Pâtes — superfici costruite con vernice a olio mescolata a sabbia, catrame, vetro rotto e altri materiali per produrre una texture grezza, geologica — e le Texturologie e Materiologie, in cui la superficie stessa, anziché qualsiasi figura dipinta su di essa, diventava il soggetto.

Il ciclo dell'Hourloupe, iniziato nel 1962 e proseguito per oltre un decennio, fu il progetto unitario più esteso della sua carriera: un linguaggio visivo di forme intrecciate simili a tessere di puzzle, disegnate in biro rossa su bianco, successivamente ampliate a grandi dipinti, sculture e ambienti architettonici. Le forme non hanno alcun referente nel mondo visibile — non sono né figurative né astratto-geometriche — ma si incastrano insieme con l'inevitabilità delle cellule al microscopio.

Cinque dipinti famosi

La vita frenetica 1953

Una grande tela ricoperta da una folla densa di figure — pedoni, edifici, veicoli — tutti resi nel rozzo stile graffiato della sua tecnica matura. La città è mostrata come un accumulo di segni piuttosto che come una rappresentazione: ogni figura è uno scarabocchio, ogni edificio un rettangolo grezzo, il tutto formando una texture visiva di densità urbana. Il dipinto non ha centro né gerarchia dell'attenzione — la folla è il soggetto e la folla si estende in ogni direzione. È uno dei suoi dipinti figurativi più ambiziosi e uno dei più riusciti nel dimostrare che segni individuali rozzi possono accumularsi in immagini sociali complesse.

Circo di Parigi 1961

Una tela dalla transizione tra il periodo delle Hautes Pâtes e l'Hourloupe, che mostra una scena circense in cui figure e oggetti di scena sono resi con pennellate ampie e infantili in colori vivaci — arancione, rosso, blu, giallo — applicati senza modellazione né ombreggiatura. Le figure sono a malapena figurative: sono macchie e linee che suggeriscono corpi umani in movimento. L'energia del circo — il movimento, lo spettacolo, la folla — è trasmessa attraverso la pura densità e l'intensità cromatica dei segni piuttosto che attraverso qualsiasi tecnica illusionistica. Si trova nella collezione della Tate a Londra.

Hourloupe 1967

Un'opera caratteristica del ciclo dell'Hourloupe — le forme cellulari intrecciate che Dubuffet sviluppò dal 1962 in poi. Le forme sono disegnate in contorno rosso e nero e riempite di blu e bianco, creando un disegno di forme intrecciate che si estende su tutta la superficie senza inizio né fine. Le forme suggeriscono figure, architettura, paesaggio — o niente affatto, a seconda di dove si guarda. Il ciclo fu ispirato dagli scarabocchi che faceva mentre parlava al telefono: i segni automatici generati senza intenzione consapevole divennero la base di un'indagine formale decennale. La parola «Hourloupe» fu inventata da Dubuffet — evoca qualcosa di minaccioso e strano.

Suite des visages II 1946

Litografia dalla cartella Les Murs («I muri»), 1946. Cinque volti allineati come prigionieri in fila, ciascuno una maschera nera graffiata dall'inchiostro denso — gli occhi sono fessure, le bocche sono squarci, le teste hanno la forma che un bambino o un graffitaro disegnerebbe su un muro, non le teste nobili della ritrattistica accademica. Dubuffet aveva quarantacinque anni quando realizzò la stampa; si era impegnato pienamente nell'arte solo quattro anni prima, dopo vent'anni di gestione di un'impresa di commercio vinicolo. Les Murs nacque dalla sua fascinazione per i muri graffiati della Parigi occupata durante la guerra, dove graffiti, manifesti strappati e macchie formavano un'arte pubblica anonima che riteneva più viva di ciò che pendeva nei musei. Le maschere qui sono la prima apparizione, nella sua opera grafica, dell'ampia faccia iconica frontale che avrebbe dominato la sua pittura lungo tutti gli anni Cinquanta.

Terra nera 1955

Un'opera della serie delle Texturologie — in cui l'intero soggetto del dipinto è la superficie stessa. La tela è ricoperta da un materiale denso e grezzo — vernice mescolata a sabbia e terra — lavorato in una texture che evoca il suolo o gli strati geologici. Non c'è figura, nessun elemento paesaggistico, nessuna composizione nel senso convenzionale: il dipinto è la texture, da un bordo all'altro. Dubuffet si chiedeva se una superficie uniforme potesse essere un dipinto, anticipando così le preoccupazioni dei Minimalisti di quasi un decennio. L'opera è quanto di più vicino alla terra letterale si possa avvicinare con la vernice su tela.