Jean Dubuffet

Estilo y técnica

Dubuffet tomó una decisión en los años cuarenta que resultó radical en el contexto del arte europeo de posguerra: decidió que el arte de las personas sin formación — los enfermos mentales, los niños, los presos, los marginados — era más vivo, más honesto y más poderoso que el arte culto de las academias y las galerías. Llamó a ese arte Art Brut (arte bruto), lo coleccionó sistemáticamente y al mismo tiempo realizó pinturas que trataban de incorporar su energía a su propia práctica.

El resultado es un estilo deliberadamente feo según los cánones convencionales: figuras rayadas en la pintura espesa con una espátula, superficies construidas con gravilla, arena y escombros, imágenes que parecen los dibujos de alguien que nunca ha aprendido a dibujar. La tosquedad está estudiada — sabía exactamente lo que hacía — pero la tosquedad estudiada no es irónica en el sentido del Pop Art. Creía de verdad que los estándares convencionales del arte occidental se habían convertido en obstáculos para la percepción, y que la manera de devolver vitalidad a la pintura era empezar desde cero.

La inteligencia formal que subyace a la aparente tosquedad es considerable. Sus composiciones están cuidadosamente organizadas; su uso del color — especialmente en el ciclo Hourloupe tardío — es preciso y sistemático; su dibujo, por tosco que parezca, tiene una coherencia que lo distingue del arte naïf auténtico. Lo que produjo no era pintura naïf sino un argumento sofisticado sobre lo que la pintura naïf revela.

Cuatro huellas dactilares: superficies gruesas y rayadas construidas con arena, gravilla y alquitrán mezclados con pintura, formas figurativas toscas — figuras humanas que parecen monigotes elaborados por alguien que nunca ha estudiado anatomía, la acumulación de marcas como principio compositivo, y el ciclo Hourloupe de la carrera tardía, en el que formas celulares entrelazadas en rojo, azul y blanco cubren cada superficie.

Vida y legado

Dubuffet nació el 31 de julio de 1901 en El Havre, hijo de un comerciante de vinos. Estudió arte brevemente en París pero lo abandonó al cabo de pocos meses y entró en el negocio vinícola de su padre. Pasó las décadas de 1920 y 1930 gestionando el comercio del vino — con períodos de pintura intercalados — sin comprometerse públicamente con el arte.

Comenzó a pintar en serio por última vez en 1942, durante la ocupación alemana de París, cuando tenía cuarenta y un años. El comienzo tardío, unido al rechazo deliberado de la tradición académica que había asimilado brevemente, confirió a su obra una calidad de ingenuidad voluntaria que era central en su argumento: estaba eligiendo pintar mal — o más bien, pintar al margen de los estándares con los que se medía la pintura «buena».

Su primera exposición en París en 1944 atrajo el escándalo y la atención en proporciones casi iguales. Los retratos de ese período — rostros untados y rayados en pintura rugosa — parecían insultos a los retratados más que semejanzas. Dubuffet sostenía que eran los retratos más honestos que podía hacer.

Comenzó a coleccionar Art Brut en 1945, construyendo un archivo de obras de pacientes psiquiátricos, presos, médiums y otros que habían producido arte al margen de cualquier contexto profesional o institucional. La Collection de l'Art Brut, que donó finalmente a la ciudad de Lausana en 1971, es hoy una de las colecciones de arte outsider más importantes del mundo y un testimonio de la segunda pasión de su vida.

A lo largo de los años cuarenta y cincuenta desarrolló la técnica de las Hautes Pâtes — superficies construidas con pintura al óleo mezclada con arena, alquitrán, vidrio roto y otros materiales para producir una textura rugosa, geológica — y las Texturologías y Materiologías, en las que la superficie misma, en vez de cualquier figura pintada sobre ella, se convertía en el tema.

El ciclo Hourloupe, iniciado en 1962 y continuado durante más de una década, fue el proyecto unitario más extenso de su carrera: un lenguaje visual de formas entrelazadas similares a piezas de puzle, dibujadas en bolígrafo rojo sobre blanco y ampliadas posteriormente a grandes pinturas, esculturas y entornos arquitectónicos. Las formas no tienen referente en el mundo visible — no son figurativas ni abstracto-geométricas — pero encajan entre sí con la inevitabilidad de las células bajo el microscopio.

Cinco cuadros famosos

La vida frenética 1953

Un gran lienzo cubierto por una multitud densa de figuras — peatones, edificios, vehículos — todos representados con el estilo tosco y rayado de su técnica madura. La ciudad se muestra como una acumulación de marcas más que como una representación: cada figura es un garabato, cada edificio un rectángulo rugoso, y el conjunto forma una textura visual de densidad urbana. El cuadro no tiene centro ni jerarquía de atención — la multitud es el tema y la multitud se extiende en todas direcciones. Es una de sus pinturas figurativas más ambiciosas y una de las más logradas a la hora de demostrar que marcas individuales toscas pueden acumularse en imágenes sociales complejas.

Circo de París 1961

Un lienzo de la transición entre el período de las Hautes Pâtes y el Hourloupe, que muestra una escena circense en la que figuras y accesorios están representados con pinceladas amplias e infantiles en colores vivos — naranja, rojo, azul, amarillo — aplicados sin modelado ni sombreado. Las figuras son apenas figurativas: son manchas y líneas que sugieren cuerpos humanos en movimiento. La energía del circo — el movimiento, el espectáculo, la multitud — se transmite a través de la pura densidad e intensidad cromática de las marcas, y no mediante ninguna técnica ilusionista. Se encuentra en la colección de la Tate de Londres.

Hourloupe 1967

Una obra característica del ciclo Hourloupe — las formas celulares entrelazadas que Dubuffet desarrolló a partir de 1962. Las formas están dibujadas en contorno rojo y negro y rellenas de azul y blanco, creando un entramado de formas encadenadas que se extiende por toda la superficie sin principio ni fin. Las formas sugieren figuras, arquitectura, paisaje — o nada en absoluto, según dónde se mire. El ciclo se inspiró en los garabatos que hacía mientras hablaba por teléfono: las marcas automáticas generadas sin intención consciente se convirtieron en la base de una investigación formal que duró una década. La palabra «Hourloupe» fue inventada por Dubuffet — evoca algo amenazador y extraño.

Suite des visages II 1946

Litografía de la carpeta Les Murs («Los muros»), 1946. Cinco rostros alineados como prisioneros en fila, cada uno una máscara negra rayada con tinta densa — los ojos son ranuras, las bocas son tajos, las cabezas tienen la forma que un niño o un grafitero dibujaría en una pared, no las cabezas nobles del retrato académico. Dubuffet tenía cuarenta y cinco años cuando realizó la estampa; se había comprometido plenamente con el arte solo cuatro años antes, tras veinte años gestionando un negocio de vinos al por mayor. Les Murs nació de su fascinación por los muros rayados del París ocupado durante la guerra, donde grafitis, carteles arrancados y manchas formaban un arte público anónimo que él consideraba más vivo que lo que colgaba en los museos. Las máscaras aquí son la primera aparición, en su obra gráfica, del amplio rostro icónico frontal que dominaría su pintura a lo largo de los años cincuenta.

Tierra negra 1955

Una obra de la serie Texturologías — en la que el tema entero del cuadro es la propia superficie. El lienzo está cubierto con un material denso y rugoso — pintura mezclada con arena y tierra — trabajado hasta obtener una textura que evoca el suelo o los estratos geológicos. No hay figura, ni elemento paisajístico, ni composición en sentido convencional: el cuadro es la textura, de borde a borde. Dubuffet se preguntaba si una superficie uniforme podía ser un cuadro en absoluto, anticipándose así a las preocupaciones de los minimalistas con casi una década de antelación. La obra es lo más cerca que la pintura sobre lienzo puede acercarse a la tierra literal.