Art contemporain
Pas un style unique — mille conversations vivantes sur ce que la peinture peut encore faire.
En 2015, Kara Walker installa dans une ancienne usine de Brooklyn une sculpture de la taille d'une pièce, faite de sucre blanc raffiné — une figure gigantesque en forme de sphinx dégoulinant de mélasse, entourée de figurines en sucre, confrontant l'histoire américaine à travers une forme simultanément belle et nauséabonde. Ce n'était pas tout à fait de la peinture. Mais Walker est tout aussi célèbre pour ses silhouettes de papier noir à grande échelle montées directement sur les murs des galeries, dont les images sont tirées du Sud antebellum, et ces silhouettes existent dans le même espace conceptuel que ses peintures : image, surface, regard, histoire, corps. L'Art contemporain sur ce site rassemble les peintres qui travaillent aujourd'hui — des abstractions photographiques de Gerhard Richter aux interventions au pochoir de Banksy dans l'espace public, des champs optiques de Bridget Riley aux œuvres terre-corps d'Ana Mendieta documentées en photographies — et le défi n'est pas de définir un style mais d'identifier ce que partage ce moment extraordinairement divers. La réponse est peut-être une conscience accrue de ce que signifie faire une image tout court.
Origine et histoire
Si l'Art contemporain a un moment fondateur, on pourrait le situer au milieu des années 1960, quand le récit moderniste hérité — la marche en avant de l'Impressionnisme, à travers le Cubisme jusqu'à l'abstraction — s'effondra visiblement. Le Pop Art avait exposé l'arbitraire de la frontière entre culture haute et commerciale. Le Minimalisme avait déclaré que la peinture pouvait être un objet physique sans être une représentation. L'Art conceptuel argua que l'idée seule, sans aucun objet matériel, suffisait pour l'art. De cette dissolution du consensus émergea la situation contemporaine.
Les années 1970 et 1980 intensifièrent la fragmentation. L'art féministe (Judy Chicago, Miriam Schapiro, Ana Mendieta) remit en question la politique de genre de l'histoire de l'art et la définition des médias valides. La politique identitaire entra dans la peinture comme sujet explicite — Kerry James Marshall commença son projet de toute une vie consistant à insérer la figuration noire dans le canon de la peinture occidentale avec une pleine autorité technique. La critique postcoloniale arriva avec Yinka Shonibare, Kara Walker et d'autres qui interrogeaient la tradition artistique occidentale depuis des positions qu'elle avait historiquement ignorées.
Dans les années 1990, le système global des foires d'art et des biennales — Art Basel, Venise, Frieze — avait créé un marché et un circuit d'exposition international qui accéléra la pluralité stylistique plutôt que de la résoudre. Des peintres de Lagos, Shanghai, São Paulo et Séoul entrèrent dans une conversation qui s'était tenue presque exclusivement à New York, Paris et Londres. Le résultat est le moment véritablement polyphonique que nous habitons aujourd'hui : aucun mouvement dominant, aucune direction convenue, et une gamme sans précédent de voix produisant des œuvres d'ambition sérieuse.
Ce qui unit bien la peinture contemporaine, dans la mesure où quelque chose le fait, est une conscience partagée que la peinture porte l'histoire sur son dos. Chaque marque sur une toile se produit maintenant dans l'ombre de tout ce qui a été fait auparavant — et les peintres contemporains le savent. Cette connaissance peut produire de l'anxiété, de l'ironie, de l'agressivité, ou un retour délibéré à des plaisirs apparemment naïfs. Ce sont toutes des stratégies pour vivre à l'intérieur d'une forme d'art qui a été déclarée morte plusieurs fois et qui refuse de s'allonger.
Concept et philosophie
L'Art contemporain n'est pas un style. C'est une condition : la condition de faire de l'art maintenant, avec une pleine connaissance de ce qu'a été l'art. Cela crée un ensemble de préoccupations partagées qui traversent des approches visuelles radicalement différentes.
La première est l'autoconscience sur le statut propre du tableau. Une photo-peinture de Gerhard Richter ne dépeint pas simplement une photographie ; elle réfléchit à ce que la peinture fait à la photographie et ce que la photographie fait à la peinture. Un pochoir de Banksy n'est pas simplement une image politique ; c'est une méditation sur la place de l'art, la propriété de l'espace public et ce qui se passe quand le marché de l'art capture un geste conçu pour lui échapper. L'art contemporain a rendu cette conscience de niveau méta presque inévitable.
La deuxième est une compréhension élargie de les histoires de qui la peinture peut raconter. Le canon de l'histoire de l'art occidental — de Giotto à de Kooning — excluait systématiquement la plupart des gens du monde comme sujets et comme créateurs. La peinture contemporaine renégocie cette exclusion depuis un demi-siècle : la série *Mastry* de Marshall place des figures noires dans le langage compositionnel de la peinture des Anciens Maîtres ; les silhouettes de Kara Walker forcent les images de l'esclavage dans le langage esthétisé de la décoration de salon victorien. Ce n'est pas simplement la diversité comme politique mais l'argument pictural comme critique historique.
La troisième est une adoption de la pluralité technique. Les peintres contemporains travaillent couramment avec la photographie, la vidéo, les outils numériques, les objets trouvés et la fabrication industrielle aux côtés des médias traditionnels. La technique à la raclette de Richter produit des surfaces qui se lisent comme des images imprimées ; les surfaces à l'huile sur toile de Cecily Brown portent la pleine tradition de la peinture gestuelle tout en s'engageant explicitement avec l'imagerie érotique des Anciens Maîtres. La question n'est pas les matériaux que vous utilisez mais ce que l'œuvre sait d'elle-même.
Comment le reconnaître
L'Art contemporain résiste délibérément à une empreinte visuelle unique. Ces six tendances réapparaissent à travers un large éventail de peinture actuelle — traitez-les comme des indices pour regarder plutôt que comme des critères diagnostiques définitifs.
- Pluralité d'approches — Aucun style unique ne domine : le photoréalisme, l'abstraction, la figuration, la dérivation de l'art de rue et la peinture à processus numérique coexistent dans les mêmes biennales et salles des ventes. Si une œuvre refuse obstinément de s'intégrer dans n'importe quelle catégorie antérieure et a été réalisée après environ 1975, elle appartient presque certainement ici.
- Surface transmédiatique — La photographie et les processus numériques laissent des marques visibles — couleur en hyper-résolution, une planité qui se lit différemment de la planité peinte, des flous qui font référence à l'appareil photo plutôt qu'au pinceau. Les *Photo Paintings* de Richter et ses abstractions à la raclette portent toutes deux la trace de l'image photographique même quand aucune photographie n'est littéralement utilisée.
- Contenu conceptuel ou politique au premier plan — La question « de quoi s'agit-il » est invitée immédiatement plutôt que différée. Le texte, la critique institutionnelle, l'identité et l'argument historique fonctionnent comme des éléments picturaux plutôt que comme des légendes. On n'est pas censé regarder avant de lire ; regarder et lire se produisent simultanément.
- L'échelle comme déclaration institutionnelle — Les œuvres très grandes — qui remplissent des murs de galerie, transforment des espaces entiers — avancent un argument sur la présence et l'autorité. Les peintres contemporains ont appris de l'Expressionnisme abstrait et du Minimalisme que l'échelle n'est pas simplement une taille mais une revendication sur le corps du spectateur. Un Marshall de quatre mètres de large affirme un droit au mur du musée que son sujet s'est vu historiquement refuser.
- Citation délibérée de l'histoire de l'art — La peinture contemporaine est remplie de compositions empruntées, de styles cités, de genres parodiés. L'appropriation n'est pas un vol mais un argument : Cindy Sherman se photographie dans les poses de portraits d'Anciens Maîtres ; Neo Rauch peint dans le style du Réalisme socialiste avec des images surréalistes insérées. Les guillemets sont visibles et intentionnels.
- Clarté de l'art de rue et audace graphique — L'œuvre dérivée des traditions du graffiti, du pochoir et de la fresque — Banksy, Kaws, Shepard Fairey — conserve la logique visuelle de ses origines : bords nets, couleur plate, lisibilité instantanée à distance. Dans un contexte de galerie, cette lisibilité se lit comme une provocation : un art qui ne vous demande pas de travailler pour le voir.
Anecdotes et curiosités
Gerhard Richter détruisit plusieurs mois de travail en 1976 quand il racla et barbouilla un groupe presque terminé de grandes peintures abstraites. Il avait développé la technique de la raclette depuis le début des années 1970 — tirant une raclette de peintre en bâtiment sur de la peinture fraîche pour produire des voiles et des traînées qui flottaient entre image et abstraction — et la destruction faisait partie de son processus de travail plutôt que d'être un accident. Richter documente son œuvre détruite dans son *Atlas*, l'immense collection de photographies, de croquis et de coupures de journaux qu'il maintient depuis 1962, qui est elle-même aujourd'hui considérée comme une œuvre majeure.
**La *Girl with Balloon* de Banksy s'auto-détruisit quelques instants après s'être vendue 1,04 million de livres sterling chez Sotheby's Londres en octobre 2018.** Un broyeur intégré dans la base du cadre s'activa au moment de l'adjudication, détruisant partiellement la toile. Sotheby's confirma ne pas avoir eu connaissance préalable de ce mécanisme. L'œuvre détruite — rebaptisée *Love Is in the Bin* — se vendit ensuite en 2021 pour 18,6 millions de livres sterling, faisant de l'auto-destruction une œuvre d'art en elle-même et son propre record de marché. Banksy publia une photographie de l'événement avec la légende : « En cours, en cours, adjugé. »
Kerry James Marshall passa des années à être informé que ses peintures de figures noires étaient trop sombres — littéralement. Au début de sa carrière, les commissaires et les collectionneurs de musées avaient du mal à lire les figures dans ses peintures parce qu'il représente la peau noire à sa pleine profondeur tonale, refusant l'éclaircissement que la peinture figurative traditionnelle appliquait aux sujets non-blancs pour les rendre lisibles sur la toile. Marshall refusa d'ajuster sa palette. Sa rétrospective de 2016–17 *Mastry*, au Musée d'art contemporain de Chicago, au Met Breuer et au Musée d'art contemporain de Los Angeles, trancha le débat : les peintures sont parmi les œuvres figuratives techniquement les plus accomplies et historiquement les plus importantes des cinquante dernières années.
**Ana Mendieta réalisa sa série *Silueta* entre 1973 et 1980 en pressant son corps contre la terre et en photographiant les traces.** Travaillant dans l'Iowa puis au Mexique et à Cuba, elle découpa sa silhouette dans la boue, l'herbe, le sable et la pierre ; illumina son contour avec de la poudre à canon et du feu ; remplit la dépression de fleurs et d'eau. Les photographies résultantes — jamais des peintures au sens traditionnel, mais dans le même territoire ontologique — documentent la relation du corps au paysage avec une urgence qu'aucune pratique d'atelier n'aurait pu produire. Elle mourut en 1985 dans des circonstances qui restent légalement non résolues.
Héritage et influence
L'héritage de l'Art contemporain est, par définition, encore en cours d'écriture — beaucoup de ses praticiens les plus importants sont vivants et travaillent. Mais plusieurs lignes d'influence sont déjà assez claires pour être nommées.
La plus conséquente est la mondialisation du monde de l'art lui-même. Le circuit des biennales et des foires d'art a redistribué la géographie de l'art : la peinture de Lagos, l'abstraction de Pékin, le Néo-Concrétisme brésilien et l'art contemporain indien circulent maintenant à travers le même marché international qui existait autrefois presque exclusivement pour l'œuvre d'Europe occidentale et d'Amérique du Nord. Les installations en capsules de bouteilles d'El Anatsui, les peintures en photo-collage de Njideka Akunyili Crosby, les toiles de réalisme social de Liu Xiaodong — ce ne sont pas des notes de bas de page d'un canon occidental mais des participants à part entière d'une conversation véritablement mondiale.
Un deuxième héritage est la restauration de la complexité de la peinture. Les années 1970 déclarèrent la peinture morte — trop chargée d'histoire, trop complice de son marché, trop spécifique au médium dans une ère qui exigeait la dématérialisation. La peinture contemporaine répondit en devenant plus autoconsciente plutôt que moins matérielle. Richter, Marshall, Cecily Brown, Neo Rauch, Jenny Saville — aucun ne prétend que la peinture est innocente, mais tous insistent sur le fait qu'elle reste irremplaçable.
Enfin, l'Art contemporain a changé de façon permanente la question de savoir pour qui est l'art. L'art de rue, l'installation publique, la diffusion sur les réseaux sociaux d'œuvres basées sur des images — le postulat que l'art sérieux vit dans des galeries au cube blanc pour des spectateurs formés a été remis en question de manière exhaustive. Si ce défi a été relevé avec succès est encore une question ouverte, ce qui est précisément là où se fera le travail le plus intéressant de la prochaine génération.
6 artistes dans ce mouvement
Questions fréquentes
Qu'est-ce qui compte comme 'Art contemporain' ?
L'Art contemporain désigne généralement l'art réalisé depuis environ 1970 jusqu'à nos jours, bien que la limite exacte varie selon le contexte. Il diffère de l'art 'moderne' (typiquement 1860–1970) en ce qu'il ne revendique aucun style ou mouvement cohérent — il est défini par son moment plutôt que par son approche visuelle. Sur ce site, il rassemble les peintres actuellement actifs ou ayant récemment travaillé qui ne s'intègrent pas facilement dans des mouvements antérieurs.
Y a-t-il une idée unificatrice derrière l'Art contemporain ?
Plutôt qu'un style unifié, l'Art contemporain partage un ensemble de conditions communes : pleine connaissance de l'histoire de l'art et relation autoconsciente à celle-ci ; ouverture à tout médium ou matériau ; engagement envers l'identité, la politique et l'histoire culturelle comme sujet ; et circulation à travers un système de marché et d'exposition mondial qui n'existait pas avant les années 1980. S'il existe un facteur commun unique, c'est l'autoconscience — la plupart des œuvres contemporaines sait qu'elle est de l'art et réfléchit à ce que cela signifie.
Pourquoi Banksy est-il considéré comme un artiste sérieux ?
L'œuvre de Banksy soulève de vraies questions sur l'espace public, le marché de l'art, la création d'images politiques et l'autorité institutionnelle qui la placent résolument dans la tradition de l'art conceptuel et politique — le Situationnisme, la critique institutionnelle, le Pop Art. Si ses réponses sont suffisamment originales pour justifier sa position sur le marché est débattu, mais les questions sont réelles. Son auto-destruction de *Girl with Balloon* (2018) fut l'une des actions artistiques conceptuellement les plus précises de la décennie. Que cela ait rendu l'œuvre plus précieuse plutôt que moins est son propre argument sur le système qu'il prétend critiquer.
Qui est Kerry James Marshall et pourquoi son œuvre importe-t-elle ?
Kerry James Marshall (né en 1955 à Birmingham, Alabama) est parmi les peintres figuratifs les plus importants travaillant en anglais. Depuis les années 1980, il peint des scènes monumentales de la vie noire américaine — loisirs, vie domestique, communauté — dans le langage compositionnel de la peinture occidentale de Vermeer à Manet, avec des figures rendues à leur pleine profondeur tonale. L'œuvre revendique le langage visuel de l'histoire de l'art pour les sujets qu'elle excluait systématiquement. Sa rétrospective de 2016–17 *Mastry* rendit sa centralité indéniable. La technique et l'argument sont également assortis, ce qui est rare.
Qu'est-ce que la technique à la raclette de Gerhard Richter ?
Richter développa la technique depuis le début des années 1970 : il applique de grandes quantités de peinture sur la toile puis tire une large raclette (une lame en caoutchouc comme un gigantesque essuie-glace) sur la surface humide, mélangeant et superposant les couleurs pour produire des voiles, des traînées et des combinaisons accidentelles qu'aucun pinceau ne pourrait obtenir. Les résultats sont simultanément abstraits et photographiques dans leur aspect — ils se lisent comme des images floues ou surexposées. La technique est aujourd'hui l'une des qualités de surface les plus reconnaissables de la peinture contemporaine.