Frank Stella

Estilo y técnica

La carrera de Stella se divide en fases tan distintas entre sí que apenas se parecen, unidas por una lógica subyacente constante: la pintura como objeto físico cuya forma y contenido son idénticos. Lo que la pintura muestra es exactamente lo que es; lo que es determina lo que muestra.

Sus Pinturas negras (1958–1960), realizadas cuando tenía veintidós y veintitrés años, constituyen la declaración definitiva del Minimalismo. Pintura de esmalte negro, aplicada en franjas paralelas regulares, sigue la forma del lienzo de borde a borde. La composición está enteramente determinada por la forma del soporte: sin decisiones compositivas, sin gesto expresivo, sin ninguna decisión pictórica que no esté ya dictada por los bordes del rectángulo. Donald Judd dijo que eran las mejores pinturas nuevas que había visto. Jasper Johns dijo que eran extraordinarias. El mundo del arte en 1959 buscaba una respuesta a la subjetividad del Expresionismo Abstracto, y estos lienzos negros, tranquilos y mecánicos, eran la respuesta.

A continuación vinieron los Lienzos con forma de los años sesenta: lienzos recortados en polígonos, chevrones y trapecios, cuyas franjas pintadas seguían los nuevos bordes. La forma del soporte pasa a ser parte del contenido visual y no un marco invisible para él.

La obra posterior a 1970 se volvió cada vez más compleja, tridimensional y colorida — produciendo finalmente enormes relieves murales que combinaban aluminio, fibra de vidrio y pintura, que se parecían más a la escultura que a la pintura y que violaban deliberadamente la mayoría de sus principios anteriores. La coherencia no le interesaba.

Vida y legado

Stella nació el 12 de mayo de 1936 en Malden, Massachusetts, hijo de un padre siciliano-americano que era ginecólogo. Estudió en la Phillips Academy de Andover, donde recibió su primera educación pictórica seria con el pintor abstracto Patrick Morgan, y luego en la Universidad de Princeton, donde estudió historia del arte y pintura.

Llegó a Nueva York tras Princeton en 1958 y se encontró de inmediato con el mundo del arte neoyorquino en su momento más apasionante — el Expresionismo Abstracto estaba en su apogeo y simultáneamente bajo presión. Se instaló en un estudio en el downtown y comenzó las Pinturas negras.

Las Pinturas negras se encuentran hoy en todos los grandes museos americanos, pero en su momento, cuando fueron expuestas en la muestra «Dieciséis americanos» del Museo de Arte Moderno en 1959 — Stella tenía veintitrés años —, la respuesta fue dividida y confusa. Las obras eran casi nada: franjas negras sobre lienzos de fondo negro, tan regulares que podrían haber sido hechas por una máquina. ¿Era esto pintura o renuncia a pintar?

Era ambas cosas. Stella había creado la pintura de la «anticomposición»: un cuadro en el que cada elemento estaba determinado por reglas que excluían la elección personal. Al eliminar el gesto expresivo, la decisión de color, la disposición compositiva — todas las elecciones que hacían personal al Expresionismo Abstracto —, había producido una pintura que trataba únicamente sobre sus propias condiciones.

Su carrera tras 1960 fue expandiendo las implicaciones de esa posición: las Pinturas de aluminio usaban pintura metálica doméstica; los Lienzos con forma establecían el polígono como unidad compositiva; la serie Protractor de finales de los sesenta reintrodujo el color en complejos patrones geométricos basados en el transportador de un delineante.

Murió el 4 de mayo de 2024 en Nueva York, a los ochenta y siete años.

Cinco cuadros famosos

Die Fahne Hoch! 1959

Una de las Pinturas negras, nombrada con deliberada provocación por una canción de marcha nazi — Stella estaba jugando con la solemnidad del mundo del arte. Un gran lienzo, de aproximadamente tres por cuatro metros, cubierto con franjas paralelas regulares de esmalte negro separadas por estrechos canales de lienzo desnudo que siguen los bordes hacia el interior. La composición se genera completamente a sí misma: el rectángulo del lienzo determina el patrón de franjas sin ninguna intervención del gusto del artista. El resultado es algo simultáneamente hipnótico, frío y completamente autoexplicativo. Se encuentra en el Whitney Museum of American Art.

La boda de la razón y la miseria, II 1959

Otra de las Pinturas negras, esta con una ligera variación en el patrón de franjas — aquí forman un rectángulo concéntrico en lugar de partir del borde exterior. El título es característico: grandilocuente, levemente sardónico, tomado de una frase de un periódico y aplicado sin ironía. La pintura en sí es tan austera como las demás: esmalte negro, canales de lienzo desnudo, franjas regulares. La asociación de «razón» y «miseria» en el título sugiere que Stella era consciente de que su riguroso enfoque conceptual existía en un mundo comercial y social nada racional. Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Tomlinson Court Park 1959

Nombrada por un parque del Bronx, esta es una de las primeras Pinturas negras y muestra el patrón en su forma más directa: bandas rectangulares concéntricas de pintura negra separadas por finas líneas de lienzo desnudo, que se irradian hacia el interior desde los bordes rectangulares. El nombre es mundano y geográfico — un parque, un lugar, sin mitología. La pintura despoja de todo excepto del objeto físico: este rectángulo particular de lienzo con estas franjas particulares de pintura. La lógica es simple y el resultado es extraordinariamente denso.

Harran II 1967

Un lienzo con forma de la serie «Protractor» — la fase más compleja y colorida de la obra de Stella en los años sesenta. El lienzo está recortado en un polígono irregular, y la superficie está cubierta de bandas curvas de colores entrelazadas — naranjas, rosas, púrpuras, azules — derivadas del arco de un transportador. Las formas llenan el lienzo completamente; cada elemento está determinado por el polígono y el arco. El color es más complejo y más vibrante que en cualquiera de sus obras anteriores, y el lienzo con forma garantiza de nuevo que forma y contenido sean idénticos. Los títulos de la serie corresponden a antiguas ciudades de Oriente Medio.

Emperatriz de la India 1965

Un lienzo con forma de la serie «Notched-V» — cuatro grandes secciones de lienzo en forma de chevrón, unidas por sus ángulos, que forman una silueta general parecida a una mariposa estirada o un ave geométrica. Cada sección está pintada con un solo color — cobre metálico, aluminio o pintura fluorescente — en franjas que siguen los bordes del chevrón. La escala es grande; la presencia física es absolutamente concreta. El título sugiere imperio y grandeza; la pintura es una geometría plana de pintura metálica. La distancia entre el título y el objeto es característica de la relación imperturbable de Stella con las ambiciones tradicionales de la pintura.