Robert Rauschenberg

Style et technique

La contribution centrale de Rauschenberg à l'art du XXe siècle est le Combine — un mot qu'il a inventé pour décrire des œuvres qui ne sont ni peinture ni sculpture, mais les deux simultanément. Un Combine commence par une surface peinte ou travaillée d'une autre façon — toile, tissu, carton — et incorpore des objets, des photographies, des coupures de journal, des vêtements et des matériaux trouvés tridimensionnels qui dépassent de la surface ou se tiennent indépendamment à côté d'elle. Le résultat est une œuvre qui ne peut pas être classée selon les catégories existantes de peinture ou d'objet.

Les Combines ont été réalisés entre environ 1954 et 1964 et représentent sa contribution la plus originale. Ils fonctionnent par juxtaposition sans hiérarchie : une surface Combine place les images et les objets côte à côte sans suggérer qu'un élément est plus important qu'un autre. Une photographie d'aigle, une zone de traitement de geste expressionniste abstrait, un titre de journal, un passage de tissu — tout coexiste au même niveau d'attention. L'œil du spectateur se déplace entre eux en établissant des connexions, et les connexions qu'il établit sont les siennes.

Sa relation avec l'expressionnisme abstrait était critique et affectueuse. Il admirait l'engagement et la physicalité ; il était impatient envers la mythologie de l'expression individuelle et la lourdeur du sujet. Les Combines ont transformé le geste expressionniste abstrait en un élément parmi tant d'autres — une zone de peinture qui dégouline parmi les coupures de journal et le pneu.

Quatre empreintes digitales : le Combine — la fusion de la surface peinte et des objets réels en une seule œuvre, la sérigraphie dans les œuvres ultérieures, dans lesquelles les photographies trouvées sont transférées sur la surface de la toile comme si le matériel visuel du monde pouvait être imprimé directement sur la peinture, une attitude démocratique envers les matériaux — rien n'est trop bon marché, trop déchiré ou trop ordinaire pour être inclus, et l'échelle et la densité visuelle — les Combines sont généralement grands et remplis d'événements.

Vie et héritage

Rauschenberg est né le 22 octobre 1925 à Port Arthur, Texas, une petite ville de raffinerie pétrolière sur la côte du Golfe. Il a grandi dans un foyer chrétien fondamentaliste — ses parents étaient membres de l'Église du Christ — et n'a pas eu d'exposition significative à l'art jusqu'à ce qu'il la rencontre par hasard dans un musée de Los Angeles pendant le service militaire, découvrant que les peintures communiquaient ce pour quoi il n'avait pas trouvé de mots.

Après son congé militaire, il a étudié brièvement à Kansas City, puis à Paris, puis au Black Mountain College en Caroline du Nord en 1948–1949. Black Mountain a été transformateur : il a étudié avec Josef Albers, dont les expériences rigoureuses de couleur lui ont donné une base d'analyse formelle bien que sa pratique suivrait des directions complètement différentes. Il a également rencontré John Cage, le compositeur dont les idées sur le hasard et le son trouvé parallèleraient sa propre approche de l'imagerie trouvée.

Au Black Mountain, il a aussi rencontré Cy Twombly, avec lequel il a voyagé en Europe et en Afrique du Nord en 1952, et, à New York, Jasper Johns, avec lequel il a vécu et travaillé en étroite proximité pendant une grande partie des années 1950. La relation Rauschenberg-Johns — personnellement et artistiquement — est l'une des plus importantes dans l'art américain d'après-guerre ; chacun a défié l'autre de manière à produire certaines des œuvres les plus importantes des deux artistes.

L'Erased de Kooning Drawing (1953) — dans lequel il a passé un mois à effacer un dessin de de Kooning jusqu'à ce qu'il ne reste rien — est son acte conceptuellement le plus radical. En transformant la destruction artistique en une œuvre d'art, il a soulevé la question de ce qu'est l'art au niveau le plus fondamental : l'acte d'effacer est-il aussi un acte créatif que le dessin ?

Les Combines ont suivi — « Bed » (1955), « Monogram » (1959), « Canyon » (1959) — accumulant des objets trouvés et des surfaces peintes dans des œuvres qui n'avaient pas de précédent et nécessitaient un nouveau vocabulaire critique. Il a remporté le Grand Prix de peinture à la Biennale de Venise en 1964, le premier Américain à le remporter, et cette reconnaissance a transformé sa réputation internationale.

Au cours des années 1960 et 1970, il a travaillé dans des médias de plus en plus variés — sérigraphie, performance, collaboration avec des ingénieurs et des scientifiques dans l'initiative « Experiments in Art and Technology » (EAT) — et au cours de ses dernières décennies, il a produit d'énormes œuvres qui incorporaient des images de voyages à travers l'Asie, l'Afrique et l'Amérique latine.

Cinq tableaux célèbres

Monogramme 1959

Son Combine le plus célèbre — et peut-être l'œuvre singulière la plus célèbre de l'histoire de l'art américain après 1945. Une chèvre d'Angora empaillée, son corps passant à travers un pneu d'automobile, se tient sur une surface peinte de toile, de bois et de matériaux collés. La chèvre a été peinte autour de son visage avec de larges traits de rouge et de bleu ; le pneu encercle son milieu comme une jupe ou un anneau de trophée. L'absurdité est totale, l'invention visuelle absolue, et la question qu'elle pose — qu'est-ce que cet objet exactement et que signifie-t-il ? — n'a pas une réponse unique. Elle se trouve au Moderna Museet à Stockholm.

Bed 1955

Un édredon et un oreiller — la surface réelle d'un lit — suspendu verticalement et traité comme une surface picturale : la portion inférieure est peinte avec de larges traits de peinture rouge et noire, la peinture dégoulinant dans le tissu de l'édredon. La portion supérieure de l'édredon reste tel qu'il a été trouvé, son motif domestique et son tissu usé en contraste direct avec la section inférieure peinte. L'œuvre était l'édredon de Rauschenberg, son propre oreiller. La surface domestique la plus intime — le lit — rendue publique, verticale, accrochée au mur d'une galerie. Que les gouttes de peinture suggèrent le sang, la peinture, quelque chose d'autre ou rien d'autre que de la peinture qui dégouline est une question que l'œuvre refuse de répondre. Elle se trouve au Museum of Modern Art à New York.

Erased de Kooning Drawing 1953

Rauschenberg a demandé à de Kooning un dessin qu'il pourrait effacer, expliquant son intention. De Kooning lui a donné un dessin délibérément difficile à effacer — réalisé au graphite, à l'encre et au crayon gras. Rauschenberg a passé environ un mois à l'effacer, laissant une surface presque vierge avec des traces légères. Le résultat a été encadré et étiqueté « Erased de Kooning Drawing, Robert Rauschenberg, 1953 ». L'œuvre demande si la destruction peut être création, si l'acte d'effacer est autant une œuvre d'art que l'acte de dessiner, et si une œuvre d'art existe dans l'objet physique ou dans le concept. Elle se trouve au San Francisco Museum of Modern Art.

Canyon 1959

Un grand Combine incorporant un aigle empaillé (une espèce légalement protégée dont la propriété rendrait finalement l'œuvre difficile à vendre ou à donner) qui dépasse d'une surface peinte de photographies, de papier imprimé, de peinture et de collage. Sous l'aigle, une corde pend vers un oreiller aplati sur le sol. L'aigle dépasse dans l'espace de la galerie ; la peinture s'étend vers l'extérieur, refusant de rester sur le mur. La combinaison de l'oiseau national — le symbole du pouvoir américain — avec les débris stratifiés du monde ordinaire est caractéristique de la relation démocratique et légèrement ironique de Rauschenberg avec l'iconographie américaine. Elle se trouve au Museum of Modern Art à New York.

Retroactif II 1964

Une peinture sérigraphiée de la période de transition alors qu'il passait des Combines à la technique d'impression sérigraphique. La toile est couverte d'images photographiques transférées — un astronaute en chute libre, un verre d'eau, des fruits, un parachute — et des passages de peinture qui interrompent les champs photographiques. L'image de l'astronaute a été tirée des photographies de presse des premiers programmes spatiaux de la NASA. L'œuvre combine la photographie trouvée et la surface peinte de la façon que les Combines réalisaient avec des objets physiques : la surface est simultanément une image et une peinture, un document et un objet esthétique. Elle se trouve dans la Collection Sonnabend.