René Magritte

Style et technique

Magritte a peint dans un style d'illustration commerciale volontairement plat qui ne ressemble à rien d'autre dans le Surréalisme. Où les surfaces de Dalí imitent les huiles académiques des maîtres espagnols, et celles d'Ernst invoquent les traditions romantiques sombres, les tableaux de Magritte ressemblent à de l'art de calendrier bien réalisé : lisse, propre, uniformément éclairé, techniquement accomplissait mais volontairement prétentieux. Le style est l'argument : si l'image est peinte de manière ordinaire, la chose extraordinaire qu'elle montre est plus troublante que si elle était peinte avec du drame.

Sa technique centrale est la violation conceptuelle : deux choses qui ne peuvent coexister sont montrées coexister. Le jour et la nuit apparaissent simultanément dans « L'Empire de la lumière ». Une peinture d'un paysage est placée devant le paysage réel qu'elle représente, afin que vous ne puissiez pas savoir lequel est le paysage et lequel est la peinture. Un verre d'eau s'assoit sur le dessus d'un parapluie ouvert. Un homme avec un chapeau melon a une pomme où son visage devrait être.

Aucune de ces violations n'implique une impossibilité technique —elles sont toutes logiquement concevables en quelque sorte— mais chacune viole une règle de l'expérience visuelle ordinaire que nous tenons si profondément que nous n'étions pas conscients de la tenir. Le projet de Magritte était d'exposer ces règles cachées en montrant ce qui se passe quand elles sont brisées.

Quatre marques distinctives : la figure masculine anonyme avec un chapeau melon (un protagoniste récurrent), la coexistence d'éléments visuels irréconciliables dans un seul espace lisse, un vocabulaire de couleur limité mais très précis —ciel gris-bleu, intérieur ocre chaud, verts particuliers— et l'attention minutieuse à la lumière de coulée et à l'ombre sur des objets dont la situation physique est impossible.

Vie et héritage

Magritte est né le 21 novembre 1898 à Lessines, une petite ville de la province du Hainaut en Belgique. Quand il avait quatorze ans, sa mère s'est noyée dans la rivière Sambre. Elle a été trouvée jours plus tard, sa chemise de nuit enroulée autour de son visage. Si Magritte a été témoin de cette découverte —et si l'image a influencé ses tableaux de figures au visages couverts ou déplacés— a été un sujet de spéculation biographique soutenue que lui-même n'a jamais résolu publiquement.

Il a étudié à l'Académie Royale des Beaux-Arts à Bruxelles de 1916 à 1918 et a trouvé du travail dans l'industrie de l'illustration commerciale —les affiches publicitaires, la conception du papier peint, l'illustration de la mode— qui l'a occupé pendant une grande partie des années 1920. Il a épousé Georgette Berger, sa bien-aimée d'enfance, en 1922. Ils sont restés mariés pour le reste de sa vie et elle apparaît dans beaucoup de ses premières peintures.

Il a rencontré l'œuvre de Giorgio de Chirico dans une reproduction en 1923 —spécifiquement « La Chanson de l'amour »— et a expérimenté ce qu'il a décrit comme une révélation : que les objets peints pouvaient porter une charge émotionnelle complètement indépendante de toute distorsion expressionniste ou technique. Les espaces tranquilles, précis, et inquiétants de De Chirico lui ont montré un chemin.

Il s'est déplacé à Paris en 1927 et a rejoint le cercle surréaliste d'André Breton, bien que sa relation avec le groupe ait toujours été un peu inconfortable. Breton voulait l'inconscient ; Magritte voulait des propositions logiques. Il est retourné à Bruxelles en 1930 et y a vécu —dans une maison louée au-delà du Jette— pour le reste de sa vie, peignant dans la salle avant tandis que sa femme Georgette brodait dans la même pièce.

Le célèbre canevas « La Traîtrise des images » —une peinture d'une pipe sous laquelle est écrit « Ceci n'est pas une pipe »— a été réalisé en 1929 et encapsule son projet entier : l'image est une représentation, non la chose elle-même. L'énoncé est logiquement vrai. L'effet est un vertige persistant et doux.

Il est mort le 15 août 1967 à Bruxelles, à l'âge de soixante-huit ans, du cancer du pancréas. Son dernier travail majeur —« Le Domaine enchanté », un cycle de fresques pour le Casino de Knokke— a été achevé en 1953. Sa réputation, qui avait été éclipsée en Europe par l'expressionnisme abstrait, a subi un grand regain dans les années 1960 quand l'Art Pop et l'Art Conceptuel sont revenus à ses préoccupations.

Cinq tableaux célèbres

Les Amants 1928

Un homme et une femme s'embrassent et s'embrassent, mais les deux les visages sont complètement couverts par un tissu blanc qui enveloppe leurs têtes. Nous ne pouvons pas voir leurs visages ; ils ne peuvent pas se voir l'un l'autre. L'acte d'intimité est effectué par deux figures qui sont simultanément présentes et utterly absentes l'une de l'autre et au spectateur. Le cadre est un simple paysage sous un ciel gris ; les figures sont ordinaires et proches. Le tissu qui couvre les visages est l'argument entier : l'amour, l'identité, l'incapacité à vraiment connaître une autre personne, le tissu qui nous sépare même dans la proximité la plus proche. Il existe deux versions survivantes ; la plus souvent reproduite se trouve au Museum of Modern Art à New York.

L'Empire de la lumière 1954

Une maison aux fenêtres illuminées s'assoit dans une rue sombre sous un ciel illuminé par le jour —bleu, avec des nuages blancs. Le jour et la nuit coexistent simultanément. C'est le paradoxe le plus souvent cité de Magritte car c'est le plus facilement réalisé : la maison et la rue semblent entièrement réalistes ; le ciel semble entièrement réaliste ; c'est seulement leur combinaison qui est impossible. Il a réalisé au moins dix-sept versions de cette composition, variant en échelle. L'influence du tableau sur la culture populaire a été importante : c'est l'une des images les plus citées par les personnes à qui on demande de nommer un tableau « surréaliste ». La plus grande version se trouve aux Musées Royaux des Beaux-Arts à Bruxelles.

La Condition humaine 1933

Une peinture sur un chevalet se tient devant une fenêtre. La peinture sur le chevalet dépeint exactement la section du paysage que la fenêtre révèlerait si la peinture n'était pas là —mais nous ne pouvons pas vérifier ceci, car la peinture couvre exactement la section que nous aurions besoin de regarder à travers la fenêtre pour le confirmer. Magritte a écrit : « J'ai placé devant une fenêtre, vue d'une pièce, une peinture représentant exactement cette partie du paysage qu'elle cachait ». Le tableau est sur la représentation elle-même : le problème de savoir si une image est précise quand l'image obscurcit toujours l'original. Elle se trouve à la National Gallery of Art à Washington D.C.

Non à reproduire 1937

Un homme se tient le dos au spectateur devant un miroir. Le miroir reflète —non pas son visage, comme il devrait, mais l'arrière de sa tête de nouveau. Un livre sur la cheminée en dessous (« Arthur Gordon Pym » d'Edgar Allan Poe) est reflété normalement. Le titre en français —« La reproduction interdite »— ajoute une autre couche : c'est une interdiction de reproduction, ou une observation que la reproduction du moi n'est pas autorisée, ou les deux. Le modèle était Edward James, le mécène anglais de Magritte, qui a commandé la peinture en sachant présumément qu'il ne verrait pas son propre visage en elle. Elle se trouve au Museum Boijmans Van Beuningen à Rotterdam.

Le Château des Pyrénées 1959

Une vaste roche flotte dans l'air au-dessus d'une mer turbulente. Sur le dessus du rocher s'assoit un château médiéval. L'échelle est impossible —le rocher est de la taille d'une montagne, la mer est de l'eau réelle, le château est de la pierre ordinaire. Magritte a simplement enlevé la gravité d'un élément d'une scène autrement physiquement cohérente. L'effet est moins étrange que beaucoup de ses images car les composants sont si grands : la taille la rend sentir comme la géologie plutôt que la magie, comme si les roches flottantes n'étaient qu'un type différent de fait géologique. Elle se trouve au Musée d'Israël à Jérusalem.