Jean-Honoré Fragonard

Estilo y técnica

Fragonard pintaba más rápido que casi nadie. Sus bocetos tardíos se mueven con una velocidad caligráfica que hace que la superficie del lienzo parezca casi una improvisación — algunos toques cargados para una cara, una coma de blanco para un pliegue iluminado. Su pincelada es la más visible, la más atlética y la más placentera del siglo dieciocho francés.

Lo aprendió de su maestro Boucher y lo llevó mucho más lejos. Donde Boucher construía sus superficies en barnices cuidados para lograr una suavidad de porcelana, Fragonard dibujaba con el pincel — un trazo, una decisión, sin correcciones. La bravura no es accidental; trabajaba así incluso en sus grandes cuadros por encargo, que a menudo tienen una frescura y energía improvisada que sus contemporáneos más reflexivos nunca alcanzaron.

Los temas son más abiertamente eróticos que los de Boucher y más ligados a momentos narrativos específicos. «El columpio» (1767), su cuadro más famoso, muestra a una joven mujer que se balancea en lo alto en un jardín exuberante mientras su amante, tendido entre los arbustos, la mira desde abajo mientras su zapatilla sale volando de su pie. El obispo que tira de la cuerda en el fondo es casi con toda certeza su marido. El cuadro fue encargado exactamente con este escenario por un noble francés que especificó la composición por escrito. Fragonard lo entregó sin mediaciones.

Sus colores son más claros y más frescos que los de Boucher: oro pálido, crema, rosa intenso, ese gris nacarado particular de una tarde nublada. Los paisajes tras sus escenas de jardín apenas son paisajes — son impresiones de verde, sugerencias de parque, el mínimo ambiente necesario para enmarcar la acción.

Una parte importante de su trabajo consiste en grandes paneles decorativos — particularmente los cuatro paneles de «El progreso del amor» (1771–73), ahora en la Colección Frick de Nueva York — destinados al pabellón de Madama du Barry en Louveciennes pero rechazados por ella, posiblemente porque los encontró estéticamente anticuados cuando los recibió.

Vida y legado

Fragonard nació el 5 de abril de 1732 en Grasse, una ciudad productora de perfumes en las colinas sobre Niza. Su padre, asistente de guantero, trasladó la familia a París cuando Jean-Honoré tenía seis años. Comenzó a formarse brevemente bajo Jean-Siméon Chardin — quien aparentemente lo encontró demasiado bruto para enseñar — antes de pasar a François Boucher, quien reconoció inmediatamente su talento.

A los dieciocho años ganó el Premio de Roma con un gran cuadro y pasó cinco años en Italia, donde hizo el descubrimiento decisivo que la mayoría de pintores franceses perdió: se enamoró perdidamente de los frescos barrocos de Pietro da Cortona y Tiepolo, con sus figuras voladoras y sus techos luminosos, en lugar de la escultura antigua que su beca debería haberle enseñado. Volvió a París en 1761 con la cabeza llena de calidez italiana y un cuaderno lleno de estudios de los jardines de la Villa d'Este en Tivoli — los jardines que obsesionarían su trabajo durante el resto de su carrera.

Su carrera oficial comenzó prometedoramente: fue aceptado en la Academia en 1765 con un gran cuadro mitológico, «Coresus sacrificándose para salvar a Calírroe», acogido tan bien que Luis XV quiso una copia para la manufactura de tapices de los Gobelinos. Pero el mundo de la pintura de Salón oficial pronto lo aburrió. Los encargos privados eran más interesantes y más lucrativos: la aristocracia quería el tipo de temas íntimos y explícitamente sensuales que nunca pasarían un jurado académico.

A lo largo de los años sesenta y setenta se convirtió en el pintor más buscado de París a la moda. Se casó con Marie-Anne Gérard en 1769; era miniaturista y pintora competente, y su hermana menor Marguerite se mudó con ellos y se convirtió en uno de los modelos más importantes de Fragonard. El arreglo doméstico era feliz, productivo y ligeramente poco convencional.

Su amigo pintor Jacques-Louis David, ahora figura dominante en el arte francés, lo ayudó a obtener un puesto administrativo menor en la burocracia artística del nuevo gobierno. Pero la estética severa y neoclásica de la República no tenía lugar para los jardines perfumados y las muchachas en columpio de Fragonard. Era irrelevante, y él lo sabía.

Murió el 22 de agosto de 1806 en París, a los setenta y cuatro años, habiendo vivido lo suficiente para ver a Napoleón coronarse emperador. Dejó un corpus de obras completamente fuera de moda en su muerte, que comenzó a ser reevaluado solo a mediados del siglo diecinueve, cuando los coleccionistas en Francia y América reconocieron en su trabajo el registro visual más completo de un mundo que ya no existía.

Cinco cuadros famosos

El columpio 1767

El cuadro que define a Fragonard y el Rococó simultáneamente. Una joven mujer en un aireado vestido de seda rosa y blanco se balancea en lo alto en un jardín exuberante; su zapatilla ha salido volando de su pie y describe un arco en el aire. Su joven amante está tendido entre los arbustos abajo a la izquierda, posicionado directamente debajo de ella, y mira hacia arriba. Un hombre mayor — probablemente su marido — tira de la cuerda del columpio desde el fondo a la derecha. El jardín tiene una exuberancia imposible: verde oscuro y teatral. Una pequeña estatua de Cupido a la izquierda lleva un dedo a los labios. El cuadro fue encargado por el Barón de Saint-Julien, quien especificó la composición por escrito. Se encuentra en la Colección Wallace de Londres.

La carta de amor 1770

Una joven mujer, elegantemente vestida, se detiene ante una mesita de escritura y mira por sobre su hombro al espectador con una pequeña sonrisa segura. Sostiene una carta que está a punto de enviar — o que acaba de recibir. Un pequeño perro está sentado en su regazo. El cuadro es un estudio de miradas conscientes y narrativas implícitas: ¿quién envió la carta? ¿quién espera? La pincelada está en su máxima fluidez — el encaje de sus puños, el satén de su vestido, las flores en el jarrón detrás de ella se renderizan todas en pocos trazos rápidos y seguros. Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

La lectora 1776

Una joven mujer en vestido amarillo y cofia blanca está sentada ligeramente de lado respecto al espectador, leyendo un libro que sostiene con ambas manos. El cuadro es casi completamente amarillo: el vestido, la luz, el libro, el fondo cálido. Un pequeño reflejo amarillo toca la punta de su nariz. Es un tema íntimo e informal renderizado con velocidad y confianza extraordinarias: la cara se sugiere en aproximadamente una docena de trazos, cada uno visible y exacto. El cuadro fue probablemente una obra personal en lugar de un encargo, lo que puede explicar su libertad inusual. Se encuentra en la Galería Nacional de Arte en Washington D.C.

El beso robado 1787

Una obra tardía de los últimos años antes de la Revolución. Un joven se ha colado por una puerta en un pasillo donde una joven mujer está sentada; se inclina detrás de ella, le agarra el hombro y la besa — ella se gira ligeramente, sin resistir ni ceder del todo, su expresión exactamente equilibrada entre sorpresa y complicidad. Por la puerta abierta detrás de ellos se ven personas sentadas a una mesa en la habitación contigua. El cuadro se encuentra en el Hermitage de San Petersburgo y es una de sus narraciones eróticas más perfectamente compuestas.

El cerrojo 1778

Un hombre empuja con su mano derecha el cerrojo de una puerta de dormitorio, mientras su brazo izquierdo atrae hacia sí a una mujer; ella resiste con todo su cuerpo, inclinándose hacia atrás contra su abrazo, su expresión en algún punto entre la protesta y la rendición. La escena está iluminada por una única luz cálida desde la izquierda que toca el cerrojo, la sábana blanca revuelta en la cama y el brazo pálido de la mujer. Una manzana está tendida sobre una mesita junto a la cama — una referencia codificada al pecado original. El Louvre adquirió este cuadro en 1974 y desde entonces ha sido interpretado como una imagen de coerción erótica, aunque el siglo dieciocho francés simplemente lo leía como una galantería.