Gustav Klimt

Stile e tecnica

Klimt dipinse soltanto due cose, ancora e ancora: donne e motivi ornamentali. Le donne sono a volte nude, a volte drappeggiate, a volte solo un volto che galleggia in un mare di decorazione. I motivi sono mosaici, spirali, occhi, triangoli, quadrati dorati, arabeschi bizantini — applicati con la pazienza di un orafo. Incollava letteralmente foglie d'oro sulla superficie delle sue tele, le stratificava, le lucidava, e poi dipingeva volti e mani dentro l'oro come gemme in una corona.

Era questa la sua risposta alla pittura accademica che i maestri viennesi gli avevano inculcato per nove anni. Sapeva disegnare un torso di marmo perfettamente modellato quando voleva — e quasi nessuno che guardi «Il Bacio» si rende conto che i due volti immersi nell'oro sono dipinti con un realismo classico di profonda scuola. Il trucco di Klimt è mettere due linguaggi visivi completamente diversi sulla stessa tela: carne iperrealistica, dove conta; pura decorazione, ovunque altrove.

Quattro impronte rendono un Klimt inconfondibile.

Foglia d'oro vera. Le tele del celebre «Periodo Dorato» (grosso modo 1899–1910) impiegano veri fogli di oro e d'argento applicati direttamente sulla superficie, una tecnica appresa dal padre, incisore su oro. Brillano nella luce soffusa dei musei e appaiono quasi spente nelle fotografie col flash.

Motivi decorativi. Quadrati, spirali, occhi, uova, squame, vortici. Attinge ai mosaici bizantini (visitò Ravenna nel 1903), ai tessuti giapponesi, agli ornamenti egizi, agli artigiani viennesi della Wiener Werkstätte.

Donne erotiche. Il suo soggetto centrale. Sempre sensuali, spesso incinte, spesso semiaddormentate, sempre con uno sguardo o estaticamente rivolto verso l'interno o diretto allo spettatore senza alcuna vergogna.

Formato quadrato. Molte delle sue tele più famose sono quadrati perfetti — insolito nel 1900. Il quadrato elimina la consueta cornice «narrativa» e trasforma il dipinto in un unico oggetto decorativo, quasi come una piastrella.

Klimt non fu tecnicamente membro di alcun «movimento», anche se viene solitamente catalogato sotto il Simbolismo o la Secessione viennese (Jugendstil). Nel 1897 fondò la Secessione di Vienna — un gruppo di artisti che ruppe con il conservatore Künstlerhaus per costruire un proprio padiglione espositivo. Il loro motto, scolpito sopra la porta, si può leggere ancora oggi a Vienna: *«Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit»* — «All'epoca la sua arte; all'arte la sua libertà».

Vita ed eredità

Gustav Klimt nacque il 14 luglio 1862 a Baumgarten, allora un villaggio appena fuori Vienna e oggi parte della città. Era il secondo di sette figli. Il padre, Ernst Klimt, era un incisore su oro originario della Boemia. La madre, Anna, una cantante d'opera in erba. La famiglia era povera — il mestiere di Ernst stava venendo lentamente distrutto dalle macchine industriali — e Gustav, i due fratelli minori Ernst e Georg, e le quattro sorelle crebbero in appartamenti angusti ai margini operai della capitale imperiale.

A 14 anni, grazie a una borsa di studio statale, fu ammesso alla Scuola di Arti Applicate di Vienna (Kunstgewerbeschule). Vi studiò per sette anni e ne uscì a 21 con due compagni di classe — il fratello Ernst e un amico di nome Franz Matsch — formando una società di pittori decorativi. I tre vinsero le grandi commissioni pubbliche degli anni Ottanta e dei primi anni Novanta dell'Ottocento a Vienna: soffitti per il Burgtheater, scalinate per il Kunsthistorisches Museum, allegorie per i nuovi palazzi imperiali. Lavoravano da fotografie, in stili accademici, e venivano pagati dallo Stato asburgico. Klimt era un pittore artigiano rispettabile, ben vestito, di recente decorato.

Poi, verso la fine degli anni Novanta, la sua vita svoltò in tre direzioni quasi simultanee.

Prima, il fratello Ernst morì inaspettatamente nel 1892 all'età di 28 anni. Il dolore spezzò qualcosa. Gustav smise di voler dipingere allegorie della scienza imperiale.

Seconda, nel 1894 l'Università di Vienna gli commissionò tre grandi allegorie a soffitto — «Filosofia», «Medicina» e «Giurisprudenza» — per la nuova Aula Magna. Ci lavorò lentamente. Quando alla fine espose «Filosofia» nel 1900, l'establishment viennese rimase scandalizzato. Klimt aveva riempito la tela di corpi nudi e fluttuanti, un'enorme testa femminile stilizzata e un abisso di stelle. Ottantasette professori firmarono una petizione chiedendo l'annullamento della commissione. Klimt si ritirò, restituì il compenso e riprese le tele. (Tutte e tre furono distrutte nel 1945, quando le truppe delle SS in ritirata diedero fuoco al castello in cui erano custodite. Sopravvivono solo fotografie in bianco e nero.)

Terza, nel 1897 lui e un gruppo di artisti più giovani abbandonarono l'associazione ufficiale degli artisti per protesta e fondarono la Secessione di Vienna. Costruirono il proprio padiglione espositivo nel centro di Vienna — cupola rivestita di foglie d'oro, motto scolpito sulla porta — e allestirono diciassette mostre nei successivi otto anni che portarono in città per la prima volta Monet, Munch, Rodin e Whistler.

Il suo «Periodo Dorato» iniziò intorno al 1899 e si protrasse fino al 1910 circa — le tele per cui è oggi più famoso. Dipinse «Giuditta I» (1901), il «Ritratto di Adele Bloch-Bauer I» (1907, la cosiddetta «Donna in oro»), «Il Bacio» (1908) e «Speranza II» (1908). Viaggiò a Ravenna nel 1903 per studiare i mosaici bizantini. Viaggiò a Venezia, Parigi e Bruxelles. Lavorò ossessivamente, disegnando senza sosta — sopravvivono quasi 3.000 disegni, molti francamente erotici, degli stessi pochi modelli che venivano ogni giorno nel suo studio-giardino ai margini di Vienna.

Non si sposò mai. Visse con la madre e le sorelle nubili per tutta la vita. La sua relazione più stabile fu con la stilista Emilie Flöge, che conobbe quando lei aveva 17 anni e lui 28. Furono compagni per 27 anni. Se fossero amanti è ancora oggetto di dibattito. Ebbe almeno 14 figli da varie modelle, tutti mantenuti economicamente tramite le madri. Lasciò un testamento che includeva Emilie tra i principali beneficiari.

Nell'ultimo decennio della sua vita si allontanò dall'oro, verso uno stile più caldo, più libero, più saturo di colore — i ritratti tardivi, le decorazioni dell'«Albero della Vita» per il Palazzo Stoclet di Bruxelles, «Morte e Vita» (1916). La Prima Guerra Mondiale spezzò il mercato artistico viennese. L'impero per cui aveva dipinto per cinquant'anni cominciò a dissolversi.

Nel gennaio 1918 ebbe un ictus nel suo studio. Seguì una polmonite durante l'epidemia di influenza spagnola. Morì il 6 febbraio 1918, a 55 anni. Le sue ultime parole, secondo il suo allievo Egon Schiele, che sarebbe morto della stessa influenza nove mesi dopo, furono: *«Portate Emilie»*. Lei arrivò troppo tardi.

La più grande collezione singola dei suoi dipinti si trova al Museo del Belvedere di Vienna, dove «Il Bacio» è esposto nella stessa sala dal 1908.

Cinque dipinti famosi

Giuditta I 1901

Il primo grande dipinto del Periodo Dorato di Klimt. Giuditta — l'eroina biblica che decapita il generale nemico Oloferne — è raffigurata in uno stato di estasi erotica: mezzo sorriso, occhi semichiusi, seno scoperto sopra uno scintillante collare d'oro, la testa mozzata di Oloferne stretta nella mano destra in basso nella tela. La maggior parte degli spettatori non nota subito la testa; Klimt la nasconde deliberatamente quasi fuori campo, tagliata a metà dalla cornice. Il dipinto fu scandaloso a Vienna nel 1901 — Giuditta avrebbe dovuto essere un'eroina virtuosa, non un'incantatrice decadente. Oggi è esposto al Belvedere come uno dei Klimt più riprodotti al mondo.

L'albero della vita 1909

In senso stretto si tratta di un pannello di un enorme fregio a mosaico progettato per il Palazzo Stoclet di Bruxelles, una villa privata costruita tra il 1905 e il 1911 per il banchiere belga Adolphe Stoclet. Klimt dipinse i cartoni per il fregio della sala da pranzo a grandezza naturale nel suo studio viennese. Raffigurano un albero stilizzato con rami dorati a spirale, una figura femminile in piedi a sinistra («Attesa») e una coppia che si abbraccia a destra («Compimento»). Veri mosaicisti tradussero poi i cartoni in vetro, oro, smalto e pietre semipreziose per la sala da pranzo effettiva. I cartoni originali si trovano al Museo delle Arti Applicate di Vienna; il Palazzo Stoclet stesso è chiuso al pubblico.

Il Bacio 1908

Il Klimt più famoso e uno dei dipinti più riprodotti al mondo. Un uomo e una donna s'inginocchiano su un piccolo prato fiorito sull'orlo di un abisso dorato. L'uomo, di spalle, si protende in avanti per baciare la guancia della donna. I loro corpi sono avvolti insieme in un enorme mantello dorato — il motivo di lui fatto di rettangoli bianchi e neri, quello di lei di vivaci cerchi concentrici. Solo i volti, le mani e i piedi nudi di lei emergono dall'oro. Il formato quadrato (180 cm × 180 cm), la vera foglia d'oro e la deliberata inquadratura da icona medievale trasformano il bacio in qualcosa di più di un momento romantico — è più vicino a un'immagine religiosa. Il dipinto è al Belvedere di Vienna dal 1908, anno in cui Klimt lo completò; lo Stato austriaco lo acquistò direttamente dal suo cavalletto.

Ritratto di Adele Bloch-Bauer II 1912

Adele Bloch-Bauer era una mondana viennese, moglie di un magnate ebreo dello zucchero, e l'unica persona che Klimt abbia mai ritratto due volte a figura intera a olio. Il primo ritratto (1907), interamente dorato, divenne noto come la «Donna in oro» e fu saccheggiato dai nazisti nel 1938; la nipote Maria Altmann combatté una battaglia legale durata sette anni e lo recuperò nel 2006. Il secondo ritratto, dipinto nel 1912 quando Klimt si stava allontanando dall'oro, mostra Adele in piedi su uno sfondo verde-azzurro fiorito con un alto cappello nero, in uno stile più pittorico e meno ieratico. Maria Altmann lo vendette all'asta nel 2006 al finanziere Ronald Lauder per 87,9 milioni di dollari; oggi si trova alla Neue Galerie di New York, accanto alla sua sorella dorata.

Morte e Vita 1916

Dipinto in due versioni — prima nel 1908, poi profondamente rielaborato nel 1915-16 con uno sfondo diverso. A destra, un groviglio di corpi: donne, bambini, un uomo, una vecchia nonna, stretti insieme in toni di carne calda e motivi decorativi, occhi chiusi nel sonno o nell'estasi. A sinistra, separata da un netto vuoto oscuro, si erge la Morte — un teschio sorridente in un manto azzurro decorato, che regge una clava e osserva il gruppo dormiente. Klimt vinse la medaglia d'oro all'Esposizione Internazionale di Roma del 1911 con la prima versione di questo dipinto, e lo rielaborò cinque anni dopo, nel pieno della Grande Guerra, in qualcosa di ancora più cupo. Oggi è esposto al Museo Leopold di Vienna.