Gustav Klimt

Estilo y técnica

Klimt pintó únicamente dos cosas, una y otra vez: mujeres y motivos ornamentales. Las mujeres aparecen a veces desnudas, a veces envueltas en telas, a veces solo como un rostro que flota en un mar de decoración. Los motivos son mosaicos, espirales, ojos, triángulos, cuadrados dorados y arabescos bizantinos — aplicados con la paciencia de un orfebre. Pegaba literalmente pan de oro sobre la superficie de sus lienzos, lo estratificaba, lo pulía y pintaba después rostros y manos dentro del oro como gemas engarzadas en una corona.

Esta era su respuesta a la pintura académica que los maestros vieneses le habían inculcado durante nueve años. Sabía dibujar un torso de mármol perfectamente modelado cuando le placía — y casi nadie que contemple «El beso» advierte que los dos rostros sumergidos en el oro están pintados con un realismo clásico de raíz profunda. El truco de Klimt consiste en poner dos lenguajes visuales completamente distintos en el mismo lienzo: carne hiperrealista, donde importa; pura decoración, en todo lo demás.

Cuatro rasgos hacen inconfundible un Klimt.

Pan de oro auténtico. Los lienzos del famoso «Período Dorado» (aproximadamente 1899–1910) emplean hojas reales de oro y plata aplicadas directamente sobre la superficie, una técnica aprendida de su padre, grabador en oro. Brillan bajo la luz tenue de los museos y parecen casi apagados en fotografías con flash.

Motivos decorativos. Cuadrados, espirales, ojos, huevos, escamas, remolinos. Bebe de los mosaicos bizantinos (visitó Rávena en 1903), los tejidos japoneses, el ornamento egipcio y los artesanos vieneses de la Wiener Werkstätte.

Mujeres eróticas. Su tema central. Siempre sensuales, a menudo embarazadas, a menudo semidormidas, y con una mirada que se dirige extáticamente hacia su interior o fija al espectador sin ningún pudor.

Formato cuadrado. Muchos de sus lienzos más célebres son cuadrados perfectos — inhabitual en 1900. El cuadrado elimina el encuadre «narrativo» convencional y convierte el cuadro en un único objeto decorativo, casi como un azulejo.

Klimt no fue técnicamente miembro de ningún «movimiento», aunque habitualmente se le encuadra bajo el Simbolismo o el Art Nouveau vienés (Jugendstil). En 1897 fundó la Secesión de Viena — un grupo de artistas que rompió con el conservador Künstlerhaus para construir su propio pabellón de exposiciones. Su lema, grabado sobre la puerta, puede leerse todavía hoy en Viena: *«Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit»* — «A cada época su arte; al arte su libertad».

Vida y legado

Gustav Klimt nació el 14 de julio de 1862 en Baumgarten, entonces una aldea a las afueras de Viena y hoy parte de la ciudad. Era el segundo de siete hermanos. Su padre, Ernst Klimt, era grabador en oro de origen bohemio. Su madre, Anna, aspiraba a ser cantante de ópera. La familia era pobre — el oficio de Ernst lo iban destruyendo lentamente las máquinas industriales — y Gustav, sus dos hermanos menores Ernst y Georg, y sus cuatro hermanas crecieron en apartamentos estrechos en el barrio obrero de la capital imperial.

A los catorce años, gracias a una beca estatal, ingresó en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena (Kunstgewerbeschule). Estudió allí siete años y salió a los veintiuno junto a dos compañeros — su hermano Ernst y un amigo llamado Franz Matsch — como sociedad de pintores decorativos. Los tres se llevaron los grandes encargos públicos de los años ochenta y primeros noventa en Viena: techos para el Burgtheater, escalinatas para el Kunsthistorisches Museum, alegorías para los nuevos palacios imperiales. Trabajaban a partir de fotografías, en estilos académicos, y cobraban del Estado habsburgo. Klimt era un pintor artesano respetable, bien vestido y recién condecorado.

Luego, hacia finales de los años noventa, su vida giró en tres direcciones casi simultáneas.

Primera, su hermano Ernst murió inesperadamente en 1892 a los veintiocho años. El dolor rompió algo en él. Gustav dejó de querer pintar alegorías de la ciencia imperial.

Segunda, en 1894 la Universidad de Viena le encargó tres grandes alegorías para el techo — «Filosofía», «Medicina» y «Jurisprudencia» — destinadas al nuevo Aula Magna. Trabajó en ellas con lentitud. Cuando expuso «Filosofía» en 1900, el establishment vienés se escandalizó. Klimt había llenado el lienzo de cuerpos desnudos a la deriva, una enorme cabeza femenina estilizada y un vacío de estrellas. Ochenta y siete profesores firmaron una petición pidiendo que se anulase el encargo. Klimt se retiró, devolvió el honorario y recuperó los lienzos. (Los tres fueron destruidos en 1945 cuando las tropas de las SS en retirada prendieron fuego al castillo donde estaban almacenados. Solo sobreviven fotografías en blanco y negro.)

Tercera, en 1897 él y un grupo de artistas más jóvenes abandonaron en protesta la asociación oficial de artistas y fundaron la Secesión de Viena. Construyeron su propio pabellón de exposiciones en el centro de la ciudad — cúpula revestida de pan de oro, lema grabado sobre la puerta — y organizaron diecisiete exposiciones en los ocho años siguientes que trajeron a Viena por primera vez a Monet, Munch, Rodin y Whistler.

Su «Período Dorado» comenzó hacia 1899 y se prolongó hasta aproximadamente 1910 — los lienzos por los que hoy es más famoso. Pintó «Judit I» (1901), el «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» (1907, la llamada «Mujer en oro»), «El beso» (1908) y «Esperanza II» (1908). Viajó a Rávena en 1903 para estudiar los mosaicos bizantinos. Viajó a Venecia, París y Bruselas. Trabajó de forma obsesiva, dibujando sin cesar — sobreviven casi 3.000 dibujos, muchos de ellos francamente eróticos, de los mismos pocos modelos que acudían cada día a su estudio-jardín en las afueras de Viena.

Nunca se casó. Vivió con su madre y sus hermanas solteras toda la vida. Su relación más estable fue con la diseñadora de moda Emilie Flöge, a quien conoció cuando ella tenía diecisiete años y él veintiocho. Fueron compañeros durante veintisiete años. Si fueron amantes sigue siendo materia de debate. Tuvo al menos catorce hijos con distintas modelos, a todos los cuales mantuvo económicamente a través de sus madres. Dejó un testamento que incluía a Emilie como beneficiaria principal.

En el último decenio de su vida se alejó del oro hacia un estilo más cálido, más suelto y más saturado de color — los retratos tardíos, las decoraciones del «Árbol de la vida» para el Palacio Stoclet de Bruselas, «Muerte y vida» (1916). La Primera Guerra Mundial quebró el mercado artístico vienés. El imperio para el que había pintado durante cincuenta años comenzó a desmoronarse.

En enero de 1918 sufrió un ictus en su estudio. Le siguió una neumonía durante la epidemia de gripe española. Murió el 6 de febrero de 1918, a los cincuenta y cinco años. Sus últimas palabras, según su discípulo Egon Schiele — quien moriría de la misma gripe nueve meses después — fueron: *«Traed a Emilie»*. Ella llegó demasiado tarde.

La mayor colección individual de sus pinturas se encuentra en el Museo del Belvedere de Viena, donde «El beso» lleva expuesto en la misma sala desde 1908.

Cinco cuadros famosos

Judit I 1901

El primer gran cuadro del Período Dorado de Klimt. Judit — la heroína bíblica que decapita al general enemigo Holofernes — aparece en estado de éxtasis erótico: media sonrisa, ojos entornados, pecho desnudo sobre un collar de oro centelleante, con la cabeza cercenada de Holofernes sujeta en la mano derecha en la parte inferior del lienzo. La mayoría de los espectadores no advierte la cabeza al principio; Klimt la oculta deliberadamente casi fuera del encuadre, a medias cortada por el marco. El cuadro escandalizó a Viena en 1901 — Judit debía ser una heroína virtuosa, no una encantadora decadente. Hoy cuelga en el Belvedere como uno de los Klimt más reproducidos del mundo.

El árbol de la vida 1909

En sentido estricto es un panel de un enorme friso de mosaico diseñado para el Palacio Stoclet de Bruselas, una mansión privada construida entre 1905 y 1911 para el banquero belga Adolphe Stoclet. Klimt pintó los cartones para el friso del comedor a tamaño natural en su estudio vienés. Representan un árbol estilizado con ramas doradas en espiral, una figura femenina de pie a la izquierda («La espera») y una pareja en abrazo a la derecha («El cumplimiento»). Auténticos mosaicistas tradujeron después los cartones a vidrio, oro, esmalte y piedras semipreciosas para el comedor real. Los cartones originales se conservan en el Museo de Artes Aplicadas de Viena; el Palacio Stoclet en sí está cerrado al público.

El beso 1908

El Klimt más famoso y uno de los cuadros más reproducidos del mundo. Un hombre y una mujer se arrodillan sobre un pequeño rincón de hierba florida al borde de un abismo dorado. El hombre, de espaldas, se inclina hacia delante para besar la mejilla de la mujer. Sus cuerpos se envuelven juntos en un enorme manto dorado — el motivo de él formado por rectángulos en blanco y negro, el de ella por círculos concéntricos vivos. Solo los rostros, las manos y los pies desnudos de ella emergen del oro. El formato cuadrado (180 cm × 180 cm), el pan de oro auténtico y el deliberado encuadre de icono medieval convierten el beso en algo más que un momento romántico — se aproxima a una imagen religiosa. El cuadro está en el Belvedere de Viena desde 1908, el año en que Klimt lo terminó; el Estado austriaco lo compró directamente de su caballete.

Retrato de Adele Bloch-Bauer II 1912

Adele Bloch-Bauer era una dama de la sociedad vienesa, esposa de un magnate judío del azúcar, y la única persona a la que Klimt retrató dos veces en óleo de cuerpo entero. El primer retrato (1907), completamente dorado, se conoció como la «Mujer en oro» y fue saqueado por los nazis en 1938; su sobrina Maria Altmann libró una batalla legal de siete años y lo recuperó en 2006. El segundo retrato, pintado en 1912 cuando Klimt se alejaba del oro, muestra a Adele de pie ante un fondo verde-azulado florido con un sombrero negro de ala alta, en un estilo más pictórico y menos hierático. Maria Altmann lo vendió en subasta en 2006 al financiero Ronald Lauder por 87,9 millones de dólares; hoy se encuentra en la Neue Galerie de Nueva York, junto a su hermana dorada.

Muerte y vida 1916

Pintado en dos versiones — primero en 1908, después profundamente reelaborado en 1915–16 con un fondo distinto. A la derecha, un entramado de cuerpos: mujeres, niños, un hombre, una anciana, estrechados unos a otros en tonos de carne cálida y motivos decorativos, con los ojos cerrados en el sueño o el éxtasis. A la izquierda, separada por un nítido vacío oscuro, se yergue la Muerte — una calavera sonriente en un manto azul estampado, que sostiene una maza y observa al grupo dormido. Klimt ganó la medalla de oro en la Exposición Internacional de Roma de 1911 con la primera versión de este cuadro, y lo reelaboró cinco años después, en plena Gran Guerra, convirtiéndolo en algo aún más sombrío. Hoy se expone en el Museo Leopold de Viena.