Gustav Klimt

Style et technique

Klimt n'a peint que deux choses, encore et encore : des femmes et des ornements. Les femmes sont tantôt nues, tantôt drapées, tantôt réduites à un visage flottant dans un océan de décoration. Les ornements sont des mosaïques, des spirales, des yeux, des triangles, des carrés dorés, des arabesques byzantines — appliqués avec la patience d'un orfèvre. Il collait littéralement des feuilles d'or sur la surface de ses toiles, les superposait, les polissait, puis peignait visages et mains à l'intérieur de l'or comme des joyaux dans une couronne.

Telle était sa réponse à la peinture académique que ses professeurs viennois lui avaient inculquée pendant neuf ans. Il savait dessiner un torse de marbre parfaitement modelé quand il le souhaitait — et presque personne qui regarde « Le Baiser » ne réalise que les deux visages noyés dans l'or sont peints avec un réalisme classique d'une profonde rigueur. Le tour de force de Klimt est de réunir sur la même toile deux langages visuels radicalement différents : de la chair hyperréaliste là où cela compte ; de la pure décoration partout ailleurs.

Quatre empreintes rendent un Klimt immédiatement reconnaissable.

La feuille d'or véritable. Les toiles du célèbre « Période dorée » (grosso modo 1899–1910) emploient de véritables feuilles d'or et d'argent appliquées directement sur la surface, une technique apprise de son père, graveur sur or. Elles brillent dans la lumière tamisée des musées et paraissent presque éteintes sous l'éclairage au flash.

Les motifs décoratifs. Carrés, spirales, yeux, œufs, écailles, tourbillons. Il puise dans les mosaïques byzantines (il visite Ravenne en 1903), les tissus japonais, les ornements égyptiens, les artisans viennois de la Wiener Werkstätte.

Les femmes érotiques. Son sujet central. Toujours sensuelles, souvent enceintes, souvent à demi endormies, toujours dotées d'un regard soit tourné vers l'intérieur dans une extase rêveuse, soit rivé sur le spectateur sans la moindre pudeur.

Le format carré. Nombre de ses toiles les plus célèbres sont des carrés parfaits — inhabituel en 1900. Le carré supprime le cadrage « narratif » conventionnel et fait du tableau un objet décoratif unique, presque une dalle.

Klimt n'appartient techniquement à aucun « mouvement », bien qu'on le classe généralement sous le Symbolisme ou la Sécession viennoise (Jugendstil). En 1897, il fonde la Sécession de Vienne — un groupe d'artistes qui rompent avec le Künstlerhaus conservateur pour construire leur propre pavillon d'exposition. Leur devise, gravée au-dessus de la porte, se lit encore aujourd'hui à Vienne : *« Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit »* — « À chaque époque son art ; à l'art sa liberté. »

Vie et héritage

Gustav Klimt naît le 14 juillet 1862 à Baumgarten, alors village en bordure de Vienne, aujourd'hui intégré à la ville. Il est le deuxième d'une fratrie de sept enfants. Son père, Ernst Klimt, est graveur sur or, originaire de Bohême. Sa mère, Anna, aspire à une carrière de cantatrice. Le foyer est pauvre — le métier d'Ernst est lentement détruit par la mécanisation industrielle — et Gustav, ses deux frères cadets Ernst et Georg, et ses quatre sœurs grandissent dans de petits appartements aux marges ouvrières de la capitale impériale.

À quatorze ans, grâce à une bourse d'État, il est admis à l'École des arts appliqués de Vienne (Kunstgewerbeschule). Il y étudie sept ans et en sort à vingt et un ans avec deux de ses camarades — son frère Ernst et un ami nommé Franz Matsch — pour former une société de peintres décorateurs. Les trois jeunes gens remportent les grandes commandes publiques des années 1880 et du début des années 1890 à Vienne : plafonds pour le Burgtheater, escaliers pour le Kunsthistorisches Museum, allégories pour les nouveaux palais impériaux. Ils travaillent d'après photographies, dans des styles académiques, et sont rémunérés par l'État habsbourgeois. Klimt est un peintre artisan respectable, élégamment vêtu, récemment décoré.

Puis, à la fin des années 1890, sa vie bascule simultanément dans trois directions.

Premièrement, son frère Ernst meurt inopinément en 1892, à vingt-huit ans. Ce deuil brise quelque chose. Gustav cesse de vouloir peindre des allégories de la science impériale.

Deuxièmement, en 1894, l'Université de Vienne lui commande trois grandes allégories pour les plafonds de la nouvelle Aula Magna — « La Philosophie », « La Médecine » et « La Jurisprudence ». Il y travaille lentement. Lorsqu'il expose enfin « La Philosophie » en 1900, l'establishment viennois est scandalisé. Klimt a rempli la toile de corps nus et flottants, d'une énorme tête féminine stylisée et d'un abîme d'étoiles. Quatre-vingt-sept professeurs signent une pétition réclamant l'annulation de la commande. Klimt se retire, rembourse ses honoraires et récupère les toiles. (Toutes trois sont détruites en 1945 lorsque des troupes SS en retraite incendient le château où elles étaient entreposées. Seules des photographies en noir et blanc subsistent.)

Troisièmement, en 1897, lui et un groupe de jeunes artistes quittent l'association officielle des artistes pour protester et fondent la Sécession de Vienne. Ils construisent leur propre pavillon d'exposition au cœur de Vienne — coupole revêtue de feuilles d'or, devise gravée au-dessus de la porte — et organisent dix-sept expositions au cours des huit années suivantes, qui font découvrir Monet, Munch, Rodin et Whistler à la ville pour la première fois.

Sa « Période dorée » commence vers 1899 et s'étend jusqu'aux alentours de 1910 — les toiles pour lesquelles il est aujourd'hui le plus célèbre. Il peint « Judith I » (1901), le « Portrait d'Adele Bloch-Bauer I » (1907, la fameuse « Femme en or »), « Le Baiser » (1908) et « Espoir II » (1908). Il se rend à Ravenne en 1903 pour étudier les mosaïques byzantines, puis à Venise, Paris et Bruxelles. Il travaille avec obsession, dessinant sans relâche — près de 3 000 dessins subsistent, dont beaucoup sont franchement érotiques, représentant les mêmes modèles qui venaient chaque jour dans son atelier-jardin en bordure de Vienne.

Il ne se marie jamais. Il vit avec sa mère et ses sœurs célibataires toute sa vie. Sa relation la plus stable est celle qu'il entretient avec la créatrice de mode Emilie Flöge, qu'il rencontre alors qu'elle a dix-sept ans et lui vingt-huit. Ils sont compagnons pendant vingt-sept ans. Qu'ils aient été amants reste débattu. Il reconnaît au moins quatorze enfants de diverses liaisons avec des modèles, auxquels il pourvoit financièrement par l'intermédiaire de leurs mères. Son testament fait d'Emilie l'une de ses principales légataires.

Dans la dernière décennie de sa vie, il s'éloigne de l'or vers un style plus chaud, plus libre, plus saturé de couleur — les portraits tardifs, les décorations de « L'Arbre de vie » pour le Palais Stoclet à Bruxelles, « La Mort et la Vie » (1916). La Première Guerre mondiale brise le marché de l'art viennois. L'empire qu'il a peint pendant cinquante ans commence à se désagréger.

En janvier 1918, il est victime d'un accident vasculaire cérébral dans son atelier. Une pneumonie survient au cours de l'épidémie de grippe espagnole. Il meurt le 6 février 1918, à cinquante-cinq ans. Ses dernières paroles, selon son protégé Egon Schiele — qui mourra de la même grippe neuf mois plus tard —, auraient été : *« Appelez Emilie. »* Elle arriva trop tard.

La plus importante collection de ses tableaux se trouve au musée du Belvédère de Vienne, où « Le Baiser » est exposé dans la même salle depuis 1908.

Cinq tableaux célèbres

Judith I 1901

Le premier grand tableau de la Période dorée de Klimt. Judith — l'héroïne biblique qui décapite le général ennemi Holopherne — est représentée dans un état d'extase érotique : demi-sourire, yeux mi-clos, sein découvert au-dessus d'un col d'or scintillant, tenant la tête tranchée d'Holopherne dans la main droite, au bas de la toile. La plupart des spectateurs ne remarquent pas immédiatement la tête ; Klimt la dissimule délibérément presque hors champ, à demi coupée par le cadre. Le tableau fut scandaleux à Vienne en 1901 — Judith était censée être une héroïne vertueuse, non une enchanteresse décadente. Il est aujourd'hui exposé au Belvédère comme l'un des Klimt les plus reproduits au monde.

L'Arbre de vie 1909

À proprement parler, il s'agit d'un panneau d'une immense frise en mosaïque conçue pour le Palais Stoclet à Bruxelles, une villa privée construite entre 1905 et 1911 pour le banquier belge Adolphe Stoclet. Klimt peint les cartons grandeur nature de la frise de la salle à manger dans son atelier viennois. Ils représentent un arbre stylisé aux branches dorées en spirale, une figure féminine debout à gauche (« L'Attente ») et un couple enlacé à droite (« L'Accomplissement »). De véritables mosaïstes traduisirent ensuite les cartons en verre, or, émail et pierres semi-précieuses pour la salle à manger réelle. Les cartons originaux sont conservés au Musée des arts appliqués de Vienne ; le Palais Stoclet lui-même est fermé au public.

Le Baiser 1908

Le Klimt le plus célèbre et l'un des tableaux les plus reproduits au monde. Un homme et une femme s'agenouillent sur un petit coin de prairie fleuri au bord d'un abîme doré. L'homme, dos au spectateur, se penche pour embrasser la joue de la femme. Leurs corps sont enveloppés ensemble dans une immense cape dorée — le motif de l'homme fait de rectangles noirs et blancs, celui de la femme de cercles concentriques vifs. Seuls leurs visages, leurs mains et les pieds nus de la femme émergent de l'or. Le format carré (180 cm × 180 cm), la véritable feuille d'or et le cadrage délibérément inspiré des icônes médiévales font du baiser bien plus qu'un moment romantique — il se rapproche davantage d'une image religieuse. Le tableau est au Belvédère de Vienne depuis 1908, année où Klimt l'a achevé ; l'État autrichien l'a acheté directement sur son chevalet.

Portrait d'Adele Bloch-Bauer II 1912

Adele Bloch-Bauer était une mondaine viennoise, épouse d'un magnat juif du sucre, et la seule personne que Klimt ait jamais représentée deux fois en pied à l'huile. Le premier portrait (1907), entièrement doré, fut surnommé la « Femme en or » et pillé par les nazis en 1938 ; sa nièce Maria Altmann mena un combat judiciaire de sept ans pour le récupérer en 2006. Le second portrait, peint en 1912 alors que Klimt s'éloignait de l'or, montre Adele debout sur un fond floral vert-bleu, coiffée d'un haut chapeau noir, dans un style plus pictural et moins hiératique. Maria Altmann le vendit aux enchères en 2006 au financier Ronald Lauder pour 87,9 millions de dollars ; il est aujourd'hui à la Neue Galerie de New York, aux côtés de sa sœur dorée.

La Mort et la Vie 1916

Peint en deux versions — d'abord en 1908, puis profondément retravaillé entre 1915 et 1916 avec un fond différent. À droite, un enchevêtrement de corps : femmes, enfants, un homme, une vieille grand-mère, serrés les uns contre les autres dans des tons de chair chaude et des motifs décoratifs, les yeux clos dans le sommeil ou l'extase. À gauche, séparée par un vide obscur, se dresse la Mort — un crâne grimaçant dans un manteau bleu à motifs, tenant une massue, observant le groupe endormi. Klimt remporta la médaille d'or à l'Exposition internationale de Rome de 1911 avec la première version de ce tableau, qu'il retravailla cinq ans plus tard, en pleine Grande Guerre, pour en faire quelque chose d'encore plus sombre. Il est aujourd'hui exposé au musée Leopold de Vienne.