Japonismo / Ukiyo-e
Las estampas japonesas llegaron a Occidente y rompieron todas las reglas que los pintores creían sagradas.
En las décadas de 1850 y 1860, las estampas japonesas xilográficas comenzaron a inundar los mercados europeos — primero como papel de embalaje barato para porcelana, luego como objetos coleccionados con creciente pasión por pintores y críticos que encontraron en ellas un conjunto de ideas visuales completamente ajenas a todo lo que el arte occidental les había enseñado a valorar. El japonismo — término acuñado por el crítico francés Philippe Burty en 1872 — describe la profunda y de largo alcance influencia de la estética japonesa en el arte occidental desde mediados del siglo XIX en adelante. La tradición ukiyo-e, que los maestros japoneses llevaban refinando desde el siglo XVII, ofreció a los impresionistas y postimpresionistas una forma radicalmente distinta de componer una imagen: áreas planas de color uniforme, líneas de contorno audaces, composiciones asimétricas, primeros planos cortados, puntos de vista elevados y la convicción de que una única pincelada decidida podía transmitir más peso expresivo que una docena de pasajes cuidadosamente modelados. El encuentro transformó la pintura occidental.
Origen e historia
El ukiyo-e — literalmente 'imágenes del mundo flotante' — surgió en la cultura urbana de Edo (la actual Tokio) durante el siglo XVII, arraigado en los placeres y espectáculos de la vida de la clase mercantil: el teatro kabuki, los barrios de placer autorizados, los luchadores de sumo, los paisajes célebres. La técnica de impresión xilográfica permitía a los artistas producir imágenes en grandes tiradas a bajo coste, haciendo del arte algo genuinamente popular de una manera que la pintura europea raramente lograba. Maestros como Hokusai (1760–1849) y Hiroshige (1797–1858) llevaron la tradición a su cima expresiva — Hokusai con su audaz e inquieto dinamismo en la serie *Treinta y seis vistas del Monte Fuji*, Hiroshige con sus representaciones luminosas y atmosféricamente precisas del camino Tokaido y las estaciones.
La puerta entre Japón y Occidente había sido abierta a la fuerza por la misión del comodoro americano Perry en 1853, poniendo fin a dos siglos de aislamiento japonés. En la década de 1860, los productos japoneses — abanicos, biombos, objetos de laca y, sobre todo, estampas xilográficas — llegaban en volumen a París y Londres. El momento era fatídico: coincidía exactamente con el instante en que una generación de pintores franceses buscaba precisamente la libertad pictórica que las estampas ofrecían. Claude Monet comenzó a coleccionar estampas japonesas en la década de 1870 y llegó a poseer más de 200, colgadas por toda su casa en Giverny. Vincent van Gogh copió composiciones de Hiroshige en pintura al óleo. Henri de Toulouse-Lautrec tomó prestada la audaz planitud cartelística del ukiyo-e para sus imágenes de Montmartre. James McNeill Whistler organizó habitaciones enteras — y exposiciones enteras — según los principios japoneses de armonía y simplificación.
Concepto y filosofía
La idea central que el ukiyo-e ofreció a los pintores occidentales fue que el ilusionismo tridimensional es una convención, no una necesidad. La pintura occidental desde el Renacimiento se había construido sobre la premisa de que la labor del pintor era crear profundidad convincente en una superficie plana — mediante la perspectiva, el claroscuro, la recesión atmosférica. El ukiyo-e demostró que una imagen podía organizarse en cambio como un patrón de áreas de color plano separadas por nítidas líneas de contorno, con el espacio sugerido mediante la superposición y la ubicación en lugar de representado a través de la gradación tonal. La lógica visual era completamente distinta, y resultaba liberadora.
Más allá de la planitud, las estampas japonesas ofrecieron a los artistas occidentales una nueva gramática de la composición: asimétrica en lugar de centrada, con los sujetos desplazados del eje, elementos importantes cortados en el borde, el espacio vacío utilizado como una fuerza compositiva activa. Hiroshige colocaba una rama en diagonal a través de todo el primer plano, cortándola bruscamente en el borde del marco — un recurso que parecía arbitrario según los cánones académicos occidentales y que resultaba refrescantemente novedoso para quien había sido formado en esos mismos cánones. El punto de vista elevado — mirando una escena desde arriba — aparecía constantemente en el ukiyo-e y fue adoptado con entusiasmo por Edgar Degas y Toulouse-Lautrec para sus imágenes de bailarinas, cafés y artistas de circo.
El ukiyo-e también validó lo cotidiano como tema artístico serio: personas corrientes haciendo cosas corrientes — actores en escena, viajeros en un camino, mujeres arreglándose el cabello — representadas con el mismo cuidado formal que la pintura académica europea reservaba para dioses y héroes. Esta democratización de la temática encajó perfectamente con el proyecto impresionista y contribuyó a acelerar el alejamiento de la pintura de historia hacia escenas de la vida urbana y suburbana moderna.
Cómo reconocerlo
Cuando veas una pintura influida por el japonismo, busca estas desviaciones de la tradición académica occidental.
- Áreas planas de color uniforme — En lugar del modelado tonal gradual utilizado para crear volumen en la pintura occidental, las obras influidas por el ukiyo-e emplean amplias zonas uniformes de un solo color con un sombreado mínimo — a menudo separadas por un contorno definido. El *Retrato del Père Tanguy* (1887) de Van Gogh, con sus estampas japonesas visibles en la pared del fondo, lo muestra con claridad.
- Líneas de contorno audaces y decididas — Las formas se definen mediante contornos enfáticos en lugar de ser esculpidas desde la sombra como las figuras barrocas y renacentistas. La línea sostiene la imagen; el color la rellena. Esto es lo opuesto a las prioridades tonales de la mayor parte de la pintura académica occidental.
- Composición asimétrica y descentrada — Los sujetos se sitúan a un lado, cerca del borde del encuadre. El espacio vacío — cielo, agua, un fondo liso — recibe el mismo peso que el sujeto representado. El centro de gravedad compositivo se aleja del equilibrio geométrico que caracteriza las composiciones renacentistas y barrocas.
- Elementos del primer plano cortados — Una rama, un bote, una figura son cortados bruscamente en el borde del cuadro, como si el marco fuera una ventana situada casualmente en ese lugar — en lugar de un escenario cuidadosamente compuesto para el espectador. Degas estuvo particularmente influido por este recurso, cortando bailarinas y caballos de carreras de maneras que resultaban sorprendentemente fotográficas.
- Punto de vista elevado y perspectiva no convencional — La vista a vuelo de pájaro o el ángulo descendente pronunciado que aparece constantemente en las estampas de paisaje ukiyo-e fue adoptado por los pintores impresionistas y postimpresionistas que buscaban una alternativa a la perspectiva de línea de horizonte heredada del Renacimiento. Las escenas de cafés y teatros de Toulouse-Lautrec utilizan este recurso de manera extensa.
- Patrón lineal decorativo — Las olas, el follaje, las telas y el agua se representan como patrones lineales repetitivos en lugar de como texturas naturalistas — otorgando a la superficie pictórica una energía decorativa que la pintura europea tendía a suprimir en favor del ilusionismo. La célebre ola de Hokusai es el ejemplo icónico: es simultáneamente una ola rompiente y un diseño gráfico rítmico.
Anécdotas y curiosidades
La Gran Ola de Hokusai nunca fue concebida como imagen independiente — era la estampa número uno de una serie de cuarenta y seis. La serie *Treinta y seis vistas del Monte Fuji* (iniciada hacia 1830) se amplió a cuarenta y seis estampas cuando la demanda del público resultó abrumadora. *Bajo la ola frente a Kanagawa* — la Gran Ola — abría la serie y se convirtió casualmente en la obra de arte más reproducida de la historia de la humanidad. Hokusai tenía poco más de setenta años cuando la realizó. Se dice que afirmó que no alcanzaría su cima artística hasta los 110 años; murió a los ochenta y nueve.
Van Gogh copió estampas japonesas en pintura al óleo como ejercicio de estudio. En 1887, tras haberse sumergido en la colección de estampas japonesas de la tienda del marchante parisino Siegfried Bing, Van Gogh realizó cuidadosas copias al óleo de dos estampas de Hiroshige — *El parque de ciruelos en Kameido* y *Aguacero repentino sobre el puente Shin-Ohashi* — añadiendo bordes caligráficos decorativos a imitación de los originales japoneses. Describió Japón como 'un país donde el arte corre por la sangre de sus gentes' y habló de su deseo de crear un equivalente al sur de Francia. Su estancia en Arles fue conscientemente concebida como su propio 'Japón.'
El jardín de Monet en Giverny fue diseñado como una estampa japonesa viviente. El estanque de nenúfares fue creado en 1893, después de que Monet llevara dos décadas coleccionando estampas japonesas. El puente de madera que se arquea sobre el estanque fue modelado directamente a partir de los puentes que había visto en las estampas de Hiroshige. Pasó los últimos veintisiete años de su vida pintando la superficie del estanque con diferentes luces y estaciones, produciendo la serie de grandes *Nenúfares* que hoy llenan dos salas ovaladas en la Orangerie de París.
El cartel de Toulouse-Lautrec para el Moulin Rouge estaba tan influido por el diseño japonés que los parisinos inicialmente creyeron que era obra de un artista japonés. El cartel *Moulin Rouge: La Goulue* de 1891 emplea una bailarina recortada en primer plano, figuras en silueta audaz en el plano intermedio y áreas planas de negro que funcionan simultáneamente como figura y fondo — todos recursos tomados directamente del ukiyo-e. El cartel fue pegado por toda París de la noche a la mañana y causó sensación; algunos espectadores, al parecer, preguntaron de dónde había venido el artista japonés.
Legado e influencia
El japonismo fue el primer gran ejemplo en la historia del arte occidental de una tradición visual no europea que reformó fundamentalmente el modo en que los pintores occidentales concebían el acto de pintar en sí mismo — no tomando prestados simples motivos decorativos, sino cuestionando las premisas filosóficas que subyacían a toda la tradición pictórica occidental desde el Renacimiento. El abandono del ilusionismo tridimensional en favor del color plano y la línea audaz que el ukiyo-e propició alimentó directamente el sintetismo (Gauguin), el cloisonismo y, en última instancia, la abstracción del siglo XX. Matisse, cuyas superficies de color y formas simplificadas deben una deuda enorme a este linaje, se sitúa al final de un camino que el ukiyo-e contribuyó a abrir. En el diseño gráfico, el cartelismo, la ilustración y la animación — sobre todo en la absorción norteamericana y europea del manga y el anime a mediados del siglo XX — la influencia de la tradición xilográfica japonesa continúa modelando la cultura visual en todo el mundo. Las estampas que llegaron como papel de embalaje desechable en la década de 1850 son hoy algunos de los objetos más caros en subasta y de las imágenes más reproducidas del mundo.
2 artistas en este movimiento
Preguntas frecuentes
¿Qué es el ukiyo-e?
Ukiyo-e (pronunciado u-ki-yo-e) significa 'imágenes del mundo flotante' en japonés — siendo 'mundo flotante' un término de resonancia budista para los placeres transitorios de la vida urbana. Se refiere a una tradición de grabado xilográfico y pintura japonesa que floreció desde el siglo XVII hasta el XIX, con temas tomados de los barrios de placer de Edo: actores de kabuki, cortesanas, paisajes célebres y escenas de la vida cotidiana burguesa. La técnica xilográfica permitía producir estampas en grandes tiradas a bajo coste, haciendo del ukiyo-e un arte genuinamente popular y no un arte de mecenazgo elitista.
¿Por qué Japón influyó de repente en el arte occidental en la década de 1860?
Japón había impuesto un aislamiento casi total del mundo occidental desde 1635. Cuando el comodoro americano Matthew Perry entró en la bahía de Tokio en 1853 y obligó a Japón a abrir sus puertos al comercio exterior, se rompió una presa de dos siglos. Los productos de exportación japoneses — abanicos, cerámicas, objetos de laca y, especialmente, estampas xilográficas baratas usadas como material de embalaje — inundaron los mercados europeos casi de inmediato. El momento era propicio: los pintores franceses buscaban entonces alternativas a la tradición académica, y las estampas ofrecían exactamente el conjunto de libertades visuales que necesitaban. En la década de 1870, coleccionar ukiyo-e era una pasión entre la vanguardia parisina.
¿Por qué la Gran Ola de Hokusai es tan célebre?
*Bajo la ola frente a Kanagawa* (h. 1831) de Katsushika Hokusai logra algo insólito en el arte: es simultáneamente una imagen específica y observada — barcas de pesca atrapadas bajo una ola rompiente con el Monte Fuji visible en la distancia — y un diseño gráfico casi abstracto de extraordinaria fuerza. La espuma en garras de la ola rompiente, las diminutas barcas empequeñecidas bajo ella y el sereno cono del Fuji al fondo crean una composición de una elegancia casi matemática. La estampa fue realizada con solo tres pigmentos — azul de Prusia, blanco y un gris pálido — y sin embargo transmite una abrumadora sensación de color, movimiento y escala.
¿Cómo se reconoce un paisaje de Hiroshige?
Utagawa Hiroshige se distingue de Hokusai por su suavidad atmosférica: donde Hokusai es audaz y enérgico, Hiroshige prefiere las lejanías neblinosas, la nieve que cae, las lluvias representadas como líneas diagonales paralelas y los efectos más sutiles del tiempo y las estaciones. Su célebre serie *Cien vistas famosas de Edo* emplea un dramático recorte en primer plano — una rama de ciruelo en flor, una cortina colgante — para enmarcar la vista a media distancia, creando la sensación de mirar a través de un marco dentro del marco. Su colorido es habitualmente más apagado y atmosférico que la intensidad gráfica de Hokusai.
¿Por qué es importante el japonismo para el arte moderno?
El japonismo fue el primer momento en que una tradición visual no europea cambió fundamentalmente la lógica subyacente de la pintura occidental — no aportando motivos decorativos prestados, sino demostrando que la perspectiva, el modelado tonal y la composición centrada eran convenciones y no leyes. Una vez que el ukiyo-e mostró que el color plano, el contorno audaz y el diseño asimétrico podían producir imágenes de gran belleza y expresividad, la puerta quedó abierta al sintetismo de Gauguin, a las superficies de color de Matisse y a todo el linaje que conduce a la abstracción. El arte moderno tal como lo entendemos es inconcebible sin el impacto de Japón.